本屆金馬影展「傳奇人生」單元開出陣容媲美影帝影后的重量級人物現身說法，有搖滾樂迷心中的超級天團「果漿樂團」、冰島歌后碧玉和澳洲傳奇歌手尼克凱夫，戲如人生的傳奇芭蕾女伶譚娜奎勒克萊克，以及電影巨匠阿力山卓尤杜洛斯基、已故的電影大師費里尼、俄羅斯電影頭把交椅亞歷山大蘇古諾夫，和獲得奧斯卡終身成就獎的日本動畫大師宮崎駿，讓觀眾一窺他們舞台下、鏡頭後的精采人生。

《關於Pulp的日常搖滾》（Pulp: A Film About Life, Death & Supermarkets）以2012年英國知名搖滾樂團「果漿樂團」（Pulp）在家鄉雪菲爾城市的一場公演揭開序幕，不僅記錄了精彩萬分的表演，導演弗里恩哈比特（Florian Habicht）更藉由團員和樂迷的視角，從書報攤、餐廳、甚至菜市場，觀察他們的音樂如何影響當地居民，產生珍貴的共鳴。主唱賈維斯卡克（Jarvis Cocker）更展現獨具魅力的嗓音和舞姿，帶領觀眾進入一場真實溫馨的音樂派對。

唱、演俱佳的冰島絕世歌后碧玉（Björk）不僅以前衛奔放的音樂風靡全球，更以《在黑暗中漫舞》獲得坎城影后，不停挑戰創作和表演的極限。由《卡塔琳的秘密》驚艷國際的彼得斯柴克蘭（Peter Strickland）、冰島天團席格若斯紀錄片《聽風的歌》《謎之音》的剪接師尼克芬頓（Nick Fenton）共同執導的《碧玉現場：自然定律》（Björk: Biophilia Live），魔幻呈現碧玉結合特殊樂器、唱詩班和絢麗動畫的震撼表演，獻上絕無僅有的感官與心靈體驗。

以渾厚的嗓音、獨特音樂創意，獨步搖滾樂壇的澳洲傳奇歌手尼克凱夫（Nick Cave），連德國名導溫德斯都不敵魅力，在經典之作《慾望之翼》驚豔入鏡。《尼克凱夫：地球兩萬日》（20,000 Days On Earth）是他首次參與腳本撰寫，並將鏡頭轉向自己，大膽挑戰音樂紀錄片類型，流行歌后凱莉米洛也盛情參與。影片於日舞影展首映時大受好評，獲得最佳紀錄片導演、剪輯兩大獎項，並選入柏林影展「電影大觀」單元，引起樂迷熱烈討論，爭相一睹他跨域藝術成就的新巔峰。

前半生宛如《紅菱豔》翻版的法國傳奇芭蕾舞伶譚娜奎勒克萊克（Tanaquil Le Clercq），年輕貌美、天賦異稟，不僅是「美國芭蕾之父」喬治巴蘭欽的妻子與首席舞者，就連《西城故事」的編舞與導演傑洛姆羅賓斯也拜倒裙下，可說是大師們的繆斯女神。然而命運無情，她在事業如日中天之際，突然罹患小兒麻痺，被迫離開舞台，卻又開啟她生命的另一個挑戰。《芭蕾繆斯傳奇》（Afternoon Of A Faun）以詩意的黑白照片、影帶和珍貴的私人影片，記錄芭蕾女神如流星般的藝術生涯，在動人旋律下與譚娜奎的靈魂一同起舞。

大衛林區的《沙丘魔堡》，如果交由《鼴鼠》、《聖山》稱霸邪典電影的智利導演阿力山卓尤杜洛斯基（Alejandro Jodorowsky）執導的話，會是怎樣光景？《曠世奇片之死》（Jodorowsky’s Dune）揭開一度取得《沙丘魔堡》改編電影版權的阿力山卓尤杜洛斯基，熱血描繪當年如何邀集奧森威爾斯、達利、米克傑格和平克佛洛伊德等夢幻卡司加入，即便成為這輩子最華麗的失敗經歷，仍令影迷期待不已。

與電影大師費里尼（Federico Fellini）有長達四十年交情、曾獲坎城最佳導演的義大利名導伊托斯科拉（Ettore Scola），在費里尼逝世二十年後，以《追憶費里尼》（How Strange To Be Named Federico: Scola Narrates Fellini）道盡對摯友的深情懷念。影片巧妙結合多種素材，以幽默趣味的風格向費里尼致敬，引領觀眾走入這位以《8½》、《愛情神話》等作品永垂不朽的導演世界。

《蘇古諾夫：世紀之聲》（The Voice Of Sokurov）則記錄了以《創世紀》、《父子迷情》、《浮士德》等作品技驚國際、被譽為塔可夫斯基之後最重要的俄羅斯名導亞歷山大蘇古諾夫（Aleksandr Sokurov），透過精心蒐羅剪輯的珍貴拷貝片段與蘇古諾夫的現身說法，回首他從嚴厲的蘇聯片廠時期，至今近半世紀的創作歷程，也一窺俄羅斯於動盪歷史變遷中，所展現的絕代風華。

以《多桑的待辦事項》嶄露頭角的紀錄片女導演砂田麻美，這回深入「吉卜力工作室」觀察當代最負盛名的動畫大師宮崎駿，以及號稱其封筆之作《風起》的製作過程。透過《吉卜力：瘋狂夢王國》（The Kingdom Of Dreams And Madness），可以見證宮崎駿與動畫大師高畑勳、庵野秀明，以及御用製片鈴木敏夫之間道不盡的情誼，以及一代動畫宗師綺麗又憂鬱的生命體悟，是伴隨大師電影一同成長的影迷不可錯過的迷人之作。

金馬51在台北。影展將於11月6日於台北新光影城、喜滿客京華影城精彩揭幕，10月18日開始售票；金馬獎頒獎典禮11月22日於國父紀念館舉辦，後續將公布精彩片單，敬請期待！

資料提供/台北金馬影展

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」