日本藝術家泉啓司個展《風景悄然成形》再登台北藝廊：斑斕色彩從精密木作迸發，以「流動感」雕塑構築人物內心宇宙

by Ning Chi 2025-10-27

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日本藝術家泉啓司個展《風景悄然成形》再登台北藝廊：斑斕色彩從精密木作迸發，以「流動感」雕塑構築人物內心宇宙

何謂建構式木雕？即日起至2025年11月23日進駐台北藝廊Hiro Hiro Art Space的泉啓司最新展覽《風景悄然成形》將給予適切解答。一片從人物內心長出並交疊擴張的精神地景，以奇幻造型、斑斕色彩引觀者遁入其中，探索不可言傳的幽微之思。

台北藝廊Hiro Hiro Art Space繼2023年首度舉辦泉啓司（Izumi Keiji）個展《今天我們要走跟昨天不一樣的路》廣受好評後，睽違兩年再於純白空間內呈現這位日本藝術家雕刻刀下的斑斕風景。正如展名「成形」所揭露，泉啓司獨特的建構式木雕始終根基於人物形象，藉由細膩觀察捕捉個體思想、性格樣貌乃至情感連結的無形存在，並轉譯為雕塑上多樣的幾何零件，使人物思想如渦漩般擴散、性格蔓生成林、內在精神迸發為明滅的電光，最終生成一個完整世界之形。本文將分靈感來源、結構造型、色彩塗裝3大虛實面向切入《風景悄然成形》，解析泉啓司概念性、視覺性皆強的創作風格。

日本藝術家泉啓司個展《風景悄然成形》即日起至2025年11月23日於台北藝廊Hiro Hiro Art Space展出中。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
日本藝術家泉啓司個展《風景悄然成形》即日起至2025年11月23日於台北藝廊Hiro Hiro Art Space展出中。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
此為泉啓司二度於Hiro Hiro Art Space辦展；藝廊本身由繁茂綠意包裹純白空間，恰彰顯其作品的有機性。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
此為泉啓司二度於Hiro Hiro Art Space辦展；藝廊本身由繁茂綠意包裹純白空間，恰彰顯其作品的有機性。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）

泉啓司個展《風景悄然成形》解析#01：靈感來源

▶ 具象個體X抽象訊息，著重刻劃「心像」而不只是「肖像」

泉啓司1973年出身日本福島，畢業於專攻設計與美術的東京造形大學，在學時即主修雕刻。後投身雕塑創作以來，持續將人物與自然元素、幾何圖形相結合，也常以身邊熟人為繆思，下刀刻劃一張張臉孔，「他們與其說是刻劃對象，不如說是我思考『人是什麼？』這個問題的提示。」由此可知，泉啓司並非為了復刻「肖像」而去雕琢臉孔上的神情，反倒意在透過具象個體與抽象訊息的交互詮釋，形塑「心像」風景。至今作品實踐自身對「人」的興趣，在在建構出日常又非日常、詼諧而奇幻的造型，受大阪市國立國際美術館、栃木縣Nasunogahara博物館等日本當地美術館收藏。

泉啓司創作意在形塑「心像」而非復刻「肖像」。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
泉啓司創作意在形塑「心像」而非復刻「肖像」。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）

泉啓司個展《風景悄然成形》解析#02：結構造型

▶ 以「類建築」方式組裝零件，藉可動關節嶄露生命力度

對泉啓司來說，創作的發軔，從決定好要雕刻哪個人開始，繼而潛心回憶、反覆思索該對象的模樣、質地等內外特徵，再將「某些東西」與之緊密組合。

各雕塑交錯運用球體、方形木條及金屬支架等零件。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
各雕塑交錯運用球體、方形木條及金屬支架等零件。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）

「某些東西」所指為何？由於泉啓司不全然使用整塊木頭打造作品形體，亦精心鑿刻、打磨數十個獨立的木頭零件（時為圓潤的球體、時為長短不一的方形木條，甚有纏繞的金屬支架），因此得運用近乎建築的方式，逐一串連、栓合、組裝零件，讓人物各不相同的性格裡，那風雨無阻的勇敢、天馬行空的妙想，抑或對世界充滿魄力的好奇，都找到對應的幾何語彙，奠定構築「風景」的基石。部分銜接處如生物的關節般可被轉動，彷彿賦予剛硬的木條得以彎折、改變角度的自由，讓整體結構散發更為有機、似能呼吸的生命感。

如關節般的銜接處使木條可被轉動和彎折，帶出整體結構的生命力度。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space／攝影：森田直樹）
如關節般的銜接處使木條可被轉動和彎折，帶出整體結構的生命力度。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space／攝影：森田直樹）
綜觀展覽全景易覺察藝術家所構築的幾何風景。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
綜觀展覽全景易覺察藝術家所構築的幾何風景。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
作品細節則可見其獨特的「建構式」創作語彙。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space／攝影：森田直樹）
作品細節則可見其獨特的「建構式」創作語彙。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space／攝影：森田直樹）

如此迷人的不確定性，暗示了當下所見的形態不是唯一、固定的答案，而是充滿可能性的有機體：好像只要輕輕一推，眼前由木料勾勒的風景就會翻騰、變幻，展現出其他樣貌；這份流動感恰呼應泉啓司在創作中即興、非預設的探索狀態。勞動密集的雕刻和組裝過程，則可謂藝術家內心不斷尋找契合感的具象顯現——每塊木頭的嵌入與咬合，皆為一次試探，直到所有部件達到微妙的平衡，「對了」這難以言喻的感覺終會浮現。

在翻騰、變幻中應運而生的流動感恰呼應泉啓司即興、非預設的探索狀態。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
在翻騰、變幻中應運而生的流動感恰呼應泉啓司即興、非預設的探索狀態。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）

泉啓司個展《風景悄然成形》解析#03：色彩塗裝

▶ 鮮明色彩躍然溫潤木作，成為思想與情緒的視覺化身

除獨有結構耐人尋味外，泉啓司更大膽為木作塗刷鮮明色彩。亮橘、螢光黃、沉靜的藍和活潑的綠，跳躍於木頭原色之上。當溫度與個性隨色彩沁入幾何結構，促使它們脫離純粹的形式，成為思想、情緒或關係的視覺化身，觀者便能從一具具木刻人形中直接感受飽滿且交雜戲劇性的思緒爆發，化為團團熾熱火光，或作蒼蒼雨幕傾天而降、蔥蔥樹林拔地而起，織就色澤萬千的景象。

鮮明色彩跳躍於溫潤木作之上，成為思想、情緒或關係的視覺化身。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space／攝影：森田直樹）
鮮明色彩跳躍於溫潤木作之上，成為思想、情緒或關係的視覺化身。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space／攝影：森田直樹）

「我在思考『人是什麼？』的過程中，一個像風景的畫面，會自己悄然幻化成形，那不是傳統的山與海，而是一種從人物內心長出來的精神地景。」

——泉啓司

展覽一隅。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
展覽一隅。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
展覽一隅。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
展覽一隅。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
展覽一隅。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）
展覽一隅。（圖片提供：Hiro Hiro Art Space）

《風景悄然成形》邀請我們觀看的，不僅是木雕中的人物，更是從他們身上綻放開來、圍繞著他們，由無數零件與色彩悄然共築的風景。

泉啓司個展《風景悄然成形》

  • 時間：即日起至2025年11月23日11:00-19:30，週一公休
  • 地點：Hiro Hiro Art Space（台北市中正區紹興南街10號）

>> 更多資訊可至藝廊官方網站了解。

Hiro Hiro Art Space

2018年成立於台北，集結包括繪畫、錄像、雕塑、裝置、行為藝術及文化活動等多樣化展示方式，致力推廣當代藝術。其名「Hiro Hiro」取日本方言「ひろひろ」一詞（意指對事物垂涎、渴求的狀態），用以隱喻團隊對藝術知識及鑑賞能力的追求，憑獨到眼光揀選藏家尋覓之作，並藉由突顯作品本身魅力，獲得到訪者的垂涎與渴求；同時通過「空間」對作品的詮釋，與大眾一同閱讀藝術家埋藏其中的創作語彙。

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整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

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整個展廳化為作品！藝術家賴純純個展《光成為海》臺東美術館登場，感受藝術與光影交融的生命能量

藝術家賴純純全新藝術創作實驗個展《光成為海｜作品作為場》，於臺東美術館登場，她將整個展廳化為作品，讓觀眾也成為作品的一部分，歡迎人們走入現場，一同感受藝術與光影交融的生命能量。

展出巨型雕塑《希望之花》

藝術家賴純純創作橫跨繪畫、雕塑、空間裝置、觀念行動與公共藝術等領域，落腳臺東近20年的她，將對東海岸光線、海洋與土地律動的深刻體會，化為藝術的集大成呈現在這次展覽中。值得一提的是，賴純純在2025大阪世博展出的巨型雕塑〈希望之花〉也首度在臺東美術館的中庭展出，藉由光影折射，讓象徵生命力與希望的花朵，在臺東純淨的藍天下綻放，呈現夢幻般的繽紛色彩。

賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈希望之花〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
藝術家賴純純（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈島嶼新生〉，2017（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

走入充滿生命能量的光影旅程

展覽共分為8個展區，從室內的深邃海色到戶外的陽光體驗，帶領觀眾進入一場充滿生命能量的光影旅程。展覽巧妙利用臺東美術館雙展廳的獨特結構，構築出完整的感知路徑。在山歌展廳以實驗性大型裝置作品〈光為山〉為核心，運用鋼材廢料構築主體，在挑高空間中，光影投射隨著時序持續轉化。

賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為山〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光〉，2020。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

海舞廳則由〈光為海／黑潮〉的澎湃能量拉開序幕，作品利用鏡面底板的反射特性，觀者在不同角度凝視時，光影也將隨之流轉，彷彿海面上閃爍的粼粼波光，以極具張力的抽象視覺與材質特性，展現海洋深處洶湧搏動的生命力。

賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈光為海〉局部，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純《光成為海｜作品作為場》海舞廳。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無眼界〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

將不定期前往展場「加入新元素」

賴純純說，「這次於臺東美術館的展出意義非凡。臺東的光、海、空氣、時間節奏，以及山海相鄰的地理狀態，使『生成』不再只是抽象觀念，而是可以被感知、被經驗的存在著。」她更透漏，於展期間，會依循靈感不定期前往展場「加入新元素」，隨時調整與增添作品內容，讓多次造訪的觀眾一同感受藝術在時間流動中持續變化、生長，充分展現她推動的「自由生成美學」理念。

賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈黑潮〉，2026（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）
賴純純〈無罣礙〉，2017。（圖片提供：臺東美術館、賴純純藝術文化基金會）

《光成為海｜作品作為場》賴純純個展 "Light Becoming Sea | The Work as Field"
展覽時間｜115年4月30日－6月14日  
展出時間｜週二至週日 09:00-12:00；13:30-17:00（週一休館）
展覽地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

資料提供｜臺東美術館、文字整理｜Adela Cheng

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北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

by La Vie 2026-04-30

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北美館典藏研究展「物質世界」登場：跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像

臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）
臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。（圖片提供：北美館）

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
李明學，《溢出的記憶》，2019，超市與超商物件，尺寸依場地而定。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）
黃冠鈞，《黃》，2017，壓克力顏料、壓克力媒介劑，160 × 100 公分。私人收藏。（圖片提供：北美館）

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

何德來，《流逝的歲月》，1936，油彩、木板，33 × 24 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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黃銘昌，《巴黎閣樓—照見系列》，1978-1983，油彩、畫布、紙本。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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白景瑞，《台北之晨（林強全新配樂版）》，1964，DCP，20分鐘。國家電影及視聽文化中心典藏。（圖片提供：國家電影及視聽文化中心與北美館）
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第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

黃文浩，《上帝與我》，1996，節拍器、雜誌紙，57 × 12 × 14.5公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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賴九岑，《這不是瑪格利特的天堂》，2018，壓克力顏料、畫布，140 × 180 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

日下淳一，《超越認同》，1994-1998，衣服、線，30套衣服。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
張照堂，《存在與虛無I》，1962，銀鹽相紙，56 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
何采柔，《More》，2016，乾衣機毛屑、木盒、木邊桌、烤漆，42 × 42 × 78 公分。私人收藏（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
湯雅雯，《揚起》，2023-2026，循環扇、格柵出風口、蛇形簾、灰塵、再生棉、地毯、白報紙、毛線，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
周育正，《工作史—盧皆得》，2012-2013，壓克力彩、畫布、木板、印刷書。臺北市立美術館典藏。（圖片提供：北美館）
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最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）
李傑，《People hate you for a reason》，2026，繪畫 (噴漆、粉彩、不鏽鋼板)、投影、不織布地毯、膠帶、壓克力、聲音及現成物，尺寸依場地而定。藝術家自藏。（圖片提供：北美館）

另外，不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01－2026.08.16
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

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