方格設計發想源自台北的違章建築？台北當代藝術博覽會CIS背後設計故事曝光！

2019年的台北當代藝術博覽會 (以下簡稱台北當代 )，受到國際藝術圈高度注目，全球各地共90家頂級畫廊參與，其中不乏國際一線藝廊，展現前所未有的高規格展覽。策劃這場國際級藝術博覽會、廣邀各界藝術畫廊參展的主策展人，正是曾經主導Art Basel與ART HK，成功將香港這個曾被譏笑為文化沙漠的城市變身為亞洲藝術重要據點的核心人物——任天晉Magnus Renfrew。過往戰績風光，這回任天晉又即將在台北引發什麼樣的議題與革命？此次任天晉找到了近年專注於企業識別與傳統產業轉型的品牌設計公司Five Metal Shop合作，邀請其設計2019台北當代藝術博覽會的CIS企業識別設計。

堅持與台灣設計師合作，接軌台北與國際

「不是單純空降藝廊到台北，我期待看到這個城市的深入參與。」策展人任天晉在第一次跟Five Metal Shop負責人陳靖雯在香港見面的時候，熱切地開頭如此說道。「台北當代將會是一個不同以往、絕對創新的藝術博覽會，而與台灣的設計師們合作，讓識別本質從台灣出生，也是我非常想做到的。」任天晉補充。他的願景，除了貫徹至台北當代評審顧問團、藝廊選擇與觀點討論議題的設定外，更想從「台北」這項主題中，發展這場展覽的代表標識。而這也成為Five Metal Shop發想識別概念的起點。

既混亂又真實，台北從過去到未來處處充滿可能性

在確認以「台北」做為識別概念的想法後，團隊開始討論所有與台北有關的基本概念。從過去、現在延續到未來的城市意象，加入台北既混亂又真實的情緊，以及這次頂尖藝廊的參展、台北的藝術與生活、嶄新科技等……，綜合所有關於台北的觀點討論，等同是任天晉於專案初期規劃討論中，最讓眾人興奮的展覽重點。然而討論歸討論。如何透過向量線條，誠實表現台北的活力、現在與未來性，同時又呼應台北當代的展覽主軸？這難題成為Five Metal Shop在發想設計時的最大挑戰。

這次展會的CIS以亮眼的橘藍色設計，搶眼的方塊排列搭襯白底，讓人無法忽視。究竟Five Metal Shop是如何跳脫一般藝術展覽識別的設計邏輯，提出既台北也當代又誠實面向國際藝術市場的識別概念？設計中不規則色塊構成的量體，是爬上高處俯瞰環山圍繞的台北盆地中錯落的鐵皮自建、頂樓加蓋甚至鴿子屋的視覺印象，這也經常是國際旅客在飛機甫降或中山高速公路進入台北的第一印象……。

這些混雜的違建體、既原始又模糊的台北色彩，該被隱藏起來嗎？Five Metal Shop團隊深刻討論後，決定不把這個城市印象害羞地隱藏，而是大膽轉換成像素組合，利用幾何向量構築出看似雜亂卻相容並蓄的視覺系統，與台北當代跨領域、跨文化、跨世代的多元性博覽會定位相互呼應。「藝術是面對最真實的自己，台北當代的識別設計對最當代的真實台北混亂的一塊，提出最當下的討論」設計師郭一樵總結當初設計概念的初衷。

從CIS識別看見台北當代的無限可能

從前期規劃到後期宣傳，如今台北當代即將開展。當「台北」成為主軸，當代變成了Dangdai，台北當代所關注的議題從大師精粹到藝術新星、從考古橫跨到科技藝術討論，不僅藝術涵養廣泛、亦讓台北更接近國際。而Five Metal Shop所設計的識別概念，除了呼應博覽會多變的主軸外，同時更考量未來展覽應用媒材的多樣性，經過無數排列組合嘗試，使用符碼般的塊體結構，讓品牌識別留有色彩變化與延伸可能，讓主辦單位在未來亦能以此為基礎與不同的設計師在不同年度合作，利用色彩組合延伸至各式平面、立體製作物、電子屏幕介面等的規劃，展現一只充滿無限可能性的活動識別，以對應台北當代這場同樣充滿無限可能性的全新觀點藝術展會。

Text / Zoe Chen

via / Five Metal Shop

「設計不要做得太滿，留下一點空間，作品才有張力，也才能呼吸。」近乎將半生時光傾注於「花」的形色之間，被譽為花藝教父的朱永安，三十年來從精緻的花藝創作逐步跨越至抽象植物藝術裝置。談及貫穿創作歲月的美學核心，他借用時裝大師山本耀司的哲思——當設計抵達 98 分的臨界時，便該懂得適度留白。這份對殘缺與未完的克制，成為他「減法美學」的養分，在繁複的自然語彙中，精準捏塑出植物與空間對話的生命力。

懂得留白的創作哲思

從花藝競賽起家，朱永安曾前往德國、瑞士旅居進修習藝，也在日韓、法國、新加波等地進行展演與教學，在經歷了東、西方花藝美學文化洗禮，伴隨著審美觀點的演進，今日的他，已愈來愈少追求繁複技巧，而是讓植物本身的自然姿態成為創作語言，透過抽象的方式重新解構花朵、枝葉、樹皮、樹根與藤蔓等材料，將花藝創作更藝術化詮釋。

在創作裡，他特別在意「比例」與「留白」：前者是看得見的視覺美學，後者則是需要身體與心去感受的餘裕。對他而言，真正成熟的美，往往來自知道什麼可以留下，又知道什麼時候應該停下來。對於如此創作哲思，朱永安分享道：「留白會讓設計更有力，懂得留白的設計師也展現出游刃有餘的信心，因為他知道『夠了』。」

以有機線條軟化空間，成就衛浴裸設計

不只是減法美學，植物的榮美與枯萎，也給了朱永安對於生命的所感，以及師法自然的創作本質。「現代建築經常由大量直線、硬質材質構成，儘管擁有華麗建材與尺度，仍可能顯得冰冷」，朱永安選擇以有機的植物線條、枝葉花朵等自然素材介入其中化解，透過僅僅一個物件的改變，就使得讓空間重新與自然產生連結。氣流吹過時，植物裝置甚至會隨之產生變化，讓風的吹拂被看見了，空間的調性因此變得有溫度。

這樣的觀察也讓他重新定義生活物件存在的意義。「浴室是一個人獨處很重要的空間，我有許多靈感也誕生於在衛浴獨處時。」就如 TOTO NEOREST 系列中的 NX 馬桶，獨特的視覺綜合了曲線與流線，以及恰如其分的造型比例，讓衛浴空間一改專注於機能的調性，得以散發溫潤如同玉一般的典雅氣息，成為能夠安心與肌膚接觸的絕佳「裸設計」範例，也貫徹著朱永安「少即是多」的減法美學。

此外，TOTO NEOREST NX 頂級的陶瓷工藝更搭配自動化科技，減少日常操作負擔，涵蓋智能輔助的自動清潔、光觸媒技術分解污垢等，實用的功能性讓使用體驗極致昇華，讓人得以在衛浴裡更加自在地放鬆，留給身心餘裕，亦再次呼應了減法美學的核心。

將藝術與自然寫入衛浴生活

朱永安也大膽以抽象性轉化的創作手法，將衛浴加入與自然連結的想像，「或許浴缸就是野溪裡的一塊大石頭，浴室彷彿是隱蔽的山林瀑布，透過與自然情境的塑造，以及設備的挑選，衛浴便再也不是我們認知中的空間。」他以 TOTO 絢彩系列的臉盆舉例，令人驚艷的四季色彩臉盆，跳脫過往大眾對於衛浴設備印象，不只能夠隨空間設計風格挑選、自由玩轉衛浴色彩，朱永安更認為，這是一種人們透過追求自然元素找到心靈療癒的體現，也印證了其創作路上對自然的嚮往。面對的不規則臉盆形體、霧面呈現，搭配髮絲質地紋理的龍頭， 他也類比「自然界裡沒有一塊石頭是平整的，也不是每一塊都光滑亮麗，看到這些的產品出現，對我來說是藝術與自然置入生活的絕佳寫照。」此外，不只透過設備造型貼近自然，TOTO 的 G 系列控溫淋浴組也透過七大水流模式功能，為頭皮、肌膚與肌肉帶來各式按摩觸感，讓人不知不覺卸下壓力，回歸心靈的平靜，寫下舒緩身心的新定義。

當色彩與形體不再只是裝飾，而能成為生活中對於自然表情的優雅轉譯，衛浴空間便因此有了蓬勃生氣的想像與串連，也透過便利的自動化機能創造生活更多的「留白」。從朱永安的觀點來看，或許改變的只是一個細節，但被重新照顧到的卻是每天與空間相處的身心感受，這樣的調整，恰好延續了他創作的哲思：設計不必填滿，只要從真正重要的細節著手，讓其發揮地恰到好處，就已是最好。而留白下來的，是讓人深呼吸的餘裕。

若近期正計畫為衛浴空間帶來一些改變，不妨可走進全新改裝的 TOTO 台北品牌旗艦館，從設計美學到產品細節，親身感受科技與工藝如何融入日常，為生活創造更多舒適與從容的餘裕。點此預約專人導覽

Text｜Diane Tang

Photo｜探索星球Go Explore Planet / Jun

設計離生活究竟有多近？一件每天使用的物品、一套容易辨識的視覺，甚至人們停留與行走的公共空間，都藏著設計者對問題的觀察。2026臺北設計獎把來自不同文化背景的創意提案帶進松山文創園區，邀請人們換個角度，重新閱讀熟悉的日常。

今年，來自64個國家及地區的4,620件作品匯聚臺北設計獎，最終選出139件國際競賽入圍作品，以及15件臺北城市設計選拔作品。不同文化背景、不同尺度的創意在此交會，也回到設計最根本的起點：如何理解人的需求，回應生活與環境正在發生的變化。適逢雙十連假，10月9日至11日，臺北設計獎以「設計．不設限 Empower Design, Beyond Limits」為核心價值，將這股創意能量帶進松山文創園區。除了作品本身，創作者也將分享一路走來的思考與實踐，市民則透過展覽、交流與體驗，找到接近設計的不同入口。

設計的尺度，比想像更大

走進台灣設計館03、04兩館，工業設計、公共空間設計、視覺傳達設計與臺北城市設計選拔入圍作品，將在雙十連假10月9日至11日集中亮相。類別不同，關注的尺度也隨之改變，從貼近身體與使用經驗的產品，延伸至訊息傳遞、公共環境與城市生活，幾個領域放在一起，恰好看見設計如何穿梭於不同尺度：日常細節值得重新檢視，熟悉的環境也可能找到新的解法。真正值得看的，未必只是形式上的新意，更在於創作者面對現實需求時，提出了什麼選擇。展場裡並列的作品，最終指向同一件事—生活還有哪些地方，值得設計再往前一步。

永續從一份酸菜說起

永續談了很多年，真正困難的始終是如何做得具體。10月11日「臺北設計×生活」主題分享會，兩位入圍設計師帶來截然不同的實踐方式。酷麥設計鄭啟宏以「辣點酸菜」回望花蓮土地與傳統醃製文化，將發酵的時間與地方風土，轉化為綠色橢圓的山形意象、紅色燙金圓點，以及呈現發酵過程的層疊結構，使熟悉的食物有了新的視覺語言。曾裕屏則把目光轉向鳳梨葉纖維，為農業剩餘資源尋找新的用途。材料經過轉換，還得顧及舒適度、機能、既有製造流程與量產可行性，才能真正成為人們願意穿上的產品。兩個案例切入的方向不同，卻都碰觸到永續最實際的一面：地方文化如何延續、剩餘材料如何再次被使用，最終都必須經得起真實生活的考驗。

用一杯咖啡的時間認識設計

看展不一定得一路走到底，臺北設計獎也替三天展期留了一點輕鬆的節奏。展區入口設置「臺北設計獎咖啡館」，預計送出2,000杯咖啡；找到展區裡的新品牌元素拍照存證，或說出「臺北設計獎．設計．不設限」，就能到服務台兌換。尋找線索的過程，也多了一份逛展的趣味。

另外，逛展的樂趣也不只停在作品前！10月9日至10日，現場將透過歷年徵件影片與有獎問答，帶觀眾認識臺北設計獎一路累積的創意軌跡；展場照片也能延伸成另一種參與，依指定方式上傳至「臺北設計獎TDA」Facebook粉絲專頁，就有機會把iPad mini、Apple Watch Series 11、AirPods 4等獎項帶回家。少了一點競賽的距離，多了一些可以親自加入的趣味，人們或許為作品而來，也可能因一杯咖啡走進來，在松菸度過一段與設計相遇的午後。

_{撰文 | 邵瀠萱 圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}