南美館「皮膚と內臓-自己、世界、時間」開展：攜手策展人秋元雄史策畫，從10位日本女藝術家的工藝之作感受生命流動

臺南市美術館自開館以來，持續策劃當代工藝展覽與論壇，自2021年起舉辦「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、2022年「逍．遙．遊當代工藝合創展」，及2024年「臺南X金澤雙城論壇：工藝與藝術的碰撞」，不僅呼應臺南作為工藝創作者聚居地，也建構出產、官、學的交流網絡，在各界引發廣大迴響。

南美館延續工藝推展的歷史脈絡，在今年秋季，邀請到日本GO FOR KOGEI 2025 總監、當代藝術領域的前金澤21世紀美術館館長、直島藝術計畫推手秋元雄史擔任策展人，策劃「皮膚と內臓-自己、世界、時間」展覽，藉由其專業視野拓展並深化台日雙方於工藝、設計與當代藝術之間的交流與對話。

集結10位日本當代女性藝術家

展覽從皮膚與內臟的感知為起點，試圖將自我、世界與時間組織起來。展覽從身體接觸和感官經驗中，所產生的既神秘又具象徵性的表現，以探求自我在現代的存在方式，及如何面對世界的方法。展覽由10位日本當代女性藝術家共同參與，作品涵蓋玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，藝術家透過創作展現對生命、感官與存在的探問，每件作品都是對自我、世界與時間的深度思考。觀眾不僅能欣賞工藝的精緻，也能獲得個人感官啟發。

草間彌生在自傳《無限之網》中曾寫道：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，這種在自由中求生存的精神也深深影響了這群藝術家的創作。

動漫《葬送的芙莉蓮》啟發的感官隱喻

展覽以動漫《葬送的芙莉蓮》中主角打敗魔王後的旅程故事為隱喻，觀者可透過作品審視自我，重新建構與他者及「來世」的關係。展覽也藉此引導觀眾從過去與幻想中追憶與懷舊、體會靜謐與內在情感，並啟發想像力。觀者透過感官體驗，感受自我與世界的連結，探索存在的意義。

透過工藝之作感受生命流動

展覽分為4大子題，探討人類生命的經驗累積、身分認同、對話與交流，以及心靈與身體的連結。透過工藝作品，引導觀眾逐步延伸至設計與當代藝術領域，探索文化意涵與創作魅力，也促進台日文化在美學觀點與創作思維上的深層對話。

展覽首先從「記憶與情感：過去與幻想」展開，介紹牟田陽日、小林萬里子與綿結3位藝術家。牟田將陶瓷傳統圖像結合個人想像，投射自然觀；小林以「生命的循環」跨越人類與動植物的界線；綿結透過原始技法，追尋超越時代與地域的根源之美。

第二子題「旅程：探索超越界限」關注旅程與他者的相遇，成為藝術家靈感泉源。佐佐木類透過植物採集展開《植物的記憶》系列，直面土地與旅行的感受，重新發現自我。

而在「邂逅：與他人的共鳴」中，藝術家三嶋律恵則與義大利穆拉諾島的工匠合作，在玻璃工藝中引入新表現，使作品隨光線展現不同姿態。中田真裕以時間沉澱記憶，透過色層堆疊留下製作過程的軌跡；佐合道子則在觀察與造形之間探問生命本質。留守玲則從日常素材挖掘並顯現其新質地與特性。

最後「生與死：生命的律動與心理」回到「生命本質的追尋」，山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類的身體，探問「人」的本質；宮田彩佳將MRI影像轉化為藝術，將原本帶有死亡預兆的影像，化為面對身體不確定性的心理回應。

皮膚と內臓-自己、世界、時間
展出時間：2025年10月3日至2026年1月18日
展覽地點：臺南市美術館2館 展覽室 A-D
更多資訊可至展覽官網查詢

_{資料提供｜臺南市美術館、文字整理｜Adela Cheng}

北美館於2026年10月31日至2027年3月14日推出──「坂本龍一︱觀音．聽時」(Ryuichi Sakamoto︱seeing sound, hearing time) 大型回顧展。展覽回溯藝術家坂本龍一自2000年代以來開創性的藝術實踐，呈現他如何透過聲音、影像、數位技術與真實世界的結合，突破媒介界線，形塑當代感知經驗的新語彙。另外，本展採網路預約制，預約辦法請見文末！

認識藝術家坂本龍一

享譽國際的音樂家坂本龍一（Ryuichi Sakamoto，1952-2023），畢業於東京藝術大學，自幼學習古典鋼琴與作曲，奠定深厚的古典音樂基礎；1978年與細野晴臣（Haruomi Hosono）、高橋幸宏（Yukihiro Takahashi，1952-2023）組成電子音樂團體「黃色魔術交響樂團Yellow Magic Orchestra（YMO）」，開啟融合電子音樂與實驗聲響的創作歷程；1980年代，他持續將創作延伸至電影配樂，並曾獲得奧斯卡金像獎、葛萊美獎及金球獎等國際重要獎項。然而坂本龍一並未止步於音樂領域，自1990年代起，他積極將影像與數位科技融入現場演出，展開與不同領域藝術家合作。

2000年以後，他更頻繁地在美術館和藝術節發表裝置作品，透過聲音、影像與空間的結合，探索聲音如何被觀看、聆聽與感知。同時，他長期投入環境保護與反核倡議，融入聲音創作，透過環境錄音、非典型樂器採集與科技數據，捕捉日常生活中不易察覺的聲響，對當代音樂及跨領域藝術創作產生深遠影響。

集結7組大型裝置作品

本展由日本策展人難波祐子策劃，展覽回顧他自2000年代以來開創性的藝術實踐，集結7組大型裝置作品及精選1999年歌劇《LIFE》的檔案選粹，展示他與5組藝術家的長期合作，包括高谷史郎（Shiro Takatani）、真鍋大度（Daito Manabe）、卡斯滕．尼古拉（Carsten Nicolai）、阿比查邦．韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）與Zakkubalan，帶領觀眾回溯坂本龍一對時間、生命、環境與科技的思考，以及他如何拓展聲音的表現形式與感知經驗，為我們開啟聆聽與感受世界的不同方式。

展覽入口迴廊，一座帶狀LED顯示器沿著面向北美館中庭的落地窗延伸。這件作品是日本藝術家真鍋大度與坂本龍一合作的《感測流2026——不可見、不可聞（臺北版）》（Sensing Streams 2026–invisible, inaudible (Taipei version)），透過設置於北美館外的天線，將城市中無法直接察覺的電磁波，轉化為可聽、可觀的感知場域，以影像與聲音描繪臺北這座變迭都市中，隱而未見的基礎設施脈動。同時，作品也提醒我們，所處的世界始終充滿那些看不見卻真實存在的能量與關係。

走進展場，得以看見德國藝術家暨音樂人卡斯滕．尼古拉與坂本龍一合作的作品，兩人曾合作多張專輯及多場現場演出。本次展出的《光幻視》（PHOSPHENES）與《內／外》（ENDO EXO），皆源自尼古拉受儒勒・凡爾納（Jules Verne）小說《海底兩萬里》（Twenty Thousand Leagues Under the Sea）啟發而發展的首部長篇電影計畫《20000》，並分別選用坂本龍一生前最後一張個人專輯《12》中的〈20210310〉與〈20220207〉作為配樂。《光幻視》以遊走於夢境與現實之間的抽象影像，交織坂本龍一朦朧的合成器聲響；《內／外》則透過動物與骨骼標本的影像，搭配緩緩流動的鋼琴旋律，引領觀眾重新思考生命、身體與觀看的邊界。

泰國電影導演暨藝術家阿比查邦．韋拉斯塔古曾受坂本龍一邀請，聆聽錄製中的專輯《async》。《async——初光》（async–first light）選用專輯中的〈disintegration〉與〈Life, Life〉兩首曲目，由坂本龍一配合影像重新編排音樂，結合詩意的影像與詩作朗誦；與其並置放映的無聲作品《沉睡者》（Durmiente），則取材自韋拉斯塔古電影《記憶》（Memoria），捕捉女主角蒂妲．史雲頓（Tilda Swinton）逐漸入睡的片刻。兩件作品透過私密而細膩的影像，以及聲音與靜默的對照，呈現夢境、記憶與甦醒之間的微妙狀態。

電影製作暨藝術團體Zakkubalan由空音央（Neo Sora）與阿爾伯特．托倫（Albert Tholen）組成。兩人與坂本龍一共同創作《async——容積》（async–volume），透過展場中24個閃爍微光的小窗，呈現坂本龍一製作專輯《async》期間，在紐約生活與工作的場景，包括工作室、客廳及花園等。觀眾透過這些螢幕，得以窺見坂本龍一幕後的創作生活與日常空間，彷彿在黑暗中走進他私密的內心世界。

視覺藝術家暨劇場導演高谷史郎與坂本龍一有著長達數十年的友誼與合作關係。本次展出兩人共同創作的三件作品《水的樣態1》（water state 1）、《async——沉浸》（async–immersion）及《LIFE——流動、無形、無聲……》（LIFE–fluid, invisible, inaudible...），分別呈現於北美館不同尺度的展場空間。

《水的樣態1》（water state 1）擷取包含臺北氣象衛星的降雨量資訊，當水滴落入水池之中，展現出水在不同狀態間的變化與循環，如同自然環境的縮影。《async——沉浸》（async–immersion）以坂本龍一專輯《async》的曲目為基礎，融入〈fullmoon〉與〈Life, Life〉中的朗讀文本，並結合其紐約工作室裡的日常影像。作品透過長達18公尺的LED影像牆，讓畫面隨著如掃描器般移動的光束緩緩生成、分解與延展，隨著時間推移，交織出聲音與影像非同步的時間軸。此作於坂本龍一辭世後完成，由高谷史郎獨立延續並深化兩人共同發展的「async（非同步）」創作語境，使其成為兩人生涯晚期合作的最後數件作品之一。

高谷史郎自1999年擔任坂本龍一歌劇《LIFE》的視覺總監，兩人由此展開長期合作。2007年由山口媒體藝術中心（YCAM）委託創作《LIFE——流動、無形、無聲……》（LIFE–fluid, invisible, inaudible...），成為坂本龍一轉向創作「裝置音樂」（installation music）的重要轉捩點。兩人以1999年首演的歌劇《LIFE》為基礎，重新解構其音樂、聲音與影像素材，透過演算法生成不斷變化的視聽景象，並結合水、霧、光影等自然元素，延續原作對20世紀戰爭、科技與人類文明的反思，以及對21世紀的未來想像，逐步開啟觀者對自然環境的感知與思索。此件繼2024年於東京都現代美術館展出後，是首次於臺北以空間重構的方式呈現，也是本展極具代表性的亮點作品。

歌劇《LIFE》珍貴檔案臺北首度公開

與此同時，本展精選1999年歌劇《LIFE》的珍貴檔案，包括筆記、樂譜、手稿、影像及錄音帶，其中亦展出攝影師瀧本幹也（Mikiya Takimoto）當年拍攝的紀錄照片，多數資料為首次公開展出。展覽文獻區邀請觀眾回望坂本龍一歌劇《LIFE》的構思起源，以及他對音樂線性時間的思考與探索。透過檔案與裝置音樂的並置，勾勒出坂本龍一從音樂走向跨領域藝術創作的思考脈絡。

#北美館「坂本龍一」展覽網路預約辦法

本展採「網路預約制」，每日僅保留少量現場候補名額。10/15上午10:00起｜開放第一波預約，預約10/31-11/30參觀場次。

只要４步驟，輕鬆完成預約：
①註冊／登入OPENTIX
②搜尋「坂本龍一｜觀音．聽時」
③選擇參觀日期、入場時段及票券
④完成訂單，取得OPENTIX電子票券

↓更多參觀資訊請點擊下方北美館臉書資訊，或點此查看官網資訊↓

坂本龍一︱觀音．聽時 Ryuichi Sakamoto︱seeing sound, hearing time
展期：2026.10.31-2027.03.14
地點：北美館 一樓1A、1B展覽室

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}

臺中市立美術館將推出年度重點國際展「妹島和世＋西沢立衛／SANAA展『環境與建築』」，本展由曾獲「普立茲克獎」的國際建築團隊，也是打造出綠美圖的SANAA事務所策劃，展期自2027年1月30日至5月9日止。此次更為SANAA歷來規模最大的展覽，集結超過百件建築模型與精選攝影作品，包含首度公開的創作過程模型，揭露SANAA事務所建築思考的創作脈絡。

讓建築與環境自然交融

SANAA事務所由妹島和世與西澤立衛於1995年共同創立，以輕盈、透明、流動的空間語彙受到國際矚目。「環境與建築」是事務所長期思考的重要議題，也是本次展覽核心，對SANAA而言，建築並非劃分內外、獨立存在的物體，而是與周遭環境相互延展、共構的存在。從建築與地景的連結、室內外空間的延續，到個人置身其中的移動與交流，SANAA持續嘗試消弭建築與環境之間的界線。本展透過不同時期、地域與尺度的作品，呈現妹島和世與西澤立衛兩位建築師如何探索建築與城市、自然、人群及公共生活之間的關係。

延伸閱讀→專訪日本SANAA妹島和世、西澤立衛：用12年打造臺中綠美圖，一座可被穿越、立體延展的城市公園

從歷年代表作回望SANAA的建築思考

SANAA多年來的作品遍及世界，於不同城市與自然環境中發展出各自的回應方式。2004年落成的日本金澤21世紀美術館，以宛若城市公園的美術館為概念，大片透明外牆將室內外連結一體，模糊美術館與日常生活的界線；法國羅浮宮朗斯分館順應平緩的坡地地形，以低矮延展的建築量體回應周遭地景，使建築融入開闊的環境之中；由妹島和世負責建築設計，位在瀨戶內海上的犬島「家計畫」，更將視野從單一建築延伸至整座村落，透過改造閒置民宅，讓藝術、建築、自然與居民生活融為一體，創造一種新型態的美術館。

2025年完工的臺中綠美圖，建築以金屬擴張網與玻璃帷幕構成輕盈的外觀，搭配挑高的遮蔭廣場，引入光線與風，在建築中自然流動，也模糊室內外的界線。透過大廳水池達成微氣候調節的效果，並導入綠建築計畫，充分回應當代的環境課題。位於建築內的半戶外屋頂花園「文化之森」，串連周圍公園綠意，並將其引入空間內部，同時，開闊的視野可遠眺城市風景，感受城市－公園－建築間的環境關係、連結與交融，也展現SANAA對建築與環境的思考。

2010年榮獲「普立茲克獎」

除了遍布世界的代表作品，妹島和世與西澤立衛也屢獲國際重要獎項，兩人於2010年憑藉代表作「金澤21世紀美術館」共同獲得建築界最高榮耀「普立茲克獎」，其中，妹島和世是首位獲此殊榮的亞洲女性，西澤立衛則是截至目前最年輕的得獎建築師。此外，兩人亦陸續獲頒威尼斯建築雙年展金獅獎、日本建築學會獎、高松宮殿下紀念世界文化獎，以及在2025年獲得由英國君主親自批准、表彰他們對建築領域終身貢獻的英國皇家建築師協會（RIBA）皇家金質獎章等重要肯定。這些獎項與長期累積的建築實踐，反映了SANAA在當代建築領域長期累積的國際影響力。

展出大型模型、建築攝影

本展將於中美館展覽室A、B、C並延伸至臺中市立圖書館世界講堂展出，透過建築模型與攝影等多元形式，從不同角度呈現SANAA數十年來的設計歷程。展覽透過大量經典案例的建築模型，將建築、基地、周遭環境與人的活動一併納入，呈現SANAA對「環境與建築」的思考演進，以及面對不同場所與課題所發展出的設計方法與實踐。展出的模型涵蓋不同階段、時間與專案，包括日本金澤21世紀美術館、法國羅浮宮朗斯分館、美國紐約新當代藝術博物館、瑞士洛桑勞力士學習中心、澳洲雪梨現代美術館等，透過並置不同作品，回溯建築從概念生成、空間探索到逐步成形的過程，讓觀眾看見設計反覆嘗試與調整的軌跡。

從多種尺度走進SANAA的設計現場

此次展覽亦特別呈現攝影家沃爾特．尼德邁爾（Walter Niedermayr）長期關注自然景觀如何受到人類活動與建築影響而改變的創作視角。他與SANAA保持超過25年的交流合作，透過攝影捕捉SANAA建築中室內與室外、建築與景觀，以及自然與人工之間的流動關係，開啟建築與攝影的對話，帶領觀眾從不同視角觀看SANAA的空間。此外，展覽也透過犬島「家計畫」的模型、錄像與圖像，呈現建築、藝術、自然與居民如何共融，形塑出島嶼特有的風景。

臺中綠美圖不僅是此次展覽的展出場域，本身更是SANAA建築理念在臺中的具體實踐。觀眾在SANAA親自設計的建築中回望其數十年來的創作歷程，展覽與場館也形成相互對照的觀看經驗。從展間走向綠美圖及中央公園，亦能親身感受公園與建築、室內與室外，以及人與環境之間如何彼此連結。另外，展覽期間亦將規劃導覽及推廣活動，相關資訊將陸續公布，敬請關注中美館官網及Facebook、Instagram等官方社群平臺。

妹島和世＋西沢立衛／SANAA展「環境與建築」
展覽期間：2027年1月30日(六)至5月9日(日)
展覽地點：臺中市立美術館展覽室A、B、C及臺中市立圖書館世界講堂
售票資訊：一般全票100元｜臺中市民50元｜65歲以上及未滿6歲免費｜世界講堂免門票
開放時間：每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00，國定假日照常開放。國定假日期間，因應中市圖休館，世界講堂僅開放文化之森側入口。

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}