年度藝術盛事即將登場！悠閒初秋時分，一群人相約在丹楓白露林下享受愜意時光，一邊享用午餐、一邊輕聲談笑，充分顯現歐洲19世紀盛行的野餐風氣，《草地上的午餐》是印象派大師莫內（Claude Monet）年輕時的畫作，完整版習作收藏於俄羅斯普希金博物館（The Pushkin Museum）中，如今這曠世鉅作真跡也在11月首次登台！

集結莫內、雷諾瓦、盧梭等48位藝術大師畫作的《悠遊風景繪畫-俄羅斯普希金博物館特展》，在聯合數位文創牽線下，攜手俄羅斯普希金博物館，展出17世紀到20世紀共65件風景名畫。

悠遊風景繪畫 宛如走過法國一遭

普希金博物館位於俄羅斯莫斯科，以集結法國瑰寶畫作而聞名，《普希金特展》聚焦在19世紀印象派至後印象派與20世紀初的重要畫家傑作。展覽將分為六大主題，分別為「近代風景繪畫的起源」、「讚頌大自然」、「巴黎城市光影」及「近郊的自然景致」、「法國南部的明媚風光」與「海外的異想世界」，引領民眾認識法國近代風景繪畫。畫中背景如煎餅磨坊、聖維克多山等都是如今法國的著名景點，民眾走進展覽欣賞繪畫的同時，也猶如徜徉在法國優雅、浪漫的氣息之中。

六大展區與畫作亮點

一、近代風景畫的起源

以前西方繪畫以宗教畫為主流，風景畫多為背景，17世紀後，風景畫逐漸自成一股潮流。本區介紹的是始於17世紀風景畫的黎明期，在這區你可以充分感受到人們在繪畫中，發現了自然的美好型態，然後逐漸把目光轉向現實的自然風景，讓風景用畫的方式被保存下來。

代表畫作：洛罕《擄掠歐羅芭》

統領眾神的王者宙斯因醉心於腓尼基公主歐羅芭的美貌，於是幻化為美麗的白公牛來到海邊誘騙她，歐羅芭一看到公牛就非常喜愛，不但輕輕撫摸著公牛甚至還騎上牛背，最後被飛快地載向海的另一端—克里特島。這幅畫的故事源自於奧維德的《變形記》，洛罕在引人入勝的海景中加入了這個神話題材，不知道的人乍看還以為是個歡樂場合，其實卻是一場精心設計的擄掠場景，極度反差也成了這幅畫的驚喜之處。有趣的是這個神話故事同時也是歐洲（Europe）與金牛座的由來。

二、讚頌大自然

歐洲迎來了19世紀的市民時代以後，風景畫開始走向平凡的日常，表現與生活息息相關的現實風景。從描寫神話、宗教、歷史的大畫面繪畫，變成了表現身邊事物的、簡明易懂大小適中的繪畫。來自法國的巴比松畫派，讓風景繪畫不只追求寫實，還增添了柔美與詩意。

代表畫作：柯洛《加萊海峽省，風暴來襲》

三、巴黎城市光影

此區介紹以大都市巴黎為基點展開的印象派及以後的風景畫發展，這些以印象派為首的畫家們，用時而溫暖時而敏銳的目光，描繪並創作出近代都市的風景，傳達了工業與科學技術不斷發展的新世代氣息。

代表畫作：雷諾瓦《煎餅磨坊庭院樹下》

煎餅磨坊(Moulin de la Galette)是曾位於法國蒙馬特山丘上的大眾舞廳。1876年，雷諾瓦在附近租了間工作室，常描繪舞廳當時熱鬧非凡的景象。本作被認為是在《煎餅磨坊的舞會》的準備期間繪製而成，且視角處於相當自然的高度，彷彿畫家稍後就要加入這五人一同暢談般。儘管戶外寫生是印象派的特色之一，這幅畫作卻被認為是在戶外繪製後，再回到工作室的適當光線下加以修飾而成的作品。

四、巴黎近郊的自然景致

在中產階級的崛起的19世紀後半，人們開始能非常便捷的到達郊外，因此畫家們很喜歡從巴黎，以很短的時間到達滿目綠色的郊外，有時候甚至在郊外短期及長期的居住，他們把畫布拿到戶外，描繪那些享受閒暇時光的都市人們與平和的街景。這讓創作產生變化，畫家們對鮮豔的色彩具有表現力，表現空間的關注程度也越高，新的風景畫由此誕生。

代表畫作：莫內《草地上的午餐》、《白色睡蓮》

首次來台灣的莫內《草地上的午餐》為本展最大亮點，莫內這幅作品是受馬內的《草地上的午餐》啟發，起初是莫內為了巴黎的官方沙龍展所創作的巨大尺幅畫作，不過最終完成作品因為過於巨大而損壞，剩餘部分亦分為兩幅，現存奧塞博物館，普希金博物館所收藏的這幅尺寸較小的習作讓人們得以一窺全貌。

服裝與姿勢迥然不同的十二位人物在構圖上皆經過細膩的安排，穿過茂密枝葉的陽光灑在穿著華美洋裝的女士們身上，使她們看起來嬌豔欲滴。畫中場景位於巴黎東南方的楓丹白露森林附近，雖然人物角色鮮明，但其實重點在於這大片森林，莫內曾表示畫中每一片葉子都是一張臉，充分顯現印象派的光影描繪。

這幅畫同時也藏著莫內的熱烈情感，當時莫內正和未來的妻子卡蜜兒陷入熱戀，因此一直到1979年卡蜜兒因病過世為止，幾乎每一幅畫中都會有她的身影，《草地上的午餐》當然也不例外，畫中左方第一位側身的女子就是卡蜜兒，如果眼睛夠犀利，還能在右邊的大樹幹上，看到莫內描繪出俏皮的「一箭穿心」圖樣，再再顯現他對卡蜜兒深刻的愛戀。

五、南法明媚風光

鐵路網的發展縮短了巴黎與波光粼粼的地中海距離。本區從巴黎南下，介紹法國中部到南部的風景畫。南法耀眼的陽光下，多彩的植物與的地中海的波光閃爍，給畫家們帶來了豐富的靈感，他們用新鮮的視線捕捉到當地特有的景觀。遠離大都市巴黎的靜謐環境，醞釀出各種獨特的畫風樣式。

代表畫作：塞尚《從瓦爾克斯望向聖維克多山腳的平原》

六、海外的異想世界

隨著傳媒的發達可以更輕易接觸到各地的訊息，讓想像中的風景可以更輕鬆的跨越時空，現實與故事的世界重合。有時不同的土地風景因而被組合，融會在一個畫面中，那些是在任何地方都不會遇到的，只有在繪畫中才可能產生的富饒風景，值得細細品味。

代表畫作：高更《有孔雀的風景》

1891年高更動身前往大溪地，出發前，他表示此行的目的是：「為了遠離文明的影響而安靜地生活。」然而大溪地卻早已受現代社會所影響，比高更所預想地更為西化。不過他依然對當地鮮豔的色彩與各種陌生而樸實的事物十分著迷，在這幅裝飾性極高的畫面上，配置了覆蓋著樹葉的小屋、優雅伸展的高大椰子樹、揮著斧頭的半裸男人、孔雀等充滿異國情調的元素。

畫面右下方寫有「MATAMOE」的字樣，其意涵眾說紛紜，有人認為可能是拼法的錯誤，但普遍認為是「死亡」的意思。在走進茂密森林用斧頭斬斷樹木之後，高更心中那文明的自己就已經死亡，此後他脫胎換骨成為在島嶼生活的「野蠻人」。

盧梭《美洲豹正在襲擊一匹馬》

畫出這幅畫的盧梭曾受訪表示：「我從來沒去過比植物園的溫室更遠的地方旅行」。從來沒離開過法國的他，卻將《美洲豹正在襲擊一匹馬》發揮得淋漓盡致。如佈景般的植物層層交疊，在畫面中央製造出馬與美洲豹的專屬舞台。

遭到兇猛美洲豹攻擊的白馬，面無表情地凝視著觀眾，細長的葉片有如生物觸手般的搖曳著，令人感受到豐富的生命力，相較之下，動物們則彷彿停止在那決定性的瞬間。據說電影《馬達加斯加》也深受盧梭畫作的啟發與影響呢！

展覽日期：2018/11/17 ~2019/02/17 (除夕休館)

展覽時間：09:00-17:00 (16:30停止售票及入場)

展覽地點：國立故宮博物院 圖書文獻大樓一樓特展室(111台北市士林區至善路二段221號)

文字整理：Ian Liu

via 聯合數位文創

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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