「鏡之海峽」登台！台灣、新加坡8位藝術家跨海對話，映照兩地現代藝術發展

從南洋風格、寫實風景到抽象與當代創作，「鏡之海峽」巡迴展9月於台北登場，透過16件藝術家的創作，探索兩座島嶼在不同歷史脈絡下形成的藝術風景。

由台北尊彩藝術中心與新加坡 artcommune gallery（集菁藝社）共同主辦、策展人高森信男策畫的「鏡之海峽（Mirror Straits）」巡迴展，將在台北尊彩藝術中心開幕。本展以「4×4」為策展架構，邀請台灣與新加坡各4位藝術家，從不同世代、媒材與創作風格出發，展開一場跨越海峽的藝術對話。

從新加坡到台北　延續兩地藝術交流

「鏡之海峽」今年1月首先於新加坡展出，台灣藝術家陳澄波、楊三郎的作品，以及李重重、廖修平等戰後藝術家的創作，藉由展覽介紹台灣近現代藝術發展。

台北場則將焦點延伸至兩地藝術史的交會，展出新加坡重要藝術家的經典作品，並與台灣戰後藝術創作並置呈現。展覽希望藉由作品之間的對話，讓觀眾看見台灣與新加坡同樣具有多元文化背景，卻因殖民經驗與戰後歷史發展不同，而逐步形成各自獨特的藝術面貌。

8位藝術家　跨越世代與創作風格

台北場的新加坡藝術家包括新加坡第一代重要藝術家鍾泗濱（Cheong Soo Pieng）、陳文希（Chen Wen His）、風景畫家陳楚智（Tan Choh Tee），以及當代藝術家王瑾（Wong Keen）。

鍾泗濱與陳文希的創作歷程跨越新加坡1965年建國前後，早期作品帶有南洋風格的探索，後來逐漸發展出對抽象藝術的實驗；陳楚智則以寫實風景創作，呈現新加坡藝術中寫實傳統的延續與轉化。王瑾則以更具國際性的藝術視角，將新加坡藝術置於全球藝術發展的脈絡中重新觀看。

台灣方面，則由楊英風、朱為白、金潤作與陳景容參展。其中楊英風與朱為白是台灣戰後抽象、半具象藝術發展的重要藝術家；金潤作與陳景容的作品，則進一步呈現台灣戰後藝壇在形式與觀念轉向過程中的多樣面貌。

從歷史記憶看見兩座島嶼的藝術軌跡

策展人高森信男以「鏡之海峽」為題，希望透過台灣與新加坡藝術家的作品相互映照，思考兩地在相似的島嶼環境與多元文化背景下，如何因不同的歷史經驗走出各自的藝術道路。

展覽也特別關注藝術作品背後的人與故事。藝術家廖修平曾在新加坡展覽開幕時分享，自己第一次前往新加坡，是從日本搭船經過多日才抵達。從昔日跨越海洋的移動，到今日透過展覽進行藝術交流，「鏡之海峽」也串起了兩地藝術家與觀眾之間跨越時間與地域的連結。

王瑾大畫幅作品亮相　展現當代視角

此次台北展將呈現多件新加坡重要經典作品，其中王瑾亦將帶來大畫幅創作。王瑾同時獲選Art Taipei公共藝術特展，作品將為此次展覽增添更鮮明的當代視角。

從早期南洋藝術、寫實風景，到戰後抽象藝術與當代創作，「鏡之海峽」透過8位藝術家的作品，讓觀眾在不同藝術語言之間，看見台灣與新加坡藝術發展的交錯與差異，也重新思考兩座島嶼如何在各自的歷史中，留下獨特的文化記憶。

展覽名稱｜鏡之海峽 Mirror Straits

策展人｜高森信男 Nobuo Takamori

展覽日期｜2026年即日起至11月8日

開放時間｜11:00–18:00（每週一休館）

展覽地點｜尊彩藝術中心 LIANG GALLERY（台北市內湖區瑞光路366號）

台灣藝術家｜楊英風、朱為白、金潤作、陳景容

新加坡藝術家｜鍾泗濱、陳文希、陳楚智、王瑾

_{圖片提供 | 尊彩藝術中心 LIANG GALLERY 文字整理 | SHAN}

當人類建構了一個AI代理（AI agent）控制的小型社會，這社會究竟如何運行？驅動社會前進的能量源自於哪？前進的方向又如何決定？當人類踏入其中，是外部干擾還是另一股融入社會的力量？

這一切在真鍋大度（Daito Manabe）於臺中市立美術館（中美館）舉辦的個展「關係時態」中，透過建築空間、即時運算、聲光影像的交織傳達，有了可以窺探的面貌。不妨踏入展場，看這位享譽國際的媒體藝術家，如何將「人（身體感知）」、「機（AI代理）」及「人機互動」3者置於同一空間，讓它們在保留彼此差異的情況下建立連結、共構一個不斷演化的社會環境。

為中美館量身打造新作

作為真鍋大度首場海外大型個展，「關係時態」的意義不言自明。他原先規劃將曾在大阪展出的作品移展至此，但在親自走訪中美館後，被美術館空間激起靈感，轉念決定帶來3件全新創作，每件都是為展廳空間量身打造。

從「時間」出發，建構不斷演化的人工生命世界

看展之前，得先了解展覽副標「超越模擬的生命形式」意義為何。對此本展策展人鄺佳玲分享，機器能在極短時間內推演無數可能，而人類卻仍需要時間建立信任與記憶，展覽於是由此思考，時間如何在彼此的關係中生成，且作品不再只是用運算模擬生命的樣貌，而是打造一個「讓關係與記憶能隨著時間累積、逐漸成形的環境」——這也就是所謂「超越模擬的生命形式」。

真鍋大度則指出，生成式AI快速發展，開始改變人們對「智能」與「創造」的理解。相較於高速運算的機器，人類擁有自己的身體與感知，也經歷著神經活動、記憶、語言與思考等不同的時間。這些不同的時間尺度，構成人類理解世界、與世界產生關係的方式。他做的並非將這些時間整合為單一系統，而是讓神經系統、身體感知，以及機器運算與生成的不同時間，在保留彼此差異的情況下建立連結，探討當人與機器以不同的速度彼此作用，這些差異又將如何影響人類的感知與創造。 

「關係時態」展出的3件全新創作，分別從人類的身體與感知、包括大型語言模型（Large Language Model, LLM）在內的計算系統，以及記憶與判斷等不同的時間尺度出發，形成持續運作的沉浸式世界。作品讓人、機器與環境持續回應、互動、累積並改變，3個展間也因此以不同方式表現「時間」在感知、運算與創作中的作用，讓作品不再是固定的結果，而是在時間中持續生成的過程。

將AI代理爭辯現場拉到觀眾眼前

展覽室A從單一細胞開始，一個不斷生成的生命世界也由此展開，整件作品就像一個「AI代理建構的小型社會」。在此，觀眾可以從牆面投影、地面的巨幅影像，看見細胞攝取資源、繁殖、突變與死亡的過程。同時，15個AI代理會不斷討論和爭辯，從「資源場」中篩選出理想的育成資源，讓社會得以持續運作，也讓觀眾每次走進展間，都能看見這個動態世界的不同樣貌。

藝術家也推薦，可以仔細看15個AI代理究竟在爭辯些什麼，會更能理解眼前影像如何生成。

觀眾的動態，如何影響人工世界面貌？

展覽室B所創造的人工生命世界讓觀眾不只是旁觀者。作品中的虛擬個體不斷覓食、繁殖、突變與死亡，而觀眾的移動、停留與聚集，也會轉化為作用於這個世界流動場的壓力與偏差，進而影響這個世界的樣貌。在這裡，LLM代理（＊註）會定期解讀這個世界的狀態與過去發生的事件，並在一定範圍內調整環境條件。在這裡，LLM代理（＊註）會定期解讀這個世界的狀態與過去發生的事件，並在一定範圍內調整環境條件。過去事件所產生的影響，也會成為後續變化的條件，讓不同時間來訪的觀眾產生連結。

＊註：LLM，大型語言模型，是一種透過大量文字學習人類語言規律、能生成文字與回答問題的人工智慧模型。

「合成大腦」呈現虛擬生命的思考方式

展覽室C透過一組「合成大腦」，展現虛擬生命的思考方式。裝置中的感應器會偵測觀眾的移動，並將其轉化為刺激，在「合成大腦」的神經網絡中傳遞，進而產生聲音、光和影像。此作延續了真鍋大度長期以來以「神經系統」為創作媒介的實驗，可說是此實驗的集大成之作。

・為讓觀眾即時掌握作品的最新狀態，真鍋大度特別為展覽架設專屬網站，有興趣者不妨點此追蹤作品動態。

真鍋大度：「這是我目前最想呈現的藝術形式。」

這場個展對真鍋大度來說別具意義。近年，他與一線精品如Louis Vuitton及知名音樂人坂本龍一、Perfume、Björk等人合作，也參與奧運、萬博等世界級展會，作品享譽國際。這場個展則讓他重回「純創作」的遊樂場、得以完全照自己的心意創作，他直言：「這是我目前最想呈現的藝術形式。」而展覽所呈現的，即是他口中「只有這個時代才能創造出的作品」，這些作品看似存在近未來，實則回應著當今社會的脈動，探索著人與機器的異同，及兩者各自獨立或共生的社會景象。

「AI讓我有了新的夢想想去達成。」

聯訪時不免聊到AI。從小學因愛打電動接觸程式語言，真鍋大度寫著寫著，至今已近40年，他表示自己對程式一直懷抱熱情，但隨著AI快速發展，心中不免有擔心被取代的憂慮，「現在做媒體藝術的門檻已不若以往高，AI可以協助達成許多事，因此我對自己的定位產生苦惱，思考自己應該以什麼樣的角色、做什麼樣的創作。」此時這場展覽為他解惑，也開啟想像未來的另一條路徑，「我們寫了2100萬行的程式碼，這是以前單靠人力不可能達到的規模，有了AI才得以達成。」自此，AI從某種程度上的競爭者成為合作夥伴，「這讓我有了新的夢想想去達成。」真鍋大度這麼說道。

真鍋大度個展「關係時態—超越模擬的生命形式」

展期｜2026.10.03－2027.01.03

展場｜臺中市立美術館 展覽室 A、B、C

售票資訊｜一般全票100元／臺中市民50元／65歲以上及未滿6歲免費

高雄市立美術館國際特展《麥可．克雷格－馬丁：日常・解碼》（Michael Craig-Martin: The Language of the Everyday）正式開展！本展為藝術家首度在台舉辦的大型個展，精選逾70件作品，梳理其長達半世紀的創作歷程。從藝術家知名的觀念藝術代表作〈一棵橡樹〉、經典日常物件繪畫、大型戶外雕塑，到數位沉浸劇場〈宇宙〉，並帶來數件2026年首度公開的新作。

麥可．克雷格－馬丁是誰？

身為英國當代藝術史中重要人物的克雷格－馬丁，也長年投入藝術教育，曾於倫敦金匠學院（Goldsmiths）任教的他，啟發了眾多「YBAs（Young British Artists，英國青年藝術家）」世代創作者。他結合普普藝術的鮮明意象、極簡主義與觀念藝術的思辨精神，以飽和色彩融合工業製圖般俐落線條，重新描繪日常世界。

橫跨半世紀的創作與教育

自1960年代迄今，麥可．克雷格－馬丁的創作橫跨雕塑、裝置、繪畫、素描、版畫及數位媒體，並將普普藝術、極簡主義與觀念藝術融入創作。1973年他的觀念藝術代表作之一〈一棵橡樹〉，以一只盛水的玻璃杯搭配文字，重新提問物件與認知之間的關係。1970年代中期起，他更將創作從「現成物」的轉用，跨越至對物件的「圖像化」表現，以別針、燈泡、螺絲、筆記型電腦等人們的日常物件，建構獨具辨識度的視覺語彙，作品並獲紐約現代藝術博物館（MoMA）、倫敦泰特美術館（Tate Gallery）、巴黎龐畢度中心（Centre Pompidou）等世界重要公共機構收藏。

從熟悉的日常物件出發

而本次展覽是繼2024年英國皇家藝術學院（Royal Academy of Arts）大型回顧展後，克雷格－馬丁在亞洲規模最大的展覽。本展以「日常．解碼」為題，從藝術家的創作核心出發，重新梳理他如何透過最平凡的生活物件，改變人們觀看世界的方式。值得一提的是，在展覽中，克雷格－馬丁選用洋紅、綠松石等色呈現在整體展場設計中，讓作品與空間彼此回應，期望觀眾不只是停留在作品前觀看，而是在色彩、線條與空間之間移動，感受一種彷彿「走進畫中世界」的觀看經驗。

4米高LED弧形螢幕打造數位沉浸劇場

此次展覽的另一亮點，則是克雷格－馬丁2024年於英國皇家藝術學院發表的數位裝置作品〈宇宙〉重新製作後於國際首度展出，採用5聲道音樂設計，並首次以184片LED顯示面板設計弧形螢幕，為高美館展覽空間量身打造高4米、寬11米的LED環形劇場。

〈宇宙〉由克雷格－馬丁創作，丹尼爾．傑克森（Daniel Jackson）擔任作品技術總監與沉浸式影像設計。結合藝術家過去 40 年繪製的所有日常物件圖像，結合多種粒子系統、3D 動畫與物理模擬技術，克雷格－馬丁形容「這是宇宙的總和，是我個人的宇宙，也是我創作的集大成」。上百幅日常圖像鋪天蓋地、縱橫交錯所構築的巨幅全景中，物件脫離了重力與尺幅的限制，在觀者身邊緩慢游移、重疊並重組，將藝術家半世紀以來累積的視覺語彙重新聚合，讓觀眾在影像流動之中，看見他不同時期的創作如何彼此對話，也彷彿進入一場關於物件、色彩、記憶與觀看的壯闊旅程。

巨大雕塑呈現高美館限定風景

除此之外，《日常．解碼》更將藝術家的創作延伸至高美館藝術生態園區，形成一幅屬於高雄當下的限定風景。克雷格－馬丁將畫布上以線條勾勒的日常物件，從2D平面轉化為3D立體雕塑，此次展出4件戶外大型雕塑作品，與周圍景觀融為一體，藉著觀眾的步伐移動，風景自由穿透雕塑，原本清晰可辨識的物件圖像，也會在不同角度之間轉化成線條，產生持續變化的觀看經驗。

麥可．克雷格-馬丁：日常・解碼
展期｜2026.10.03～2027.03.07
地點｜高雄市立美術館101-103展覽室、園區

_{資料提供｜高美館、文字整理｜Adela Cheng}