北美館《眾妙生鋒─東方思維之情愫》主題策劃展，集結台灣及中國共9名藝術家：李義弘、李華弌、盧怡仲、賴純純、黃一鳴、展望、李鎮成、張洹、蔡志松之作品，探討東方體系藝術在不同媒材及創作手法上，在當代萌發出新的圖像符碼。

9名藝術家之創作皆具有濃烈東方思想與情感，作品中隱含著濃郁的東方思維，無論是書法、水墨、繪畫、雕塑以及裝置等媒材，其視覺形式與符號，皆源於東方傳統文化，並重新賦予作品創新及傳統之精髓。本展將藉由作品觀讀東方，展現藝術史的淵源流傳，並重構當代藝術品鮮活的生命力。東方藝術的傳承與變化源遠流長，既是歷史知性的脈動也是藝術感性永恆的課題。本展策劃自以下面向探討：自然山水園林、藝術信仰與宗教情操、書法體系以及民族氣質與圖像符碼。

當代視覺之自然山水園林
東方藝術的最高境界，是畫家將胸中臆氣與客觀的自然造化兼容並蓄，從而煥發出難以言喻的氣韻生動，其形貌與精神妙在似與不似間。東方藝術家以山水主題表達其思想情感，面對高山和流水寄予無限憧憬，反映了東方藝術家追求「天人合一」、「道法自然」的哲學觀。

李義弘的山水藝術觀強調深入觀察自然的奧妙，在其著作《自然與畫意》之內容，有精闢的剖析與對照，他面對自然實景輔以攝影做全方位探究，運用筆墨繪寫山水樹石表現多種的可能性。

近年來，他繪寫的題材聚焦於石頭、溪石，雄健層疊的寫意皴擦筆調，黝黑濃重的墨色與白色基底形成通透光影的對比，具體而微呈現出台灣當代山水景色。大陸旅美藝術家李華弌的山水畫直追北宋山水精神，畫面看似傳統形貌，實則藝術家經由思考多變的藝術思潮，反思東方藝術的核心價值，已然翻轉不再是傳統意義的山水，他以骨法線條，細膩皴筆繪寫山水形質，提煉度物象而取其真的山水畫精髓「暢神」，在進出傳統與當代的視域之間，逐漸發展出個人獨特的山水風格，追求崇高的莊嚴感與恢宏氣度。

園林是自然山水的縮影，亦為文人隱士的藝術結晶。意境山水庭園是體現澄懷觀道的山林生活，它與山水畫和老莊思想息息相關。假山石，在東方的山水園林藝術構成重要的元素之一。展望以不銹鋼塑造假山石雕塑，靈感來自於園林中的奇石掇山，自然之石外觀嶙峋多姿，紋理縱橫，山石拼縫的疏密與凹凸造成的陰影，具有千變萬化的韻律感。假山石晶亮的質感延續了其作品「中山裝」的衣服空殼和運用符號和材料的觀念，探討自然文明與工業文明的關係，揭示和建構了一種獨特的東方雕塑。

藝術信仰與宗教情操
自然與儒釋道思想的關係，也是當代藝術家關注探究的重要議題之一。賴純純的作品一直以來關注存在與變化，純粹造形與自然物象虛實、光影之間錯綜複雜的有機關係，她以終極關懷的情感與態度，巧妙地將作品與空間凝聚形成場域之能量。1990年以來，她以「心」為主題的大型裝置系列作品，展現旺盛的藝術生命力，作品〈無漏〉意謂了無煩憂，透明心型被不鏽鋼尖釘穿透，映照透明錐心影，裝置於空間展場，猶如芸芸眾生無常的大千世界。

張洹創作初期以行為藝術崛起於中國，在1998年移居紐約並在歐美各地的藝術中心及美術館舉辦展覽，馳騁於國際藝壇。2005年自美國返回中國後，在上海建立工作室。他從行為藝術觀念轉向藝術生產行動，使用媒介趨於多元化，主要有香灰繪畫、銅雕塑、牛皮以及富有歷史意涵的門板。張洹以香灰創作的繪畫與雕塑裝置，喚起普羅大眾幽微的心靈與無限的祝福，具有濃烈東方文化的象徵精神。

書法體系之線形延異
書法中的線性書寫具有滲透與綿延的空間特質，也是東方藝術美學的核心。當書法去字義與間架之後的線形，直接進入抽象水墨的領域。書法藝術與抽象藝術兩者有其共通之處：一、藝術家以線條、造形、色彩、肌理等本質要素來表現其主觀感受，二、畫家不再描寫和再現物象。黃一鳴以書法崛起於台灣書畫藝壇，從傳統到創新，其創作態度始終懷抱熱情與理想。黃一鳴是書法家與理論家，更是一位勤奮創新的當代水墨藝術家。觀讀黃一鳴的作品，書法線形骨幹與水墨疾馳澀相是構成其作品的主要特色。李鎮成的創作結合了書寫與雕刻，在二度與三度空間中，解構漢字書體表現的可能性，他以書法、篆刻、雕刻等媒介，發展出一系列以文字為主體的作品，也創作多件文字景觀雕塑之公共藝術設置於台灣及大陸。

形塑民族氣質與圖像符碼
盧怡仲的繪畫，賦有濃重蒼鬱的肌理，以藝術詮釋歷史情懷，鮮明而隱喻的信仰符碼，似乎令人隱約感受到透露出民族幽深飄渺的靈魂。盧怡仲的作品曾以「中華民國在臺灣」所衍生的特質為內容，在承繼華夏優秀的文化資產突顯悲天憫人的情愫，藉由圖像記號的藝術底蘊彰顯人道精神之價值及意義。蔡志松的雕塑《故國.頌》系列以精良的處理手法，樸素的造形與嚴謹的秩序美感，對秦漢雕塑的雄強博大作了現代性的詮釋，展現了一種靜穆的古典意境。他賦予秦俑鮮明形象以生動的姿勢神態，將人物的堅毅與中華民族的氣質相聯繫，使我們感受到古代文明的強烈意象。蔡志松的雕塑不僅顯示了紮實的造型能力，更以人物的姿態表達藝術内在精神。

東方藝術作品從傳統到現當代，可謂多采多姿，如何將先前的智慧善用再創造，是藝術家必須思量的現實狀態。本展9位參展藝術家面對浩瀚豐饒的歷史資源，在創作的內容與題材，始終有取之不盡、用之不竭的活水泉源，其造形手法與作品內容表現出各形各色的樣貌，持續地為當代東方文化積累廣博的藝術資產。

圖文資料提供 臺北市立美術館

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」