「光影東京！360°夢幻視覺系特展」五大區亮點！日本最強光雕團隊獨家打造台灣夜景投影

你曾想像站在人車最擁擠的澀谷十字路口正中央、身上下著來自原宿的甜滋滋糖果雨、或是只要一伸手就能觸摸整個東京夜景嗎？對許多人來說，每到訪一個國家，看著黑夜降臨，萬家燈火亮起的瞬間，那絢爛無比的景致總教人難忘癡迷！

為了讓更多人感受夜之魅力，日本知名光雕創意團隊NAKED Inc.傾力策畫，動員上百台高階投影機，搭建超過200座巨大造城市模型，聲光效果俱佳的「TOKYO ART CITY BY NAKED 光影東京！360°夢幻視覺系特展」首次移師海外，不僅能夠感受東京百萬名點夜景，台灣九份、西門紅樓等特色景點投影，亦將同步亮相展覽！

360°全景投影掉進奇幻的藝術城市

「TOKYO ART CITY BY NAKED 光影東京！360°夢幻視覺系特展」由創意團隊NAKED Inc.一手打造，對於首次移師海外的台北場，社長村松亮太郎表示團隊十分重視這場海外首展，從日本出動數十名工作人員，就是為了將東京化為最絢麗奪目的藝術城市，把最完美最夢幻的體驗帶給台灣觀眾。他表示對自己來說「都市」即為「藝術」，透過對生活的細微觀察，用特別的視角重新定義大家熟悉的「東京」，集合所有當地元素，將之化為最動人的藝術城市，讓人看展之餘，也可以完全沉浸在這個迷人夢幻的光影東京。

另外，以「都市交流」為主題，NAKED Inc.團隊特地結合台灣在地特色，全新打造台灣限定演出「ART CITY」，每個展區將對應不同的台灣場景，每隔20分鐘，展區投影就會出現不可思議的大變化。一開始，將先看到全場瞬間變為美麗的天燈投影，隨後台灣各知名景點將以堆疊方式漸漸呈現在眼前，包括「原宿區」將變為年輕人流行聚集地的「西門紅樓」；「上野區」變為國人信仰寄託的文化之地「龍山寺」；「台場區」變為夜晚燈火點綴的「九份」；「澀谷區」變為逛街人潮集散地的「西門町」；「新宿區」變為徹夜狂歡的不夜城「信義區」。

五大展區亮點

新宿區

進入這場光影魔法的展覽，在「新宿區」歌舞伎町牌坊帶領下，燈紅酒綠的閃爍霓虹光似乎也宣告著不夜城之旅正式開始。隨後率先映入眼簾的是新宿地標－東京都廳，在此區以高層建築群及日本第一繁華街歌舞伎町為背景，不但可以看到新宿整齊的辦公大樓和熱鬧市集，新舊街區兩種完全不同的風情，展現多元文化面貌。東京都廳人們的生活樣貌以光影、科技、數位藝術呈現，更襯托出新宿這座繁華閃爍的不夜城。至於與新宿萬丈高樓夜景相對影的台灣景點，則是繁華的台北信義區大樓。

原宿區

日本青少年流行文化的發源地及聚集地，帶領許多可愛與時尚的熱潮。以有趣的人影互動投影，加上片片花瓣、糖果雨、甜點裝置藝術，創造投影多變的可能性。置身在這個夢幻場景，供民眾盡情拍照，感受瀰漫著春天氣息的氛圍。與原宿互相呼應的台灣景點，則為年輕人流行聚集地的西門紅樓。

澀谷區

澀谷擁有世界最知名、也是日本最大的「十字路口」，每天平均有50萬人橫穿。以動態光束投影，呈現行人急速忙碌的足跡、車輛穿越交錯的景象、大樓看板和建築物，誕生了這美輪美奐的視覺藝術，彷彿將整個街區360度包裹住，展現了都市型態的縮影。」而這樣人來人往的場景換到台灣，則為入夜後逛街人潮源源不絕的西門町。

台場區

在東京臨海副都心「台場區」，寬敞的展區變身大東京夜之地圖，人們彷彿搭上躍上高空的飛機，從高處俯瞰這座充滿活力的城市，在5分鐘的投影秀中，台灣九份夜景、平溪天燈也將一併亮相，開闊的光雕投影完全令人陶醉於其中。另外，高近三公尺的「實體大鋼彈立像」也將亮相此區，並運用光雕投影，將畫面、聲音、燈光融為一體，製造鋼彈的無比氣勢。

上野區

2013年NAKED Inc.製作團隊和日本最著名的博物館─東京國立博物館合作，展出「京都-洛中洛外図と障壁画の美」、「KARAKURI」為主題的光雕投影，本展將移植重現這創新的藝術呈現，可以盡情享受傳統美術、歷史文化軌跡與最新科技的結合。上野恩賜公園自江戶時代便以賞櫻勝地聞名，粉嫩的櫻花造景透過光雕投影的襯托更顯得逼真浪漫，把櫻花飛舞的夢幻模樣表現的淋漓盡致，參觀民眾將能在此區體驗日本賞櫻文化之美。擁有老東京傳統文化氛圍的上野，與之對應的台灣景點則為香火鼎沸的萬華龍山寺。

展場互動

在「光影東京！360°夢幻視覺系特展」中，除了令人驚豔的視覺饗宴外，其中的互動裝置更吸引人，來到原宿區的甜點世界，可以看見糖果雨下在自己的倒影上再俏皮彈開；可以一手觸發東京鳥瞰景，彷彿世界的夜景從此被你開啟；而常見的投幣式飲料機，只要投下一枚硬幣，即啟動整面LED夢幻影像；還有小孩最愛的塗鴉牆，把雙手化作畫筆，盡情放肆塗鴉。

Info | 光影東京！360°夢幻視覺系特展」

展覽日期：2018/6/30-9/16

開放時間：每日10:00~18:00

展覽地點：華山1914文創園區 東2C、東2D館

資料來源：聯合數位文創

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

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以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
預約連結請點此
預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）