神明專屬造型師!台灣銀帽工藝師蘇建安 從媽祖頂上延伸的時尚銀藝工藝

一闖銀帽職人蘇建安工作室: 從媽祖頭上生出的時尚工藝

工藝的精髓在於「用之美」,透過「使用」,美感得以成為立體的五感體驗。《手感工藝.美好生活提案》帶領讀者實地探訪台灣各地的工藝職人工作室,了解新世代的工藝如何傳承、復興或是蛻變,另一方面,也透過生活風格達人們的工藝美學示範,讓我們明白原來工藝可以如此與現代生活相契合!

一闖銀帽職人蘇建安工作室: 從媽祖頭上生出的時尚工藝

 

銀帽工藝師是神明專屬的造型師,他們打點神像一身行頭,小從鍊牌髮釵到佛塵扇刀,大至全套神衣與頂上冠帽,但你可知他們精巧的手藝不僅能烘托神威,也能成為引領潮流的前衛金工?臺南天冠銀帽工作室的工藝師蘇建安,他將銀帽工藝與金銀飾、家飾結合的嶄新概念,為傳統技法找到新的發揮,向眾人演示了老工藝如何新蛻變。


從金工走入傳統銀帽工藝在技藝不外傳的保守年代,並非出生在工藝世家的蘇建安,因為大哥蘇啟松拜入銀帽工坊的關係,受到影響也投入金工產業,短短幾年就成為各家金工廠都想請的師傅,但是他卻一點都不想做銀帽,蘇建安搖頭苦笑說:「一隻龍要花上好幾個月,打死我也不想做!」

 

一闖銀帽職人蘇建安工作室: 從媽祖頭上生出的時尚工藝


當兩兄弟在各自領域闖出名號之際,此時蘇建安的父親便力勸兩兄弟合夥。「我當時想,如果金銀可以共構結合,那就好像是如虎添翼,傳統金工也許可以變成一門很獨特的工藝。」為此,蘇建安才動心起念,決定跟著大哥蘇啟松從頭學起。從金工轉入銀工,由於銀片材質屬性特殊,所用技法也截然不同。蘇建安嘗試把金工技巧結合銀帽創作,交叉應用柳絲、鏨工、塌工、鏤空、鍍金與刮金雙色等技法,研究出更具精緻質感的銀冠設計。

 

一闖銀帽職人蘇建安工作室: 從媽祖頭上生出的時尚工藝


逆向思考挑戰工藝極致

他將平面的牡丹龍鳳圖騰變成立體,研究及龍球遮縫的方法,以及將塑膠珠串升級為鑲嵌的玉珠等,獲得各種工藝獎項肯定。終於,昔日被認為曲高和寡的頂級銀帽,一夕間成為各大廟宇搶訂的逸品,自此也打響了天冠銀帽的名號。

 

在種種技法當中,蘇建安在柳絲技法的應用尤其精妙高超。所謂柳絲是將銀塊從條狀延展為細絲,再將兩條或數條銀絲揉合成麻花狀,再彎折成各種形狀做為銀帽細部的裝飾。他說:「柳絲雖然細膩優美,但卻高度依賴手工,無法被大量運用,是它最大的困難點。」為了突破技術瓶頸,蘇建安嘗試灌漿鑄造等各種方法,終於研究出將數十條銀絲麻花黏著成條,使一次彎折可以製作出數十片完全一模一樣的造形。爾後,蘇建安因為參與國立臺灣工藝研究發展中心推動的「Yii品牌計畫,與設計師共同合作開發家飾,這使得他對柳絲技法的運用有了全然不同的想法。


 

一闖銀帽職人蘇建安工作室: 從媽祖頭上生出的時尚工藝


創立蘇府柳銀邁入時尚金工

39歲那年,蘇建安成立自己的品牌「蘇府柳銀」,開始將傳統銀帽金工技法應用於飾品。他思考傳統金工與時尚、生活結合的可能,把傳統設計去繁為簡,創造出符合現代審美觀的金工飾品,使得具有吉祥意涵的鳳凰、牡丹、如意等圖騰,變成了優雅的墜飾與戒指,成為人們可隨身佩帶的物件。

 

「只有失去品質的工藝才會被時代淘汰。」蘇建安說,當眾多銀帽工坊落入削價競爭,為了搶快而選擇速成的同時,才是導致銀帽工藝式微的主因。「持續創作的能量,就永遠有許多可能!」

 

蘇建安一路堅持傳統不斷創新及改變,呈現出創新及巧思,將傳統技法與設計概念結合,呈現嶄新藝術創作與國際多元文化交流激盪, 發展出屬於台灣本土的新銀器文化,躍進國際金銀工藝界舞台,開創出台灣金銀器工藝的藍色海洋!

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分,引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識,像是種反叛,挑戰人們對情色與親密的既定想像;也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界,而是如花般層層綻放,在關係中不斷展開、變形與再生。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)