↑由建築師師三分一博志與藝術家柳幸典合作，將廢棄的煉銅廠變身為犬島精練所美術館，也讓這座只有60人的犬島，再度因為遊人的來到而充滿活力。

現在，藝術不再是曲高和寡、艱澀難懂的詞彙堆疊，存在於你我生活中的藝術，正以親近的語言與我們溝通。在提起行囊飛向無牆藝術之旅前，La Vie先帶你一起觀察這股藝術風潮的演變，以及了解藝術改變世界的現在進行式。
在《藝術與城市》中，南條史生曾寫道：「我希望別再聽見藝術是『說之無用』」的論調。對人類來說，人類無時無刻地與藝術共存，未來也是如此，這是再清楚不過的了。」藝術不再侷限於美術館內，在生活中的藝術隨處俯拾可見。這樣的無牆藝術，不只是公共藝術，並以雙年展、設計之都、文化之都等各種姿態，在城市、在鄉村中發生，開拓住民視野的同時，更改變了當地的經濟狀況。
 

↑動力雕塑也是藝術介入空間的其中一種表現型式，此為日本藝術家新宮晉於摩洛哥之作品《風之旅人》。

以藝術介入公共空間的表現形式，也從早期的雕塑、平面繪畫形式，擴展至地景藝術、生態藝術、裝置藝術、動力雕塑、多媒體數位藝術、行為藝術、燈光藝術、空間設計、建築形式等，各式不同的媒材語言蓬勃蔓延。所以你可以看見Andy Goldsworthy以自然材質配合當地地景，讓藝術融入於森林、綠地之間；Sarah Sze在紐約High Line，以生態藝術的概念，將蘋果置於支架上，吸引鳥兒來到這片綠地，讓總是匆忙的紐約人能夠停下與小鳥親近；日本關西機場中，新宮晉的動力雕塑〈無際的天空〉隨風緩緩轉動，紓解了每一個趕往下一座城市的旅人。

↑在GLOW燈光藝術祭運用燈光藝術，studio VOLLAERSZWART將腳踏車
隧道變為佈滿愛心的愛之隧道《Tunnel of Love》。

而在《瀨戶內國際藝術祭》的「家計劃」中，透過建築師安藤忠雄、妹島和世、西澤立衛、永山祐子及藝術家的參與，將一座座廢棄老屋改建成裝置藝術空間等等。其中西澤立衛更將與台灣藝術家楊偉林合作，將小豆島上廢棄的福田小學轉變為亞洲藝術平台。藝術不再只是藝術家個人的表演舞台，更對社會提問，甚至改變世界。

↑德國敏斯特透過《敏斯特雕塑計畫展》，一步一步改變城市。

在城市肌理中創作的藝術品，必須面對所有不期而遇的人們，或有喜歡、或有厭恨藝術者。進而在考量周圍地景的鑲嵌、與公眾的對話性之餘，同時保有藝術的批判性、原創性，而不淪為道具藝術(props art)，成為藝術家在創作時必須思索之處。最近因為與Louis Vuitton合作2013春夏系列的藝術大師Daniel Buren，對於藝術在公共空間所扮演的角色，就曾說過：「至少必須具有令人質疑(interrogative)的特性、或是作品必須具有存在性，不能讓人視而無見。」這也是前《利物浦雙年展》策展人Lewis Biggs就算冒著社會輿論與政府壓力，也不願意讓小野洋子的女性局部裸體攝影，自公共空間拿下的原因。
 

↑藝術家柳幸典於犬島精練所美術館之裝置作品《英雄乾電池》。

在城市街道、巷弄、或是鄉村一隅的藝術，都不該只是裝飾，而能透過藝術詰問大眾、用藝術表達觀點。就像南條史生曾談到：「藝術並非改正世面的工具。因為，如果藝術將社會的要求作為首要目的，最後藝術將會失去藝術存在的理由。」

本文出自La Vie雜誌第109期
文：彭永翔｜攝影Daici Ano｜圖片提供：新宮晉、Benesse Art Site Naoshima、GLOW、Skulptur Projekte Münster
 

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？