風靡全球「泰迪熊大衣」背後故事大公開：Max Mara在上海龍美術館開啟品牌藏寶間，草圖、攝影檔案、設計家具全給你看

平時可不是說進就能進的時裝屋檔案庫，芝麻開門！義大利奢侈品牌Max Mara選址上海「龍美術館」舉行75週年特展，並置服裝、配飾、質材、草圖、文獻、攝影檔案及設計家具等珍貴藏品，揭示其長情醞釀數十年的極致風格美學。本篇編輯看展筆記邀你重回現場，綜覽品牌過去75年所構建版圖，以及從今往後所展望藍圖。同場帶逛對應本展重新打造的美術館書店，一併介紹人氣泰迪熊大衣等5款不可不知的Max Mara經典之作。

2026年6月中下旬，為歡慶品牌創立75週年，Max Mara隨2027度假系列時裝秀的亮相，於坐落上海徐匯濱江「西岸文化走廊」的龍美術館西岸館同步開啟為期12日的《The Max!》展覽。

深植精湛剪裁工藝並善加運用當今科技，這段跨越75年的輝煌歷史軌跡，一路上持續捕捉、解讀社會思潮的演變——「儘管時尚往往轉瞬即逝，Max Mara卻選擇了永恆，一項對優雅的持久投資，屬於今天、明天，以及永遠。」誠如策展人Olivier Saillard所言，品牌大展《The Max!》既是對Max Mara過去75年所孕育永恆優雅的回顧，亦是向未來75年未知精彩的展望。展覽甫落幕之際，La Vie透過豐富影像，盤整從展場空間設計到展出典藏檔案的全方位亮點，與向來鍾愛Max Mara雅緻服飾乃至藝術底蘊的各位，一同再次潛進目不暇給的美術館藏寶間，共感品牌以週年紀念為大題的吸睛呈獻。

品牌展覽《The Max!》亮點#01：首日揭幕大秀

► 打開藏寶間的鑰匙——Max Mara Resort 2027

自1951年創立至今，Max Mara奠基專業知識，兼採創新製衣工法步步促成義大利高級成衣的誕生。承此脈絡，6月16日《The Max!》開展首日，品牌現任創意總監Ian Griffiths領軍推出的度假系列大秀率先於展廳內登場，引領包括國際影星楊紫瓊、奧運金牌谷愛凌、中國超級名模奚夢瑤及實力演員萬茜、頂尖舞者譚元元等跨領域嘉賓一同飛往Max Mara的時尚宇宙。隨後，法國知名策展人Olivier Saillard精心規劃的展覽內容，緊接於6月17日至28日對公眾全面敞開大門。

品牌展覽《The Max!》亮點#02：核心策展概念

► 讓檔案庫悄然向觀者訴說故事，策展人親解「並置陳列」緣由

被構想為一座鮮活的典藏檔案庫，本展題名「Max」一字延伸取自品牌名「Max Mara」，最早由創始人憑直覺選擇得以體現極致與完美旨意的詞彙而命之。場內重現2003年成立於品牌發源地義大利雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的企業圖書館與檔案館（Biblioteca e Archivio d'Impresa, BAI）生動氛圍，同時將其致力於蒐集、整理並保存Max Mara公司內部文化遺產的蓬勃生命力充分注入展覽設計——珍貴檔案紛紛從特製儲藏木箱中現身，向時裝秀嘉賓和美術館觀者訴說它們的故事。

策展人Olivier Saillard且撰文詳解核心策展概念，「這場展覽以借鏡檔案庫嚴謹結構的原創展場設計，引領觀者親身感受品牌的傳承。展覽空間呼應Max Mara在雷焦艾米利亞所建立的前瞻性保存中心，讓觀者與展品的邂逅瞬間發生。在這裡沒有等級之分，草圖與那些勾勒品牌發展軌跡的服裝並置陳列，源自原始製造廠的日常物件、照片、頁面與文獻，與構成偉大歷史的布料樣本、羊毛織片、配飾及塗鴉紙相互對話；在象徵性主線貫穿下，過去原型與當今傑作交織在一起，向所有凝視與熱忱，展現屬於典藏檔案的浪漫詩意。《The Max!》不僅是一場展覽，更是一趟深入品牌檔案庫的非凡旅程——在過去的70多年裡，品牌已將深厚的創作情感，淬鍊成跨越世代的服裝語彙。」

品牌展覽《The Max!》亮點#03：海報設計

► 致敬品牌史上首枚廣告看板，洋紅大衣躍然藝術家筆下極簡畫面

出自法國藝術家Aurore de la Morinerie之手的展覽主視覺，汲取靈感於Max Mara品牌史上第一塊廣告看板，並通過藝術家極具代表性的極簡筆觸，勾勒一襲洋紅大衣成為視覺主體。「我們選擇於中國慶祝這一重要里程碑，是為了向我祖父帶領Max Mara成功的另一個核心要素致敬：將旅行與研究視為汲取知識的泉源。這些知識轉化為與世界各地生活緊密相連、同時亦能反映未來的服裝，至少在未來的75年裡依然如此。」Max Mara品牌現任經營者、家族第3代成員（創辦人Achille Maramotti的孫女）Maria Giulia Prezioso Maramotti表示。

品牌展覽《The Max!》亮點#04：展場設計

► 陳列形式借鏡博物館收藏，多樣化檔案邀觀者漫步75年時光

從創辦人與其母所創辦的Maramotti縫紉學校中最有天賦的學生，攜手打造出品牌第一件短大衣以來，Max Mara始終代表傳統製衣工藝與工業效率的完美交匯，以非同一般的加乘效應拉升服裝質感。後得益於科技創新，時尚如今更易為各時代女性所觸及，從而能夠賦予她們力量去譜寫由獨立與自決共同定義的嶄新未來。

「季復一季，年復一年，乃至數十載的更迭，Max Mara系列作品如同出自同一位創作者之手，脈絡相承。於此，自我表達是核心所在，為所有選擇穿上它們的人提供寫下各自故事的無限可能。」——《The Max!》策展人Olivier Saillard

在Olivier Saillard的細膩鋪排下，此趟《The Max!》之旅共分9大主題璀璨開展。整體陳列借鏡博物館收藏，對Max Mara典藏檔案進行流動性解讀，並置服裝、配飾、質材、草圖、文獻、攝影檔案及設計家具，邀觀者用或專注或隨性的心情，漫步於締造品牌演進歷程的數十載時光中；各主題分別聚焦縫紉學校、探索首間工廠、發起色彩沉思、頌揚剪裁技術與工藝造詣、揭示75年來歷久彌新的經典作品、鑽研風格語彙及其永不過時的延續性等。

\ 亮點展品細節對焦 /

美術館書店呼應展廳風格重塑，同場加映不可不知5款經典大衣

結束展覽主要動線後，完整沉浸式體驗更延伸至經過量身打造的美術館書店。除有一隻巨大泰迪熊矗立空間中，象徵風靡全球且深受大眾喜愛的泰迪熊大衣（Teddy Bear Coat）外，觀者甚可欣賞到一系列標誌性大衣，以及專為此次週年紀念設計的3款復刻版大衣。

▍101801經典大衣

101801經典大衣由設計師Anne-Marie Beretta於1981年發想，其Oversized廓形、和服袖及翻領設計，無論搭配西裝、晚禮服，抑或牛仔褲與T恤，皆可發揮無懈可擊的個人風采。

▍Manuela經典大衣

同樣由設計師Anne-Marie Beretta所發想，誕生於1998年的Manuela經典大衣作為純駝毛打造的裹式大衣（Wrap Coat），廓形寬鬆、包覆感十足；既兼具長袍大衣的優雅氣息，又飽含促其成為永恆經典的關鍵細節。

▍Ludmilla經典大衣

專為行家構思、呈寬版A字輪廓的Ludmilla經典大衣，由時任設計師、現任創意總監Ian Griffiths於1992年創作。全然採用觸感極致輕柔的雙層喀什米爾羊絨手工製成，如絲緞般散發迷人光澤的外觀更是Max Mara式奢華的淋漓體現。

▍Teddy Bear經典大衣

風格介於魅力迷人與俏皮玩味之間，Teddy Bear經典大衣亦由Ian Griffiths設計，2013年問世的此一人氣款服飾靈感源自品牌1980年代典藏檔案，並透過義大利頂級編織工坊的工藝技術，使羊駝毛與駱駝毛纖維得以彰顯其輕盈質地與豐盈輪廓。

▍Ready經典大衣

身為Max Mara經典大衣家族的最新成員，裹式Ready經典大衣仍由Ian Griffiths設計且於2026年方才重磅推出。衣料取用雙面純駝毛，同時藉以獨特「插肩袖剪裁（Raglan Cut）」勾勒內斂而張弛有度的絕對廓形，旨在讓每位女性舉手投足都能嶄露從容與自在。

嚴選羊毛、喀什米爾羊絨、羊駝毛或駱駝毛等頂級材質製作而成的Max Mara經典大衣，無一件作品輕易放過任何微小不完美——之於「大衣專業戶」Max Mara而言，大衣須經得起時間考驗；品牌故傾情傾力藉由比例、線條與細節的精妙平衡取決，使旗下單品恆久流淌雋永風華，成為得長伴人們左右的日常穿搭首選。

米蘭設計週以「家具」為核心，擴延出設計、藝術及策展等多樣表達，早已從商展發展為全球最重要的年度設計盛事之一。同時，時尚品牌跨足家居領域已成風潮——家具家飾作為創意載體，賦予平時以時裝為主要創意媒介的設計師們更多表現空間。

本篇精選2026米蘭設計週8大時尚品牌之作，看各家創意總監如何將自家時裝DNA和品牌精神，延伸至家居甚至更廣泛的設計領域，透過展覽、家具家飾作品、研討會等形式，在這千家爭鳴的展會吸引視線、引發討論。

Chloé｜復刻1970年代激進設計經典

在創意總監Chemena Kamali帶領下，Chloé女子成了飄逸、堅毅、脫俗的代名詞，波希米亞在此不只是設計語彙，也是自由、反傳統精神的體現。在2026米蘭設計週，Chloé推出1970年代經典「Tomato  Chair」的獨家復刻版，此作最初由法國設計師Christian Adam設計，與義大利激進設計先鋒Poltronova一同完成，當中蘊藏的反叛和不羈精神，與如今的Chloé跨越時空共振。

Tomato Chair生在文化與創意自由、奔放的1970年代，它擺脫了傳統座椅結構的束縛，轉而以圓潤、柔軟的輪廓營造貼合人體的包覆感，重新定義了乘坐者身體與物件之間的互動關係。Chemena Kamali認為「番茄椅」蘊含的設計精神，與Chloé講求的柔和、流動、自在不謀而和，因此採限量訂製形式復刻此作，整體忠於原始設計，選用自然鞣製皮革，以4款色調——奶油白、干邑棕、沙色與黑色——重新詮釋。

Dior｜高級訂製服New Look化身燈具

以自家經典「New Look」為靈感，Dior Maison攜手法國設計師Noé Duchaufour-Lawrance帶來全新燈具作品——「Corolle」，將高級訂製服輪廓化為家飾線條。1947年，迪奧先生（Christian Dior）打破戰時講求簡約、實用的硬朗女裝風格，以馬甲塑出漏斗般的腰身，用大量布料呈現造型如花冠的蓬裙，藉凸顯女性線條的優雅套裝，改寫了當時的時尚潮流，劃時代的設計也讓此作被冠上「New Look（新風貌）」之名。

「Corolle」燈具以多重材質交織而成，內部為威尼斯手工吹製玻璃，燈罩採日本傳統竹編工藝製成，光線隨之透出將折射出迷人多變的光影；色選則有灰、粉與白，呼應Dior經典色系。

Louis Vuitton｜致敬裝飾藝術先驅Pierre Legrain

作為經營居家領域有成的時尚品牌，Louis Vuitton旗下家具家飾系列「Objets Nomades」長期與設計、藝術、建築等跨域創作者合作，打造不囿於框架的收藏級作品。今年米蘭設計週，Louis Vuitton向裝飾藝術（Art Deco）先驅Pierre Legrain致敬，他在20世紀初那舊與新時代過渡的時空，掀起了一場書籍裝幀的設計革命，捨棄傳統慣用的繁複裝飾，轉而以幾何圖形搭配皮革、金屬等異材質拼接創造現代感，並將這標誌性風格延伸至家具、室內設計等領域。

Louis Vuitton史上售出的第一件家具作品——「Omega」梳妝台，正是出自Pierre Legrain之手。他以顛倒的希臘字母「Ω（Omega）」為底座輪廓，搭配蛋形鏡面，及黑與紅強烈對比配色，創造出俐落卻充滿律動感、優雅與野性兼具之作。如今，Louis Vuitton復刻這件經典設計，利用漆木和Nomade皮革重新演繹。

另也從Pierre Legrain設計檔案汲取靈感重構了「Chilienne」折疊椅，選用木材、皮革搭配珍珠母貝鑲嵌工藝重新詮釋；「Nuits de Paris」披毯和抱枕則以這位藝術家曾創作的書封為發想，將平面構圖轉化為織品圖騰，為居家空間低調注入裝飾藝術之美。

Gucci｜一針一線縫出品牌歷史

由創意總監Demna策劃的「Gucci Memoria」展覽，藉由一系列古典風格「掛毯」回溯古馳105年來的發展歷程，梳理了Guccio Guuci在倫敦The Savoy飯店當行李員時受啟發創立品牌，到歷任創意總監Tom Ford、Alessandro Michele職掌時期，再至Demna首場時裝秀之間，Gucci百年來的故事和視覺美學演變。

每張掛毯皆以佛羅倫斯、也就是Gucci發源地的傳統工藝製成，各畫面對應著品牌發展史的重要節點，透過色彩、構圖和場景的轉變，引領觀眾乘上時光機，感受古馳今昔樣貌。

Hermès｜多重工藝煉出雅典娜女神的力與美

愛馬仕2026家居系列回歸最純粹的有機形式，呈現材料和工藝的本質。焦點新作「PALLADION」取名自古希臘雅典的守護女神——雅典娜（Pallas Athena），利用皮革、木材搭配鍍鈀錘紋、馬鬃毛等特殊材質，配以「錘擊」手法造就的雕塑感輪廓，展現這位古代女神的力與美。全系列作品皆可見金屬展現如鱗片般的視覺效果，質地鮮活閃耀，背後承載著從旋壓成形、壓印、火焰、焊接到錘製，銀匠們傳承數代的古老手藝。

所有作品中，又以花瓶最為特別，手工錘紋金屬瓶身外覆以Swift小牛皮護套，蜥蜴皮滾邊拼接馬鬃毛，漸層灰黑色呈現霧面、閃耀、深邃漆黑等多重質感。金屬水壺滿覆錘紋，搭配桂木手把，創造出冷冽與有機的材質對比。

另一款圓筒花瓶，則在金屬瓶身外罩上皮革外衣，其圖樣靈感來自馬術騎士身著的絲質服裝，向愛馬仕的馬術根源致敬。

Marimekko｜愉悅至上的印花餐酒館

說到Marimekko，必須是印花！2026米蘭設計週期間，Marimekko進駐城中一間傳統小餐館（trattoria），結合印花藝術和芬蘭美食，一次滿足訪客的視覺和味蕾。現場以藝術家Erja Hirvi創作的「Kukasta kukkaan」印花為主角，色彩和形態多變的花朵滿佈空間，融入織品、躍上餐桌，也被放進一系列陶瓷器物，全面展現Marimekko所提倡的愉悅至上lifestyle！

Bottega Veneta｜編織工藝的現地實驗

步入Bottega Veneta米蘭Via Sant’Andrea門市，可見綠與黑色的皮革雕塑或點綴櫥窗、或如藤蔓環繞水景，有些則如編織籃，包覆著柔和的燈光點亮空間。繼2026春夏大秀合作展場燈具，Bottega Veneta再度與韓國藝術家Lee Kwangho攜手，以雕塑裝置「Lightful」亮相米蘭設計週。

Lee Kwangho擅長編織技藝，也常將韓國傳統「七寶」琺瑯工藝融入作品，結合金屬、大理石、軟管等多樣材質和現成物，發展實驗性創作。這次他與Bottega Veneta工坊緊密合作，以品牌訂製的綠色fettucce皮革為材，現地手工編織出多樣雕塑，藉作品回應空間。編織是嚴謹的工法，現地創作帶點即興意味，在此兩者碰撞，長出獨屬米蘭、此時此刻的藝術體驗。

Prada｜擁抱各方思想的跨域研討會

有別於多數時尚品牌注重於產品的呈現，Prada更強調理念和思想交流——「Prada Frames」研討會每年與米蘭設計週同步揭幕，透過跨學科專家的對話，對設計、文化、社會等當代議題進行批判性反思。

2026年Prada Frames邁入第5屆，以「視覺呈現（In Sight）」為題旨，探討「圖像」作為當代文化的重要特徵，是如何被表現、塑造，甚至在許多時候凌駕於事實之上而顯得與現實脫勾？研討會集結設計、藝術、建築、科學、法律等各領域專家學者提供見解，透過演講和對話，直面當今的視覺影像環境，反思其暗藏的政治用途、文化力量，及隨著數位時代資訊爆炸、人們難以吞嚥大量資訊而再度進化的當代「注意力經濟」商業模式。

寶石雕刻工藝是卡地亞悉心保存並延續至今的珍稀古老技藝之一，適逢高級珠寶雕刻工坊 Glyptics Workshop 成立 15 週年，由負責人 Émilie Marques 領軍的工匠團隊，以極致的專注、耐性與藝術判斷，讓寶石說話，並邀請你走入與時間共舞的工藝祕境。

走進巴黎卡地亞的 Glyptics Workshop，工坊內設有石材庫（lithotheque），收藏著絢麗多彩、變化萬千的材質，彷彿進入一處時間流速緩慢的異境，如今成為全球少數仍持續創作、傳承，並探索寶石雕刻可能性的據點。這裡沒有喧囂的機器聲，也沒有大量製造的節奏，取而代之的是一種接近冥想般的專注與沉靜。Émilie Marques形容，「一顆寶石的色澤、紋理，甚至它的地質年齡，都在對我們說話，指引創作的方向。」

卡地亞 Glyptics Workshop 處理的石材橫跨自然界的無數變化，從透明晶瑩的石英、熱烈奪目的紅碧璽，到經過數千萬年風化而成的矽化松果與石化木，每一塊石頭都是經過漫長時間「雕刻」而成的藝術品，也為工藝師提出了截然不同的挑戰與對話方式。石頭的硬度多介於莫氏 6～7級，足夠堅硬，卻也極為脆弱。雕刻師們必須從中尋找最適合下刀的角度，並憑藉經驗預測內含物的存在，容錯率幾乎為零，卻必須以最大膽的姿態擁抱每一塊石頭的未知。

創作流程自寶石的搜尋與採購展開，通常透過專業供應商取得，或親赴美國土桑（Tucson）及法國 Sainte-Marie-aux- Mines 的礦物寶石展尋找。接著，根據圖樣、材質及靈感啟發，精心挑選寶石。寶石雕刻師從石材的獨有特性汲取創作靈感，並以水粉彩繪製草圖，捕捉核心概念、色彩與造型。設計確定後，珠寶製作的旅程正式展開。

工藝之慢，喚醒藝術

Émilie Marques 向我們分享，一件高級珠寶雕刻作品，從構思到完成，往往需耗費2年以上。她進一步解釋：「每件作品都是歷時數年的結晶，其中光是雕刻的部分就需花費約400小時，這還未包含後續金工、鑲嵌與拋光的時間。」雕刻師從挑選原石開始，親手繪製水粉草圖（gouache），再以石膏或塑形蠟製作模型，進入真正雕刻前，已與石材建立深厚的默契，既是引導者，也是陪伴者，在每一道線條中注入對材料的尊重與美感的堅持。

「SÉPIA 項鍊」是卡地亞首次在創作中，運用了距今約 2.5∼ 3 億年的橡木木化石雕刻而成的獵豹，木材的紋理依然清晰可見，不僅展現出動物的毛皮質感，也喚起多樣的觸覺印象。「MALVINA 項鍊／香水瓶」的紫水晶中央經過挖鑿，作為承載香氛的空間，寶石以鑽石磨棒刻飾出花卉圖騰，致敬卡地亞情有獨鍾的蘭花意象。「PETROPANTHERA 時鐘」的靈感來自一株經歷數百萬年石化的棕櫚樹，背景紋理讓人聯想到美洲豹的斑紋，與以黑色軟玉雕刻而成的豹形相互呼應。這座鐘耗時超過 1 年、歷經數百小時的精細工藝，才得以完成。

保存傳承，建構文化精神

Glyptics Workshop 最獨特之處，不只是它所創作的珠寶，更在於它本身就是一個「活的文化容器」。Émilie Marques 所承繼的，不只是技藝，還有來自其導師、獲得法國文化部授予「藝術大師」（Maîtres d'Art）頭銜的 Philippe Nicolas，其深信工藝是文化的延續，也是對未來的責任。

卡地亞於2010年將Nicolas的雕刻工坊納入品牌體系，Émilie 作為唯一的學徒接班人，如今帶領 4 位雕刻師持續創作與培育新一代匠人。這門技藝無法量產，亦無法速成，它的價值不只在於技巧的純熟，而在於創作者對材質、時間與情感的深刻理解。

15年來，Glyptics Workshop見證了品牌如何將文化、自然與設計語彙結合，也見證了工藝如何在當代重新被理解為奢侈的本質，並在當代語境中持續回應、發光。

更多精彩內容請見La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》