國立臺灣美術館主辦的第10屆「2026亞洲藝術雙年展」，以「Mrahul Tminun・共織・Co-Weaving」為題，匯聚來自亞洲及全球30組藝術家，作品涵蓋編織、雕塑、刺繡、繪畫、文件檔案、錄像、大型空間裝置、戶外裝置，並匯集社群參與、跨國藝術網絡、共學平台等豐富內容。展期自即日起至2027年2月28日。
本屆亞洲藝術雙年展（亞雙展）以「Mrahul Tminun・共織・Co-Weaving」為題，由國立臺北教育大學教授呂佩怡擔任策展人，策展靈感則源自她走訪臺灣原住民族部落的經驗，並特別以太魯閣語「Mrahul Tminun」為題（「Tminun」是編織， Mrahul的根源則指「群眾」、「聚眾」或「聚集」等意思），將「策展視為一種編織」，回應部落女性共同織布與分享經驗的實踐。
匯聚30組藝術家，展現跨國與在地對話
呂佩怡分享，本屆雙年展邀集30組藝術家及7組共學計畫，許多藝術家本身即透過團體、雙人組合、替代空間或社群協作等形式進行創作，共學計畫則匯聚長期投入不同議題的團隊。另外，展覽也大量運用戶外大廳、走廊及館內較少使用的空間，藉由非傳統場域拓展觀展經驗。
女性、原住民與酷兒視角交織
而本屆亞雙展以「編織作為方法」、「藝術家作為編織者」及「將人們織在一起」為三大面向，聚焦社群、互助與分享，並透過女性、原住民與酷兒視角開創嶄新認識論。參展藝術家創作與生活軌跡橫跨臺灣、馬來西亞、印尼、印度、越南、烏茲別克、英國及澳洲等地，許多作品更是歷時多年深耕或集結多人協作而成；透過多元背景與在地實踐，展現深厚的跨地域交流與連結。
從多元創作看見「共織」的不同面貌
印尼藝術團體鱷魚背（Gegerboyo）成立於2017年，創作形式涵蓋壁畫、皮影、蠟染與裝置。本屆亞雙委託創作〈Holopis Kuntul Baris：資源、宣傳、戰爭與流亡〉以印尼「gotong royong」（互助共作）概念為核心，反思共同勞動在殖民與日治時期如何被轉化為監視與宣傳工具；作品以爪哇鄉間場址為中心築起「創傷紀念碑」，探討權力對資源與流亡的掌控，以及交織其中的民族主義、信仰與歷史暴力。
呉夏枝1976年生於日本，是在日朝鮮人第三代，現居澳洲，往返澳洲與日本工作；跨國生命經歷賦予她獨特的藝術表達形式，她以編織、染色與拆解等織品技法，結合攝影、氰版顯影、聲音與檔案材料，為女性與無名者未曾說出口的記憶賦形。〈海鳥棲地景#2──巴納巴、諾魯、維提島〉述說太平洋上的遷徙、流離與生態變遷。作品把候鳥往返東亞與澳洲的軌跡，與被殖民、勞動遷徙及強制流離失所連在一起。織品裡織入取自檔案照片的影像，記錄諾魯、巴納巴與維提島的磷礦開採、農園勞動與船運撤離；布的背面印著澳洲紅樹林的照片，一旁投影1798年的太平洋海圖。兩種移動的路線在同一塊布上疊合。
梅塔·梅莉達1992年生於印尼，以織品與工藝探索記憶、歷史與生命經驗的交界；她從女性與母親的位置出發，手工與機器刺繡既是表達，也是一種建檔的方法。本屆展出〈Wanai Saiji：存在的形式〉，以及透過後續研究與重返花蓮，發展出的三件新作〈領土：誰在測繪？〉、〈身分：誰在命名？〉與〈生命：誰在延續？〉。前者是2025年她在花蓮駐地、與噶瑪蘭族女性耆老共同完成的八公尺刺繡。重返花蓮時原先並未打算再次進行協作創作，而是觀察日常生活，發現當地的身分並不靠明確的抵抗姿態來表達，而是活在語言、編織與日常的關係裡。以黑線的機器刺繡重構地圖、檔案與官方紀錄，再以噶瑪蘭香蕉纖維的手工刺繡引入知識——經由身體、勞動與世代關係傳遞下來的知識，讓兩種生產、傳遞與保存知識的方式並列。
郭俞平1986年生於臺灣南投，創作橫跨繪畫、錄像、裝置、行為與書寫，近年關注跨國移動中的身分認同、照護作為勞動商品的可替代與不可替代，以及歷史中被忽略的陰性聲音。〈如果通得過時間的強酸，有閒蒔花養草，她會在她家前種什麼花〉記錄藝術家前往印尼探訪一位曾在臺灣照顧其祖父的外籍看護工的旅程。作品以私密的第一人稱影像，呈現家庭勞動、情誼連結與遷徙經驗交織而成的生命軌跡。移工長期承擔雇主家庭的身體照護與情感支撐，自己原生家庭的照顧卻往往無人接手。這趟旅程從一個約定開始，延伸到看護工返鄉之後的日常；藝術家也在途中的偶然裡，記錄了Kuda Lumping與Jaipongan等蘊含療癒力量的爪哇傳統儀式。
西特拉·薩斯米塔1990年生於印尼峇里島，是自學的藝術家，早年為《峇里郵報》繪製短篇小說插畫，養成以圖像進行批判與轉化的能力，以女性主義與解殖的眼光重讀峇里島的神話與儀式，常以牛皮、毛髮與儀式用布等媒材創作。〈Timur Merah 計畫 IX：感官界域之外（群島寓言）〉借用15世紀以來由男性專擅的卡馬桑畫法，又取神龕懸布「拉瑪」的形制，讓巨幅畫布像天梯一樣自空中垂落到地面。畫裡的女性化身為對抗荷蘭「峇里化」政策的解殖者。雙頻道錄像〈Timur Merah 計畫 VIII：朝聖者，你如何啟程〉係由歌者吟誦19世紀克隆孔王后的詩，王后在詩中運用了怛特羅象徵主義，以此隱晦地傳達了反抗殖民統治的號召。
布蘇伊·阿賈1986年生於緬甸偏遠山區，是阿卡族（Akha）藝術家，現居泰國清萊；幼年因軍事入侵隨家人被迫離開家園，十五歲起自學作畫。本屆展出2026年新作〈阿卡族婦女的文化價值觀與生活型態〉，以壓克力顏料繪於畫布，本次展出六件全新畫作，六件同名。她未受學院訓練，發展出一套富於表現性的繪畫語言，說得出看得見的，也說得出看不見的。長年以來，她以《無題》自畫像系列講述自己作為阿卡族女性的經驗與身分，畫裡同時容納愉悅與痛苦、生與死。藝術家寫下一段關於阿卡族女性的敘述：「過去她們得在家屋與田間勞動，照顧孩童與牲畜，並為家裡每一個人織布、縫紉、刺繡；這些工作至今仍在，只是隨時代而有所改變。」
打開—當代藝術工作站（Open Contemporary Art Center, OCAC）為藝術家自主經營的集體與空間，自2001年創立以來持續深耕臺灣與東南亞的藝術交流。本次與河內藝術團體Nhà Sàn Collective呈現的臺越交流計畫〈蜿蜒集〉，源自2023年起的跨地進駐，並串聯河內藝術空間ba-bau AIR與Á Space。本計畫集結12組藝術家，以紅河的偏移與堆積比喻跨文化交流；2025年底，〈蜿蜒集：持續低語的拾回之物〉重新聚集藝術家，以筆記、聲音、氣味與圖像等線索，試圖重拾旅途積累的重量與溫度。
發起於雅加達的藝術生態系統GUDSKUL，體現了集體學習與協作的動能。由三大藝術團體（ruangrupa、Serrum 和 Grafis Huru Hara）於2018年共同發起、以立基於「lumbung」概念的非營利模式運作，其展出作品透過遊戲、對話與卡牌等參與式裝置將展場化為集體客廳與共學環境，強調知識承載於口述故事與非常規形式，長期透過工作坊、駐村與出版串連跨領域工作者，實踐一個可以實驗、共學且不必害怕犯錯的學校空間。
2026亞洲藝術雙年展「Mrahul Tminun・共織・Co-Weaving」
展期：2026年11月7日至2027年2月28日
展出地點：國立臺灣美術館（臺中市西區五權西路一段2號）
資料提供｜國美館、文字整理｜Adela Cheng
