由日本建築大師黑川紀章在1972年打造的「中銀膠塔」（中銀カプセルタワービル），這座曾經作為東京銀座地標的建築，在2022年難逃被拆除命運。如今，紐約現代藝術博物館（MoMA）以另一種方式延續建築精神，自2025年7月10日至2026年7月12日，推出為期一年的《中銀膠囊塔的多重生命》（The Many Lives of the Nakagin Capsule Tower）展覽，讓更多人實際體驗與了解「代謝派建築」經典之作！

代謝派與中銀膠囊塔是什麼？

1972 年，建築師黑川紀章在東京銀座打造了「 中銀膠囊塔」，是他最具代表性的作品之一，更是「代謝派主義」（Metabolism）少數實現的建築計畫。黑川紀章提出「代謝循環」概念，設想透過建築的生長、適應與轉化延續其生命。

中銀膠囊塔由兩座相互連接的鋼筋混凝土塔樓組成，外觀有如層疊的洗衣機般，矗立在都市中，前衛造型完全顛覆當時大眾印象中的家屋想像。內設140個獨立膠囊單元，每個單元僅約10平方公尺，卻配有浴室、Sony彩色電視等標準設備。黑川紀章原本計劃保留建築核心結構，並每隔 25 至 35 年更換膠囊，以回應不同時代需求。

由於年久失修、法規與經濟因素等諸多阻礙使其未能如願演進，不過中銀膠囊塔在被拆除前，卻以諸多創意方式存續，像是有人將單元改作第二居所、辦公、圖書室、藝廊等，演繹出膠囊的多重生命。

MoMA展覽亮點：僅存膠囊單元之一、45件作品回望代謝派經典建築

在2022年拆除後，少數膠囊被保存下來，MoMA在2023年取得其中A1305號膠囊，並在修復後，於近日推出《中銀膠囊塔的多重生命》展覽。由建築與設計部助理策展人 Evangelos Kotsioris及策展助理Paula Vilaplana de Miguel共同策劃。透過真實存在的A1305號膠囊空間，和近45件具時代與背景脈絡的展品，呈現這棟建築在半世紀間的演變，以及讓人出乎意料的多元用途。

本次展覽最大看點，無疑是原先位於中銀膠囊塔最高層，編號A1305的膠囊單元。該膠囊是 2022年建築拆除後，僅有的14間恢復至原始狀態的單元之一，2023年時被MoMA收入館藏。展覽期間，MoMA會員將有機會在特定活動中進入膠囊內部參觀。

展出的A1305號膠囊經完整修復，盡可能從其他保存下來的膠囊中取回原裝配件，像是作為加購選項的全套音響設備。

本次展出物品還包括1970至72年間唯一保存下來的項目模型、原始設計圖、攝影作品、宣傳文宣、檔案影片與錄音、前住戶訪談，以及全棟建築的互動式虛擬導覽。展覽邀請觀者重新思考城市如何面對老化建築與急速城市化，並想像建築在超越設計初衷後，仍能藉由擁有全新角色與功能而延續生命。

此外，展覽也同步推出全新 MoMA「One on One」系列出版品《黑川紀章：中銀膠囊塔》，由 Evangelos Kotsioris 撰寫，收錄大量彩色圖像，深入探討這項前所未有的都市生活實驗之設計、建造、變遷、拆除與遺產，並包含多篇從未公開的資料及最後一批住戶的口述記錄。

《中銀膠囊塔的多重生命》（The Many Lives of the Nakagin Capsule Tower）
日期：2025/7/10 - 2026/7/12
時間：10:30 - 17:30
地點：The Museum of Modern Art
更多資訊可至官網查詢

資料、圖片來源｜The Museum of Modern Art

當我們談論美術館的未來時，很難不想到虛實交融的可能性。2024年，北美館啟動一項名為「開放網絡計畫 TFAM Net.Open」的實驗，試圖探索一個關鍵問題：當藝術遇上數位技術，美術館的邊界在哪裡？藝術家許家維醞釀3年，《沉沒的聲音》這件跨域之作結合水下考古、拍攝與聲學，並與NAXS STUDIO涅所未來合作MR混合實境技術，邀請觀眾潛入澎湖周邊海域的沉船歷史。9月每週四至週日下午，美術館規劃3場約50分鐘的預約制演出，在多人連線的MR沉浸式空間中，觀眾將體驗到一場跨時空的感官之旅。

戴上Meta Quest 3頭顯，才發現裝置隨這幾年技術進步意外地輕盈。如果你帶過更重的頭顯／眼鏡，甚至前幾年你曾背過外接式、連著電腦的背心，你應該會懂我在說什麼。

 《沉沒的聲音》在臺北市立美術館分為兩種版本：一種是觀眾佩戴頭顯體驗沉浸式場次，另一種則是自由參觀的錄像裝置版本。戴上頭顯，有點像潛水員戴上潛鏡，在進行水下考古前的換裝儀式。聽著音樂、看著影像，慢慢地隨著演出進行，你會發現自己轉變為一個虛擬化身（avatar）——可能是清朝的小水兵、二戰日本海軍軍官、裝備很復古的潛水員或傳說生物海和尚，航行在水下的奇幻歷史世界。

在北美館遇見MR藝術實驗

台灣擴延實境（XR，包含虛擬實境VR、擴增實境AR、混合實境MR）的藝術實踐享譽國際，如陳芯宜《雲在兩千米》二度榮獲威尼斯影展沉浸式單元最高榮譽。然而，除了高雄市電影館「VR FILM LAB」外，台灣缺乏固定的XR播放場域。

自2024年，臺北市立美術館啟動「開放網絡計畫TFAM Net.Open」，探索虛擬世界中藝術與科技的可能性，自然沒放過XR領域。其中，當年的共域計畫之三「VR圖書室計畫」便由「在地實驗」策劃專屬播放空間。選件上，作品回應北美館對於回憶、歷史與社會等議題的關注；它也不是傳統售票或預約制影展，呼應美術館空間即時開放特性，讓觀眾現場排隊，真像在圖書館視聽室現場「借閱」這些作品。而藝術家許家維醞釀3年的《沉沒的聲音》，更進一步以MR探索了空間的可能。

（以下涉及部分劇透，請斟酌觀看）

MR與VR的媒材特質不太相同。VR360電影提供全然沉浸的封閉虛擬世界，更像是個人化電影院（不過若你連上線，你確實可以與他人遠端在全虛擬世界上相會）；MR則讓觀者身處現實與虛擬的交界，時而透過眼鏡窺見真實世界，形成奇妙的感知體驗。《沉沒的聲音》首段也是一般觀眾能參觀的錄像作品，3面懸吊螢幕分別呈現澎湖耆老葉成仁即興吟唱褒歌〈討海歌〉、潛水員監看「山藤丸」的水下作業，以及表演者潛入海中演奏自製螺旋槳樂器的片段。

一同體驗虛實混淆的水下世界

關於MR技術，我有幸在去年（2024）於國家兩廳院觀賞《鏡：KAGAMI》——坂本龍一逝世前錄製的最後演出，今年也體驗了河床劇團的最新作品《之間》。在現實空間中，眼前呈現的景象與認知的物理現實產生奇妙落差，形成虛實交融的特殊體驗。眼前可能飄盪著光球，或讓你潛入人體臟器、遨遊宇宙之中感受生命奧妙。

《沉沒的聲音》演出的第二段，眼前的空間逐漸脫離美術館，進入一段虛擬世界的航程，甚至潛入了水中。眼前的世界被重新改造，但身體切實地能感受到還在美術館空間中，你也能感受到有些虛幻場景與美術館的空間重合。當軍樂奏起時，我與其他觀眾竟開始在同一時空下共同演奏樂器。

這種多人共享的體驗設計格外有趣。《沉沒的聲音》採5人一組，一場演出能同時容納兩組共10人。觀眾能透過眼鏡看見現場其他人化為虛擬替身的樣貌，這對技術門檻與環境器材配置要求極高，訊息傳輸稍有延遲便能察覺。所幸這次體驗相當順暢，既保有私密的觀影感受，又能感受到與他人的共同存在。相較於獨自觀賞的寂寞，與一群人同在演出場域中互動，體驗截然不同，況且大家後來都化身為不同的avatar角色，更增添了角色扮演的樂趣。

最後，我們一共探索了清代甲午戰爭時期的「廣丙艦」，以及二戰時期被日本政府徵用為運輸船的「滿星丸」與「山藤丸」。看到演出結局時，我感到一絲感傷。《沉沒的聲音》讓人感受到歷史消失的可能，也更能體會考古發掘歷史故事的必要性。透過MR科技與藝術的結合，我們也重新思考了虛實之間、過去與當下時空的關係。

想像虛實並存的展演未來

在9月「虛實共構：混合實境創作與技術實踐」的講座中，許家維分享到「考古學就是想像的技術」，當代考古學家用有限的技術與線索，去想像一個遙遠而未曾經歷的時空。實作上困難重重，不僅為讓觀眾同時看見彼此虛擬化身，而得在透視功能與運算效能間做出取捨，更複雜的是空間「虛實疊合」的技術，難度遠超單人體驗的VR360。此外，水下拍攝的極限條件，更令攝影師一次得在強勁海流中工作2小時不上岸，連續錄製8K影像也考驗著固態硬碟需求。聲納技術則透過反射距離分析海底地形，讓觀眾腳下踩的虛擬紅色區域能對應真實的礁石位置。 

目前《沉沒的聲音》同時於香港M+博物館展出，但採用不同的呈現方式——頭顯懸掛於浮球裝置上，觀眾可透過投影同步觀看頭顯視角的畫面。許家維也透露，明年也將前往荷蘭EYE電影博物館（Eye Filmmuseum）展出，到時可能不再像北美館區分兩種展出，而是讓佩戴頭顯與未體驗沉浸式內容觀眾同時共存於展場中，此時，觀眾的身體本身也成為作品的一部分。未體驗者觀看體驗者，如同觀賞一場即時演出。雖然不確定這個構想是否會真正實踐，但這種虛實交融、不同體驗層次並存的互動張力，正是MR技術獨有的藝術魅力。

重新思考數位藝術的脆弱與永恆

除了《沉沒的聲音》，北美館開放網絡計畫對虛擬世界的探索也未完待續。《消失的反動》線上展覽已經上線，展期將延續至2026年8月31日，並將於10月起至明年舉辦6場線上講座與演出，以及2場線下放映活動。墨西哥籍策展人Doreen A. Ríos這次聚焦在數位世界的不穩定與脆弱特質，邀請Federico Pérez Villoro、徐容、Anna Ridler與Olia Lialina等4位藝術家獻上全新委託創作。

這提醒我們一個容易忽略的現實：儘管我們習慣認為數位內容能夠永久保存，但實際上它們可能因為各種因素瞬間消失。4位藝術家各自創作純線上作品，以「物質、記憶、幽靈、脆弱性」為核心，探討一個深刻的問題：當數位生活無所不在時，我們該如何面對那些突然消失的數位記憶？

他們的創作就是另一種當代考古學，挖掘數位世界潛藏的崩解痕跡，從被污染的海洋到逐漸損毀的USB隨身碟，從幽靈般飄蕩的虛擬花朵到網路舞蹈文化中的身體律動。這些看似不相關的意象，共同指向網路生命週期的短暫與易逝。更有意思的是，他們將海底光纖電纜的斷裂、失效的超連結、404錯誤頁面當作數位世界留下的考古證據。這些「失敗」不是技術故障，而是數位世界曾經存在過的痕跡，就像考古遺址中的斷垣殘壁。

數位世界或許也並非想像中那般堅不可摧。我一直很愛坂本龍一生前為《鏡：KAGAMI》寫下的詩，其中幽默的一段：「跨越千年萬年的共情，啊！可惜電池撐不了那麼久。」這句話一針見血地點出了數位內容的根本矛盾——最終都必須依賴這些有形的科技載體，我們需要確保儲存數位內容的硬碟、資料庫完好無損，電力供應穩定，頭顯等各種硬體設備的正常運作與未來相容性。就像那些才被我們考古出來的故事，誰也說不準這些科技與數位內容真能存在多久。

北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open

《沉沒的聲音 The Sound of Sinking》
時間：即日起~2025.09.28
地點：北美館 地下樓E展覽室

《消失的反動 Vanishing Acts》
時間：即日起~2026.08.31
地點：北美館 地下樓E展覽室
線上平台：https://tfam-netopen.xyz/vanishing-acts/

這場展覽的起點，不是遙遠的藝術理想，而是日常生活。 

一只杯子、一壺茶、木頭的紋理、玻璃的透光，甚至刀刃相擊的聲音，這些日常中熟悉的事物，正是這場展覽背後的靈感來源——即將在前身為歷史建築大屯郡守官舍，現為「Ippuku｜林森40」的全新展覽，便是以「日常」為核心，邀請日本十一位工藝職人首次齊聚台灣，帶來從陶瓷、玻璃、金工、木工、和紙，到和菓子、焙茶與花藝的完整面貌，呈現工藝如何在日常之中孕育、回應與生長。

「Ippuku（いっぷく）」在日語中意指小歇片刻——可能是一杯茶、一段沉默，或是窗邊光影的流動。策展團隊許哲瑜、郭中元，與日本作家召集人大谷哲也，親自拜訪並邀請日本十一位日本工藝職人 ，希望觀眾能在展覽中放慢步伐，於繁忙生活裡留白，感受器物所蘊藏的呼吸與溫度。

十一位日本作家，將日常轉化為美的風景

本次展出的作品皆源於職人貼近生活的觀察：角田淳因料理與家人餐桌而開展器皿創作；大谷哲也以純粹的「白」瓷器營造日常的留白；大谷桃子則把田園的荷葉、芭蕉葉描繪於陶器；和菓子品牌「菓心おおすが」將果實化作甜點，傳遞自然與幸福的滋味。這些作品不僅是物件，更是職人生活的延伸。

工藝與自然的對話也在展覽中綿延展開：京都的ハタノ ワタル讓和紙化為空間的溫潤質地；能登半島的有永浩太以口吹玻璃捕捉呼吸般的透明；金澤的竹俣勇壱則透過金工與手感的結合，賦予餐具穩重而優雅的姿態。

除了靜態展出，策展團隊中島GLAb特別規劃了「作家交流日」系列活動，多位職人將親自與觀眾面對面，分享他們的創作心境與生活細節。工作坊將攜手支持藝術生活之風格品牌共同舉辦——包含櫻井焙茶研究所、菓心おおすがˋ與台灣果醬冠軍柯亞，將於台中老爺行旅舉辦茶席創作交流；平井 かずみ 老師將花藝課程帶到散步鋪傢俱，讓跨文化的交流不只停留在展品，而是成為一次真正的相遇與對話。

即將發生在「Ippuku｜林森40」的不僅是一場工藝展覽，更是一份休日邀請——在生活的片刻裡停下來，讓器物陪伴日常。工藝作品並非遙不可及的藝術，而是能陪伴、融入生活的器物。Ippuku 希望透過工藝展覽，邀請大家停下腳步，重新看見日常裡的溫度與期待，從每一個片刻出發。

Ippuku｜日本工藝家聯展

展期：2025/10/1～2025/11/16（OPEN:10:00-17:00，CLOSE: Mon. and Tus.）

地點：Ippuku | 林森40（台中市西區林森路40號）

作家交流日：2025/9/26-28（活動採預約制，如需洽詢請私訊粉專）