何謂建構式木雕？即日起至2025年11月23日進駐台北藝廊Hiro Hiro Art Space的泉啓司最新展覽《風景悄然成形》將給予適切解答。一片從人物內心長出並交疊擴張的精神地景，以奇幻造型、斑斕色彩引觀者遁入其中，探索不可言傳的幽微之思。

台北藝廊Hiro Hiro Art Space繼2023年首度舉辦泉啓司（Izumi Keiji）個展《今天我們要走跟昨天不一樣的路》廣受好評後，睽違兩年再於純白空間內呈現這位日本藝術家雕刻刀下的斑斕風景。正如展名「成形」所揭露，泉啓司獨特的建構式木雕始終根基於人物形象，藉由細膩觀察捕捉個體思想、性格樣貌乃至情感連結的無形存在，並轉譯為雕塑上多樣的幾何零件，使人物思想如渦漩般擴散、性格蔓生成林、內在精神迸發為明滅的電光，最終生成一個完整世界之形。本文將分靈感來源、結構造型、色彩塗裝3大虛實面向切入《風景悄然成形》，解析泉啓司概念性、視覺性皆強的創作風格。

泉啓司個展《風景悄然成形》解析#01：靈感來源

▶ 具象個體X抽象訊息，著重刻劃「心像」而不只是「肖像」

泉啓司1973年出身日本福島，畢業於專攻設計與美術的東京造形大學，在學時即主修雕刻。後投身雕塑創作以來，持續將人物與自然元素、幾何圖形相結合，也常以身邊熟人為繆思，下刀刻劃一張張臉孔，「他們與其說是刻劃對象，不如說是我思考『人是什麼？』這個問題的提示。」由此可知，泉啓司並非為了復刻「肖像」而去雕琢臉孔上的神情，反倒意在透過具象個體與抽象訊息的交互詮釋，形塑「心像」風景。至今作品實踐自身對「人」的興趣，在在建構出日常又非日常、詼諧而奇幻的造型，受大阪市國立國際美術館、栃木縣Nasunogahara博物館等日本當地美術館收藏。

泉啓司個展《風景悄然成形》解析#02：結構造型

▶ 以「類建築」方式組裝零件，藉可動關節嶄露生命力度

對泉啓司來說，創作的發軔，從決定好要雕刻哪個人開始，繼而潛心回憶、反覆思索該對象的模樣、質地等內外特徵，再將「某些東西」與之緊密組合。

「某些東西」所指為何？由於泉啓司不全然使用整塊木頭打造作品形體，亦精心鑿刻、打磨數十個獨立的木頭零件（時為圓潤的球體、時為長短不一的方形木條，甚有纏繞的金屬支架），因此得運用近乎建築的方式，逐一串連、栓合、組裝零件，讓人物各不相同的性格裡，那風雨無阻的勇敢、天馬行空的妙想，抑或對世界充滿魄力的好奇，都找到對應的幾何語彙，奠定構築「風景」的基石。部分銜接處如生物的關節般可被轉動，彷彿賦予剛硬的木條得以彎折、改變角度的自由，讓整體結構散發更為有機、似能呼吸的生命感。

如此迷人的不確定性，暗示了當下所見的形態不是唯一、固定的答案，而是充滿可能性的有機體：好像只要輕輕一推，眼前由木料勾勒的風景就會翻騰、變幻，展現出其他樣貌；這份流動感恰呼應泉啓司在創作中即興、非預設的探索狀態。勞動密集的雕刻和組裝過程，則可謂藝術家內心不斷尋找契合感的具象顯現——每塊木頭的嵌入與咬合，皆為一次試探，直到所有部件達到微妙的平衡，「對了」這難以言喻的感覺終會浮現。

泉啓司個展《風景悄然成形》解析#03：色彩塗裝

▶ 鮮明色彩躍然溫潤木作，成為思想與情緒的視覺化身

除獨有結構耐人尋味外，泉啓司更大膽為木作塗刷鮮明色彩。亮橘、螢光黃、沉靜的藍和活潑的綠，跳躍於木頭原色之上。當溫度與個性隨色彩沁入幾何結構，促使它們脫離純粹的形式，成為思想、情緒或關係的視覺化身，觀者便能從一具具木刻人形中直接感受飽滿且交雜戲劇性的思緒爆發，化為團團熾熱火光，或作蒼蒼雨幕傾天而降、蔥蔥樹林拔地而起，織就色澤萬千的景象。

「我在思考『人是什麼？』的過程中，一個像風景的畫面，會自己悄然幻化成形，那不是傳統的山與海，而是一種從人物內心長出來的精神地景。」

——泉啓司

《風景悄然成形》邀請我們觀看的，不僅是木雕中的人物，更是從他們身上綻放開來、圍繞著他們，由無數零件與色彩悄然共築的風景。

泉啓司個展《風景悄然成形》

• 時間：即日起至2025年11月23日11:00-19:30，週一公休
• 地點：Hiro Hiro Art Space（台北市中正區紹興南街10號）

>> 更多資訊可至藝廊官方網站了解。

Hiro Hiro Art Space

2018年成立於台北，集結包括繪畫、錄像、雕塑、裝置、行為藝術及文化活動等多樣化展示方式，致力推廣當代藝術。其名「Hiro Hiro」取日本方言「ひろひろ」一詞（意指對事物垂涎、渴求的狀態），用以隱喻團隊對藝術知識及鑑賞能力的追求，憑獨到眼光揀選藏家尋覓之作，並藉由突顯作品本身魅力，獲得到訪者的垂涎與渴求；同時通過「空間」對作品的詮釋，與大眾一同閱讀藝術家埋藏其中的創作語彙。

去過的都知道，teamLab沒有、也不該有攻略，怎麼逛全靠自己——那還要這篇幹嘛？當然是帶給你最需要的沉浸式「迷路」地圖，開啟一場迷了路更驚喜的玩展旅程！La Vie直擊「teamLab Biovortex Kyoto」，並根據現場體驗，從超過50件作品中精選推薦包含泡泡、銀球兩大話題之作在內的5件必看作品（但與其說哪些必看，不如說這些沒看真的不能撤）；同時，縱使已經刻意低調，如此獨具京都美學的展館外部空間果然還是讓人且走且著迷，3大設計亮點隨文一併整理，入場途中別忘照張相。

- 以下段落提及之作品名簡以英文呈現，日文作品名可於圖說參考對照；若無則表示英日同名。 -

扎根於「理論結構」的沉浸式藝術高標

「沉浸式」一詞，在常被拿來泛稱各種感官體驗的今天、在很多並不真正符合其根本條件的誤用情境裡，定義時而模糊，淪為一種無實質指涉的氛圍感形容。然堪稱此類藝術形式高標的teamLab，每每推出新作或新場館，卻都再次踩穩定義，清晰勾勒動人線條。

2025年10月，最新常設館「teamLab Biovortex Kyoto」正式揭幕，La Vie前往京都搶先開箱，且有幸與主導團隊創作方向的teamLab共同創辦人猪子寿之先生短暫座談，聽他講述創作的方方面面。其中，關於【teamLab如何看待越來越多沉浸式展覽的出現和跟進】這題，猪子先生的回應一解編輯心中迷惑：「teamLab的作品都是基於『理論結構』製作出來的。若沒有理論結構支持，只是一味地去模仿透過鏡頭拍下的『表面（影像）』的話，可能並不能讓體驗者得到和在我們這裡一樣的沉浸感受——因為它的理論是不對的。」彼時，我們置身teamLab代表作之一《Forest of Resonating Lamps: One Stroke - a Year in the Mountains》，該作品正是經由數學運算控制鏡面空間中無數盞掛燈的明滅，一切不證自明。

理性描繪的感性，比純粹感性更撼動人心

當沉浸式展演流於形式卻不使人沉浸，那無非是拖著觀眾強行召喚感受。可要做到自然而然地啟動觀眾的五感，總歸沒有這麼簡單，否則teamLab多年來又何以在快速前奔的「科技打造藝術」範疇保持領先地位。

回顧此行所獲的全身心沉浸體驗，發生於輕輕捧起《Massless Amorphous Sculpture》的無定型雕塑之時、被《Traces of Life》牽引著留下個人軌跡之時、潛入《Morphing Continuum》從多重視角觀看能量秩序成形之時⋯⋯這些瞬間感到的迷失與迷惘，編輯認為恰恰彰顯了「沉浸式」一詞的真切意涵。然感受終究是主觀的，teamLab作品有趣就有趣在，它的感性來自理性筆觸的堆疊，因此多了能夠被客觀陳述的物質組成、運作原理等，進而拓展出藝術之於人們，超越個人主觀、具某種程度共通性和大眾性的奇妙撼動力。

多件日本首發作品及順應各館環境變奏的作品，將為初體驗者和忠實觀眾同步呈現屬於京都的嶄新驚喜。待各位親自發現之餘，本篇也整理3大展館亮點、5件編輯推薦必看作品，帶你潛進圍繞存在和認知運行的「teamLab Biovortex Kyoto」。

「teamLab Biovortex Kyoto」展館亮點

#01 選址：今後將成觀光擔當？

繼日本國內外側重不同主題的常設館接連誕生後，「teamLab Biovortex Kyoto」作為「京都車站東南部地區活性化方針」一環，受市政府之邀落地京都南區，費時4、5年在車站附近街區（步行即能抵達的範圍內）蓋起全新文化發信據點，望藉此活化市有地、吸引觀光人流、提升地區魅力並助力藝術生態系蓬勃發展。其訴求無疑和本身海外遊客占比逾7成的teamLab觀眾結構相當吻合，「teamLab Biovortex Kyoto」亦躍居teamLab團隊目前於日本國內所建的最大常設館、全日本規模最大的市內美術館。

#02 建築外觀：無違和融入城市街景

無明顯招牌的霧黑建築融會日式庭園元素和布局方式，極度低調的用色、手工燒製的磚材皆無違和融入京都靜謐自然的獨特市容；入館廊道一側整齊栽種綠植，並鋪飾透黑的碎玻璃塊，呼應館內展出的彩色玻璃作品《Sea of Solidified Light》。整體外觀簡約歸簡約，卻悄然漫溢古都風韻，入口處一棵來自北山地區的台杉甚至直接了當地告訴你：這裡是京都。

#03 場內動線：迷路、找路，又迷路

不比去迪士尼、環球影城之類的樂園時許多人會藉助「攻略」玩得盡興，teamLab期許的反倒是在迷失中發現意想不到的事物。以「Biovortex（生命渦流）」為題，「teamLab Biovortex Kyoto」進駐總面積10,000平方米展場，構築一座無既定動線、藏超過50作的豐富世界。從彩繪高牆和物件的平面作品，到結合風動和氣味的空間作品，teamLab團隊持續透過與觀眾共創、向觀眾邀玩等創作形式，實踐同屬京都文化再開發計畫一部分的「將藝術從觀看轉向體驗」目標。

場館理論上有3層空間供觀眾自由竄行，包括梯間、過道，轉頭即有作品展出。不過正如其展品對「物質常識」的超越，空間方面亦不使用1、2、3樓的常規界定——直接想像成一座立體迷宮或許就很接近了。

「teamLab Biovortex Kyoto」必看作品

#01 《Massless Amorphous Sculpture／質量も形もない彫刻》

《Massless Amorphous Sculpture》歷時8年研發和更新，於今年4月開幕的「teamLab Phenomena Abu Dhabi（阿布達比）」亮相，現作為日本首發作品之一再登京都館，也是「teamLab Biovortex Kyoto」的主視覺。

空間中除了最普通的肥皂、水和空氣之外沒有任何其他物質，眼前的泡沫由肥皂構成，但與想像中的濕滑質地不同，這些撫過肌膚竟是乾燥微黏的觸感（入內需戴口罩，雨衣則可自由選擇是否穿著）。此作表述了物質非以具備穩定結構的物體存在、而以特殊環境下產生的能量秩序存在，形成teamLab所稱之「High Order Sculpture（高階雕塑）」，扣合「環境現象」這一主題——即「環境產生現象，而現象創造存在」的概念。它時大時小，可被破壞也可自行修復；它輪廓曖昧，看似輕盈無形跡，卻無法透過人類行為去「操作」。編輯自己對這件作品格外有感，非常推薦大家依循直覺，無論觸摸、擁抱甚或直接走進它，你都將感受到它用四散、破碎和崩解等「能量秩序重組」的方式來應對你的擾亂。

#02 《Morphing Continuum／変容する連続体》

同樣探討能量秩序，《Morphing Continuum》相比《Massless Amorphous Sculpture》，以有定型的空氣包、有確切路徑的循環，更具體化呈現「秩序」。

作品展演過程中，隱於各處的鼓風設備會垂直、水平兩段式捲動原來散布空間的大量銀球；每一顆銀球都是這個統一存在的其一要素，它的輪廓也同樣會因為每一要素的更替而模糊閃動。這個存在無法與環境分離，並隨環境變化而變化。座談開始前，猪子先生帶著我們一起走進《Morphing Continuum》——即便受到了「人走進」的破壞，它仍然很快修復並保持下去。

#03 《Megaliths in the Eternal Existence of the Open Universe／開いた宇宙の永遠の存在の中のメガリス》

此次日本首發，《Megaliths in the Eternal Existence of the Open Universe》以較其他展間明顯溫暖許多的空氣和間歇性雨水補充，試圖在室內環境孕育四季生機，不僅苔蘚植被茂盛，還有不少小香菇冒頭。猪子先生於座談中提及，打造此作正是為了證實一個有別於一般認為傳統藝術品珍藏所需的「開放環境」也能使藝術品價值永存（因人們向來利用「密封環境」確保藝術品保存良好）。目前作品也算成功完成，各株「植物藝術品」數月以來生長狀況相當良好。

#04 《Transient Abstract Life and Return／生と回帰の無常の抽象》

流動型態緊扣展館主題「（Bio）Vortex（漩渦）」的《Transient Abstract Life and Return》亦是日本首發之作。作品包含觀看版和體驗版，前者隔著玻璃，由觀眾的步伐間接引動漩渦；後者觀眾則可穿著館方提供的雨鞋進入體驗區，用自己的雙腳恣意攪和，直接生成漩渦。

#05 《Traces of Life／痕跡》

《Traces of Life》是描繪型作品中編輯個人最喜歡的一件，音樂的配合也恰到好處，完美加成個體和個體相會時莫名神聖的力量感。若沒有人身在其中，空間僅僅作為空間本身存在，什麼都沒有，什麼也都無法描繪。這個作品的世界，是依著人們的存在而開始被描繪；作品的空間與空間裡人們連動，人們的腳下所留的痕跡延展成一條綿長軌跡存在作品世界，漸成巨大存在。

順帶提醒特別容易頭暈的觀眾，由於作品含有許多彼此交雜竄動且不停旋轉的線條，進場後可先蹲下再摸索至後半部觀賞區的傾斜梯面坐下（靠牆為佳），方能較舒適地進行體驗。

>> 更多精彩作品收錄

花開花落、物質循環，乃至萬物生命交會，「teamLab Biovortex Kyoto」除新作帶來的震盪讓人不乏生理性淚水和雞皮疙瘩外，亦集結了邀請大小朋友手拉手，一起用身體認識世界的「運動森林」展區；顧名思義期待和大家共同創作、共享創作樂趣的「共創！未來園」教育展區；當然，最後一站且要奔向紀念品製作陣地「彩繪工廠」，把自己在《Graffiti Nature》或《Sketch Ocean》現場創作的生物化為托特包、T恤、拼圖、徽章等多樣商品的專屬圖案帶回家。

▪「運動森林」展區

▪「共創！未來園」展區

「teamLab Biovortex Kyoto」迎接每位到訪者盡情迷失、自由發現、驚喜獲得，毫不受限地闢出截然不同的「玩展」路線。

teamLab Biovortex Kyoto

日本京都府京都市南區東九條東岩本町21-5

• 時間：每日9:00-21:00，最後入館19:30（2025年年底前的休館日為10月21日、11月4日、11月18日、12月2日及12月16日；開館與休館時間可能變動，最新消息詳洽官方網站）
• 票價：成人 ￥3,400起（採浮動價格制，需事先指定入場日期和時間方可知確切價格）／13-17歲 ￥2,800／4-12歲 ￥1,800／3歲以下免費；另推出彈性通行票，成人、兒童均價 ￥12,000，只需指定日期，並可於開館時間內任意時段入場

臺南市美術館自開館以來，持續策劃當代工藝展覽與論壇，自2021年起舉辦「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、2022年「逍．遙．遊當代工藝合創展」，及2024年「臺南X金澤雙城論壇：工藝與藝術的碰撞」，不僅呼應臺南作為工藝創作者聚居地，也建構出產、官、學的交流網絡，在各界引發廣大迴響。

南美館延續工藝推展的歷史脈絡，在今年秋季，邀請到日本GO FOR KOGEI 2025 總監、當代藝術領域的前金澤21世紀美術館館長、直島藝術計畫推手秋元雄史擔任策展人，策劃「皮膚と內臓-自己、世界、時間」展覽，藉由其專業視野拓展並深化台日雙方於工藝、設計與當代藝術之間的交流與對話。

集結10位日本當代女性藝術家

展覽從皮膚與內臟的感知為起點，試圖將自我、世界與時間組織起來。展覽從身體接觸和感官經驗中，所產生的既神秘又具象徵性的表現，以探求自我在現代的存在方式，及如何面對世界的方法。展覽由10位日本當代女性藝術家共同參與，作品涵蓋玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，藝術家透過創作展現對生命、感官與存在的探問，每件作品都是對自我、世界與時間的深度思考。觀眾不僅能欣賞工藝的精緻，也能獲得個人感官啟發。

草間彌生在自傳《無限之網》中曾寫道：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，這種在自由中求生存的精神也深深影響了這群藝術家的創作。

動漫《葬送的芙莉蓮》啟發的感官隱喻

展覽以動漫《葬送的芙莉蓮》中主角打敗魔王後的旅程故事為隱喻，觀者可透過作品審視自我，重新建構與他者及「來世」的關係。展覽也藉此引導觀眾從過去與幻想中追憶與懷舊、體會靜謐與內在情感，並啟發想像力。觀者透過感官體驗，感受自我與世界的連結，探索存在的意義。

透過工藝之作感受生命流動

展覽分為4大子題，探討人類生命的經驗累積、身分認同、對話與交流，以及心靈與身體的連結。透過工藝作品，引導觀眾逐步延伸至設計與當代藝術領域，探索文化意涵與創作魅力，也促進台日文化在美學觀點與創作思維上的深層對話。

展覽首先從「記憶與情感：過去與幻想」展開，介紹牟田陽日、小林萬里子與綿結3位藝術家。牟田將陶瓷傳統圖像結合個人想像，投射自然觀；小林以「生命的循環」跨越人類與動植物的界線；綿結透過原始技法，追尋超越時代與地域的根源之美。

第二子題「旅程：探索超越界限」關注旅程與他者的相遇，成為藝術家靈感泉源。佐佐木類透過植物採集展開《植物的記憶》系列，直面土地與旅行的感受，重新發現自我。

而在「邂逅：與他人的共鳴」中，藝術家三嶋律恵則與義大利穆拉諾島的工匠合作，在玻璃工藝中引入新表現，使作品隨光線展現不同姿態。中田真裕以時間沉澱記憶，透過色層堆疊留下製作過程的軌跡；佐合道子則在觀察與造形之間探問生命本質。留守玲則從日常素材挖掘並顯現其新質地與特性。

最後「生與死：生命的律動與心理」回到「生命本質的追尋」，山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類的身體，探問「人」的本質；宮田彩佳將MRI影像轉化為藝術，將原本帶有死亡預兆的影像，化為面對身體不確定性的心理回應。

皮膚と內臓-自己、世界、時間
展出時間：2025年10月3日至2026年1月18日
展覽地點：臺南市美術館2館 展覽室 A-D
更多資訊可至展覽官網查詢

_{資料提供｜臺南市美術館、文字整理｜Adela Cheng}