Upstairs Genuine Shop 衝浪生活館結合德國百年工藝的 Feuerhand 煤油燈，舉辦《Christmas Lantern Exhibition》，邀請五位台灣及日本的藝術家重製油燈，藉此推廣藝術品貼近生活，其中包含參與過 Pow!Wow!Taiwan 展出的 Colasa、Mr.Ogay、Reach 與來自日本的衝浪藝術家 Hi-Dutch、插畫家 Yusuke Hanai。自12月18至24日，展售各藝術家作品，點亮藝術與生活家飾結合的火花。

提起「藝術品」，你會想到什麼？名畫、雕塑品還是天價的骨董？ 一直以來，所謂的「藝術品」，總被聯想到價高驚人的藝術創作，成了一般消費者難得觸及的商品。此次 Upstairs Genuine Shop 希望藉著邀請五位藝術家重新創作 Feuerhand 的煤油燈，結合日常媒材加工，為此展訂下了特別的價格，將藝術帶入人們的收藏視野。

複合式優質生活概念店 Upstairs Genuine Shop 與其說是一間商店，不如形容是一間有品味的海邊小屋來得更為貼切，所以依著店內居家陳設，為展覽創下新形態的陳設模式。同時因應聖誕節將至，伴隨著越重創意的送禮習慣，更希望藉由煤油燈的火光，呼應聖誕節溫暖、幸福的意象，成為聖誕禮物的新創意選擇！

 

藝術家介紹

HI-DUTCH
來自日本的知名衝浪藝術家，將自身多元的想法，透過平面、影像、立體 3D 等不同樣貌的方式表現，致力於獨特的視覺作品，曾經與美國知名 Select shop - Ron Herman、運動休閒服品牌《Champion》、衝浪品牌《Lightning Bolt》以及日本知名 Select Shop - BEAMS…等單位合作。近年來，更結合了衝浪板的修復技術，是第一位使用木材、毛線以及 FRP (玻璃纖維) 樹脂來進行創作的藝術家，將精細的紗線層層堆疊在薄板上，並用樹脂完整包覆。由於每件作品都是由 HI-DUTCH 純手工製作，如此特殊的媒材在光線折射下，更有一股獨一無二的韻味，也由著光暈呈現出曲線魅力。
 

YUSUKE HANAI 
兼具插畫家與衝浪玩家身分的花井祐介，在 17 歲時受到傳奇藝術家 Rick griffin 所啟發，藉由 Rick 在 Surfer 雜誌上的插畫作品，展開了創作與衝浪生活，甚至在2003年離開日本，前往舊金山藝術大學就讀，在加州這塊衝浪與藝術蓬勃的勝地薰陶中，結下了他與美國的不解之緣。HANAI的作品風格，帶著一股人文懷舊感，描繪人與人情感互動的題材，細膩觸動人心。其合作的對象不乏國際品牌 BEAMS、Patagonia、Gravis 等，甚至與日本音樂盛事 Fuji Rock Festival 有聯名作品，時常獲邀於紐約、倫敦、澳洲、巴西等各地展出，在國際的知名度逐漸顯著。
 

REACH
1995 年開始塗鴉之路，台灣塗鴉先鋒之一。曾與眾多國際品牌及藝術家合作，從早期便開始參與藝術家駐村及國際藝術節，近年也遠赴歐美與中國等海外各地舉行展覽。著名作品是一系列有閃電眼的熊跟貓，以桃紅為代表色。06 年開始以貓手延伸成全新風格，並開始以畫作展出與大型牆面繪畫的形式為主要創作方向。08 年甚至著作「TOOYA! 塗鴉人轟炸台灣」一書，致力於推廣台灣塗鴉藝術文化，且在14年代表台灣至夏威夷參與《Pow! Wow! Hawaii》展覽，努力擴展台灣塗鴉在國際上的地位。
 

COLASA 
自幼學習美術出身，不甘於純藝術的正規系統，轉以反叛手法表現其藝術特質。注重無拘的技巧並嘗試混合不同媒材的表現技法，不斷推陳出新的創意總是令人驚豔。憑藉獨樹一格的視覺表現並融合東方水墨風格在國際上已建立高人氣知名度。富有多年的創作資歷，更參與許多國際藝術展覽與商業合作，與知名品牌 NIXON、Adidas、Agnès 及 Remix 皆有合作經驗。
          

MR OGAY 
生於台北，活躍於街頭的藝術家。以「醜陋」為語彙，發展出屬於自身的一套創作模式。徘徊於體制灰色地帶，強調個體獨特性以及抵抗均質化的思考模式。試圖顛覆人的既有價值觀，排除外在表象，從另一角度來思索人事物的內在本質。對於創作思維理念有著更加敏銳的觀察力以及嚴苛的要求，認為塗鴉藝術要發展的更深更遠，不能再將重點聚焦在反抗社會體制以及技法的華麗上，而是提高藝術性和融入自身的人格特質。

關於 Feuerhand

來自德國從 1902 至今的百年工藝，直至今日依然堅持在德國製造組裝。特別開發的燃燒元件提供了不閃爍、不會有黑煙的完美火焰，特殊的密封油壺墊片，沒有滲漏的危險。使用有專利可抗高溫的 thermal heat-resistant SUPRAX globes 玻璃罩，使之在大雨或大雪中依然不會因為溫差而碎裂。除了煤油外，還可以使用佛燈油，不需保養，提升便利性。除了美觀、照明之外，晚上冷的時候還有輕度加溫的作用。
 

關於 Upstairs Genuine Shop
由來自日本熱愛衝浪的佐藤健二主導，同時也是台灣街頭自創品牌始祖 REMIX 的創辦人之一，常年浸身於衝浪與街頭文化，並定期往返於臺北和東京之間，醞釀了健二強烈的敏銳度與豐富的文化背景。店鋪 Upstairs Genuine Shop 成立也同時發表了自創品牌 Upstairs。品牌延續店鋪理念 – Urban Beach Lifestyle，除了有每季固定發表的服飾外，健二還化身工匠，跨足傢俱業，提供客製化手作傢俱。傢俱系列強調自然材質的純淨韻味，保留木頭溫潤質感，不做多餘的修飾，搭配純白極簡的建構，散發出海岸般的悠閒美好。Upstairs 致力於推廣衝浪文化給在都市生活的人們，希望傳遞的是一種對生活的堅持與態度。

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Upstairs Genuine Shop《Christmas Lantern Exhibition》展覽

2014 December 18 – 24
台北市萬華區昆明街 96 巷 19 號 2 樓
02 2375 9263


資料圖片提供 Upstairs Genuine Shop

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目為例。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」