入住設計旅店，在台中掀起一股熱潮，為什麼相較商務旅店及民宿，設計旅店反而能在競爭激烈的大台中都會區異軍突起，成為品味人士的獨鍾之所？就讓以「旅店中的美術館，美術館中的旅店」為精神的台中大毅老爺行旅來說個透徹。

去年在台中嶄新揭幕的台中大毅老爺行旅，鄰近草悟道的美學精華，更是作為探索台中所屬文化與生活魅力的最佳體驗平台。為此，台中大毅老爺行旅一直在思考，如何才能挖掘在地文化意象，用結合藝文策展啟動城市對話，為旅人留下深刻印象？除了以台中都會肌理作為建築紋理的搶眼建築外觀，自四月起推出「超越五感旅遊提案」全新展覽主題，旨在將台中這座城市中發生或存在之風土人事物，由在地藝術家以不同表現形態，讓旅人們打開五感雷達，透過視覺、聽覺、嗅覺、觸覺到味覺的單一或交疊體驗，重新認識、探索及品味這座城市，進而讓行旅者在這趟旅行中創造出屬於自己的第六感─回憶。

滿載台中特色的藝文空間

不過，要怎麼善用各種感官增強旅人的感受呢？飯店特別邀請蠟筆藝術家Peno alcohol於2樓～4樓，以第五市場週邊的老台中、美術館五權街區附近的風格設計小店以及BRT 300路作為藝術視覺，搭配三個旅遊主題，用插畫為空間帶來更多對台中在地的人文想像。5樓則由藝術家周淑秋以台中是個傘的城市為發想，用聽覺和視覺，讓各種場景會出現的傘，訴說生活故事的美好點滴。6樓請來羊號角Piper呼應台中新舊交融的城市特色，將時間以有機的植物來表現，並以幾何框架搭配城市的色彩與物件，讓視覺和觸覺表現新舊交會時的靈光。

假日插畫家台中云在7樓，用插畫搭配著台中的關鍵字文案，激發人們看到作品時的共鳴。嗅覺部分乃與氣味圖書館合作，以台中的川、山、城三個主題創作，將這城市人文累積的生活與記憶中各式氣味調製出來，用氣味提領旅人對台中的回憶線索。融入台中著名漆藝工藝的9F，為藝術家賴信佑以「漆土變塗」的概念發揮，用視覺和觸覺搭配開啟一扇門窗的動作，與觀眾互動。至於10～12樓為藝術家Bounce以「台中小旅行．享受每個時刻」為題，用不同時間點的美麗台中，搭配不同音樂，在隨意晃遊間，享受獨享片刻的美好旅行。

然而台中大毅老爺行旅的創意絕非僅此，在展覽中所收穫的五感，定會令人想要實境遊歷吧！為此，飯店還有安排能代為處理遊程中所有交通，讓旅人能以輕鬆舒適的方式，依循展覽路線，打開五感環遊台中這座美麗的山城。

融入山海滋味的飽滿味覺

當觸覺、視覺、嗅覺、聽覺皆被滿足之餘，味覺亦是成就「超越五感旅遊提案」的重要一環。向來堅持挑選天然原味食材的ZEBRA餐廳，由主廚黃仁人帶領的廚藝團隊，為料裡注入對比和融合的烹調哲學，發揮義式原味食力，讓台灣在地特色更有鮮活新意，開啟全新的美食進化論。

在全新系列的菜單中，特別推薦「仁人主廚私房肉醬麵」，主廚沿襲北義大利波隆那肉醬之傳統作法，將大量番茄蔬菜、牛肉、豬頸肉及雞高湯長時間燉煮而成，其中更將經典肉醬中的煙燻培根以金華火腿取代，不僅更為健康，滋味也更加飽滿，並放入來自台灣的馬告胡椒調味，讓麵點散發出一抹來自台灣山林的香氣。台中大毅老爺行旅期待旅人能用心地去體驗當下的感受，以五感動靜玩味，讓講究款待的心意，創造一段有山川為伴的旅行記憶。

The Place Taichung 台中大毅老爺行旅 

台中市西區英才路601號

04-2376-6732 

https://www.hotelroyal.com.tw/taichung

撰文：Iain   

資料暨圖片提供：台中大毅老爺行旅

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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