還記得小時候依偎在爸媽身旁，聽那有著華麗動人故事情節的童話嗎？然而隨著成長，我們面對這個世界更多誘惑、更多不完美的人事物，霎時間才發現原來曾想望的繽紛世界，實際藏著很多讓你我懷疑人生的困境。就像是我們的小小縮影，自2005年誕生至今，即將邁入14年的瘋狂邦妮（Foufou Bunny），則用它獨特的世界觀為充滿各式問號難題的社會，寫下一頁頁可愛卻又血淋淋的註記！

身軀上有著縫補痕跡，很難用一種形容詞來描述邦妮，有點獨特、有點酷，又有著惹人注意的齜牙咧嘴，幾乎和市面上走傳統可愛路線的文創角色大相逕庭，然而對幕後創作者「小猴」洪佳祺來說，邦妮那非世俗既定的可愛兔子形象，正試圖用幽默的方式，笑說那些不可愛的事。從市集發跡，作為台灣文創經典角色，瘋狂邦妮在邁入14年之際，則將出版首本原創漫畫《瘋狂邦妮的漫畫劇場FOUFOU COMICS》，然而哪來那麼多關於夢想、關於人生，或是自我內心探討的靈感巧思，且緊跟La Vie腳步，一起走進小猴所構築的瘋狂創作宇宙。

身為角色IP平台的催生者，小猴除了擁有經營者一面外，更是台灣文創界不可或缺的創作者。走進位於捷運中山站的角色選品店「mine mine」，眼前那琳瑯滿目的特色商品，各式模樣姿態讓人煩悶的心情瞬間消散，而這正是角色與生俱來的魅力。不過談起瘋狂邦妮的誕生，被我們尊稱為台灣文創始祖的小猴卻說道，其實一切都是誤打誤撞。大學念哲學系的她，因為熱愛喜歡面對人群聊天，遂開始創意市集擺攤生涯，爾後在姊姊洪佳吟鼓勵下開始繪畫創作，從來不是科班出身，也沒將繪畫當成志向的她，卻畫出了令人印象深刻的瘋狂邦妮。

談起草創時期的邦妮，小猴表示完全沒有設計任何背景故事，完全是想表達當時自己的想法與感覺，簡單的圖文手繪卻意外受到市集客人青睞，對她來說，在那個網路社群還沒著落的年代，「能夠獲得共鳴是對創作者最棒的回饋，因為能夠直接面對客人，也可以很直覺知道市場反應會是如何。」，而帶點瘋狂氣質的邦妮，其精力旺盛、不斷對世界拋出疑問的模樣，漸漸在市集闖出名聲來，也讓她決定栽進邦妮角色的品牌經營創業裡。

用缺陷美向世界發出疑問

從主角瘋狂邦妮，一路延伸至天真無邪的兔寶、情感纖細又脆弱的西西熊，到有點憤世忌俗的人類角色阿雷，拓展開來的Foufou創作世界，每一個角色如同「分靈體」般，都存在著小猴本身的特質，肩負著欲傳達想法的使命，然而當初在外型設定上，何以要將總是可愛的兔子加上略微黑暗的一面，為此小猴表示，「像是有一幅創作是邦妮正用針線補逢自己裂開的腳，也象徵著自己的人生要自己負責。」，如同人生一樣真實世界不會有完美的糖衣，總是會有一些缺陷，而這正是在形塑邦妮雛型的重要關鍵，「生活中看似一切可愛的歪頭歪腦，都是生活中的不可愛建構而成的。」小猴說道。

即將推出的《瘋狂邦妮的漫畫劇場》亦是如此，詼諧幽默的畫風下，其實頗有給大人看的繪本意味，「故事描繪不是甚麼偉大人生哲理、影響社會的大道理，但主要希望透過瘋狂邦妮喜歡發牢騷、喜歡問一些瘋狂無解的傻問題的個性，嘗試解開嚴肅的人生課題，再不動聲色地用力自嘲。」，不走傳統浪漫派的童話風格，小猴畫筆下的故事篇章，不僅是自己對世界的詰問，更是每個人都會遇見的課題，「創作的當下，其實也是用幽默的方式來試圖解開嚴肅的人生議題。」；擁有哲學背景的她表示任何問題都不一定會有標準答案，但能夠開啟另一層面，有反差感的思考，那她創作的意義也算是達到了一部分。

用可愛方式 笑說世界所有不可愛的事

書裡將過往所繪的短篇漫畫整理後分為夢想與現實、希望、愛、自己、人生與世界等五大主題，關於設定，小猴答道：「裡面的故事其實都很簡單，將其區分成五大主題，主要也是這些都為大家最常遇見的人生課題，或許被畫成短篇漫畫，但我想傳達裡頭探討的問題，都確實存於這個世上，我想拉近它與整個世界的關聯。」。

不同於單張插畫，帶有故事主題的短篇漫畫在執行上也較為困難，不免好奇小猴靈感從何而來，「很多都是自己或是友人的日常，所以有時候朋友會突然發現，彼此間交談的對話被畫出來了」，那編排上最為艱困的事項？她回答：「最難的自然是該怎麼在合理的格數，用明快的節奏將事情講完，無論是要先有圖再有文，還是反過來，端看創作者如何收斂。當然，漫畫裡最重要的是『最後一格』，有了最終目標，你才能讓整個故事成立。」。

沉澱自我後的下個十年

走過第一個十年，正朝下個十年邁進的Foufou，小猴坦言在第十年時自己確實面臨卡關，創作進程開始失衡，「因為我們的形式是一條龍，從創作、經營到銷售都自己來，那一段時間正思考該怎麼再迎接另一個十年，先沉澱自己，並欣賞其他創作者的品，將漸漸消耗的熱情找回來。」，而即將出版的漫畫集也許能算另一個里程碑，藉由瘋狂邦妮的視角審視所有瘋狂念頭，也藉此與讀者產生對話共鳴，「希望能夠引起感觸，這是支撐我持續創作很重要的原因。」。

關於未來期許，小猴表示盼望能夠不用靠製造商品來支援創作，而是能以純內容創作生存下去，「和現在圖文創作者不同，我先實踐了市場這塊，才慢慢走回內心想要的創作，但我覺得自己也很幸運，因為很早就知道經營角色在台灣是有市場的，但未來我希望能夠將創作比例拉高，用更多精彩作品面對群眾，而非考慮這是不是符合市場販售調性。」。沒有脈絡可循，卻靠著獨有的Foufou精神與生活哲學，向現實世界拋出各式灰色幽默，專屬小猴的創作之路仍將繼續譜寫下去。至於想更了解小猴筆下的瘋狂邦妮世界觀，不如來一本《瘋狂邦妮的漫畫劇場FOUFOU COMICS》吧！

Foufou 

Foufou，在法文意指那些瘋瘋癲癲的人們。成天咧嘴大笑的瘋狂邦妮（Foufou Bunny）是隻時而乖巧、時而咧嘴大笑、叛逆又反骨的兔子！瘋狂邦妮和她志同道合的夥伴們，擁有詼諧淘氣的性格和許多瘋狂的舉動，希望與全世界分享自己的狂熱與自得其樂。

https://www.foufou.com.tw/

笑看世界！瘋狂邦妮首部漫畫預購募資《瘋狂邦妮的漫畫劇場FOUFOU COMICS》

活動時間：2019/09/19-2019/10/18

募資連結：https://www.zeczec.com/projects/foufou-comics

Text：Ian Liu

Photo：Cooper Chang

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton），匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品，從加州時期以泳池為題的一系列作品，到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫，展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置，並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作，也同時回顧David Hockney早期的代表性作品，帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示：「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽，連我現在正在創作的畫作也會展出，我想這一定會非常精彩。」

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來，David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年，他的創作生涯豐富且多產，無論媒材或技法皆持續創新，從未停下腳步。

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言，並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕，像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯，以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像（泳池與兩個人像）》等作品，以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

1980至1990年代，David Hockney轉而描繪自然景觀，並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分，則聚焦David Hockney近25年回到英國，於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期，他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主，像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》，以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等，都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間，他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色，透過科技筆觸描繪生活的希望，持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時，他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像，並以傳統畫框裝裱數位畫作，產生時空交錯的視覺效果。

來到展覽的尾聲，則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品，其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發，畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外，David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像，為這場規模空前的回顧之旅收尾。

David Hockney 25

展覽日期｜2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點｜Fondation Louis Vuitton

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）