日本當代藝術大師宮島達男個展登陸TAO ART：集結12件重要創作，以數字藝術構築出獨特的生命哲學

TAO ART至2026年2月7日推出日本當代藝術大師宮島達男（Tatsuo Miyajima）在台灣的首次個展《無盡的生命循環》 （Endless Life Cycles）。宮島達男以LED數字裝置和科技驅動雕塑 （technologically-driven sculptures）享譽國際，本次展覽集結藝術家近5年的12件重要創作，帶來一場關於生命、時間、空間與存在的深刻探問。

宮島達男是誰？

1957 年出生於日本的宮島達男，以 LED 數字裝置聞名於世。自 1980 年代末期發光二極體（LED: light emitting diodes）普及後，他開始大量運用此媒材，並以「數字」與「倒數」為創作語言，將科技轉化為思索生命的哲學符號。雖然以新媒體藝術為技術基底，宮島更像是一位以藝術作為語言的哲學家。

他曾於 1999 年代表日本參與威尼斯雙年展，其作品《MEGA DEATH》，由 2400 顆藍色 LED 組成，作品在某段時間會突然熄滅，讓觀眾直面龐大的黑暗，隨後又重新亮起，不斷循環。這件作品紀念歷史上的大規模死亡，引發了人們對失落、生存和重生的強烈思考。燈光亮滅的周期性反映了他對生命連續循環的信念，具體展現其三大核心理念：「持續變化（Keep Changing）」、「連結一切（Connect with Everything）」與「永無止境（Continue Forever）」。

「變化、連結、永恆」三大核心理念

在宮島的藝術實踐裡，數字持續循環與重複，無論是從 1 到 9，或 9 到 1，每一個序列皆象徵一個完整的生命週期。然而「0」在他的作品中始終缺席。在數列的循環裡，9 之後不是 0，而是一段空白的停頓。這片黑暗彷彿是死亡與重生的瞬間，也呼應了佛教中輪迴與轉世的哲學思考。數字因此以各種形式出現 ── 網格、塔樓、錯綜的電路或單純的數字本身 ── 不斷延展他對時間與空間中「變化、連結、永恆」的持續探索。

為TAO ART打造兩組作品

在這次的台灣首展中，宮島特別為 TAO ART 打造兩組作品，其中一組為茶室空間場域限定的作品《TAO ART・計數之窗》。這件作品是繼瀨戶內海倍樂生藝術場直島（Benesse Art Site）「家計畫」完成的首件作品在「角屋」（Kadoya）登場後，第一次於其他場域展出。作品以兩扇覆有液晶薄膜的特殊玻璃（UM Glass）為媒介，玻璃表面緩緩浮現持續變動的倒數數字，而台北街道的景象又隱約透過玻璃顯現。觀眾在數字、倒影與街景之間，得以思索自身在無盡循環中的位置。

另外一組全新委託製作的《360個生命》（2025），則是透過多組變幻的數字單位，以不同速率與色彩展現全球生命的多樣與交織，數字不斷的明滅循環，點出宮島長期關注「生與死」的核心，亦即「生命（Seimei）」。作品中不同速率、色彩（包含黑色）的變化，不僅象徵世界各地的每一個不同生命的可見、或不可見的存在樣態之外，亦是呈現出無數微小的生命彼此之間交織，構築成一個豐富的世界、乃至於宇宙，宛如一則現代寓言，映照人類存在的普遍境況。在同一空間的《持續變化（蒙德里安） – no.11》（2021）將閃爍的數字置入蒙德里安的幾何結構，在秩序與混沌的交織中，使觀者得以感受時間流動的韻律與永恆。

對生命循環的永恆想像

作為佛教徒的宮島，其創作深受佛教思想啟發。《飛天 – no.9》（2022）與《飛天 – no.12》（2021）以自由流動的數字光點，喚起敦煌壁畫中飛天的意象，象徵對生命循環的永恆想像。近年發展出的《數字珠畫（Numerical Beads Painting）》系列則捨去 LED 光源，轉以隨機計算的圖面，搭配藝術家在巴黎收集的數字珠子，大量排列以構築「三千大千世界」，在畫布中重現數字的明滅與宇宙的宏觀秩序。

「人在宇宙中的微小狀態」的思索

另一展間則以「反脆弱（Counter Fragile）」為題的 C.F. 系列作品，如《反脆弱的空氣環 – no.2》（2023）與《反脆弱的空氣環 – no.3》（2023），宮島以有機、雲狀般纏繞的電線組成扭曲的輪廓，每一件作品猶如漂浮的微型宇宙。它們看似脆弱，卻在閃爍的微光中蘊含不容忽視的價值，正如人類的存在雖短暫卑微，卻無比珍貴，引出藝術家對「人在宇宙中的微小狀態」的思索。

以作品回應東日本大地震

影響生命的災難，關於集體記憶的創傷，也是宮島所關注的議題。2011年的東日本大地震，無疑是日本歷年來最大的天災，宮島邀請三千名災區民眾透過一個數位計時器（digital counter）設定專屬的倒數速度，以各自的生命節奏回應災難留下的痕跡，看似日常，但個體的差異，以及每個人對於災難不同的衝擊和改變，讓大家看見受災群體的日常樣貌，其實與所有人無異── 每個人都在各自的節奏中生活。現場展出的《時間之海・東北:生命的樣貌（Life Face for Sea of Time – TOHOKU）》（2025）則是藝術家支持紀念美術館的建設所創作的版畫，彰顯藝術家對此議題的持續關懷。

第一場美術館展覽即將登陸台中

另外，位於台中的亞洲大學附屬現代美術館，也將舉辦宮島達男在台灣的第一場美術館展覽《眾生共命：宮島達男》。內容涵蓋自 1993 年至今超過三十年的創作，包括經典作品、創作概念圖以及邀請台灣各族群共同參與的共創計畫。其中，宮島更為安藤忠雄設計的三角展覽廳創作直徑 5.4 公尺、由 216 顆 LED 構成的大型新作《Mutual Ten Worlds》，為展覽注入震撼核心。

《無盡的生命循環 Endless Life Cycles》

展覽日期：2025 年 10 月 22 日 至 2026 年 2 月 7 日
展覽地點：TAO ART （114台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

_{資料提供｜TAO ART、文字整理｜Adela Cheng}

內湖畫廊「伊日藝術計劃」旗下雙空間齊開，台日創作者王冠蓁、蔡瑞恒、新藤杏子、蓮輪友子全新個展現正亮相！隨本篇前進媒材、技法各不相同的當代雕塑及繪畫藝術家悉心構築的風格宇宙，在搶先感受現場氛圍之餘，逐一尋獲埋藏作品背後的驚喜。即日起至2026年8月29日前，不妨再親身來趟當代鑑賞之旅，一次看成4檔個展。

旨在透過展覽策劃、出版研究與跨域合作探討藝術如何介入社會，台灣當代畫廊「伊日藝術計劃」即日起至2026年8月29日，於品牌旗下坐落台北內湖的伊日藝術計劃空間、伊日後樂園兩大主要展場雙層展廳，重磅推出分別由4位台日創作者帶來的全新個展，同步展示曾以《意識的推手》獲2025臺北美術獎優選的台灣雕塑藝術家王冠蓁、另位台灣繪畫藝術家蔡瑞恒，以及兩位日本藝術家新藤杏子、蓮輪友子精彩作品。

王冠蓁｜《尚未命名的涼亭》

台灣藝術家王冠蓁於此次個展呈現的同名雕塑系列《尚未命名的涼亭》，汲取靈感於自身童年時期經常造訪的苗栗景點「秋茂園」，且揉合她近年到蘭嶼旅行的經驗，以生活中常見的涼亭為靈感進行創作；從秋茂園內充滿時代感的怪奇景觀，到蘭嶼沿海地帶被拿作休憩與交流場所運用的高腳涼亭，皆成其重要想像來源。藉由陶土的堆塑與轉化，藝術家所勾勒的不僅是建築形式，更是一只只允許停留、提供庇護，並盛裝地方情感的記憶載體。在這些介於雕塑與微型景觀之間的作品裡，涼亭化身得讓人們短暫停歇的精神空間，兼映現作者和觀者在日常移動下尋找安定與歸屬的渴望。

▶ 藝術家檔案

王冠蓁，1991年生，2018年取得臺北藝術大學美術系碩士學位。其創作獨具的疏離與孤獨氛圍，尤給人恍如漂浮外太空般的無重力之感；哪怕偶有一絲溫情萌發在她彩筆下的人物肌理中，也隨即就被周圍無止境的黑暗吞噬。然若逐件細賞雕塑上看似漠然的表情，卻彷彿能夠感知作者正淡淡述說著關於失去的絕望心情——那些潛藏的情緒張力，聽得見嘆息，又極其溫柔。冷靜與熱情只相隔一層膜的距離，正是所有作品最引人入勝之處。2025年以《意識的推手》獲臺北美術獎優選殊榮，過去創作亦曾受臺灣美術館典藏。

蔡瑞恒｜《晃動的神像》

台灣藝術家蔡瑞恒善用隱喻性繪畫語言，臨摹當代社會普遍存在的焦慮、困惑與失控感，創作風格遊走於幽默與憂傷之間地帶。此次個展沿襲他向來對不穩定狀態的思考，巧妙自1985年愛爾蘭「聖母像晃動事件」延伸出展覽題名，且將這則集體目擊事件視為一種隱喻：當那些被視為穩固、神聖或理所當然的信念開始產生細微晃動，既定的秩序也隨之出現裂縫，新的觀看方式便得以展開。承此脈絡，藝術家挪用包括騎士、雕像、吊燈等富宗教與歷史象徵的中世紀圖像，進而以濕潤、透明且略帶混濁質地的筆觸重新詮釋，透過讓符號脫離原有意義，使神聖與荒誕並存。畫中各角色彷彿共同參與一場明知虛構卻仍持續完成的儀式，在不斷晃動的縫隙裡，照見當代人面對現實微妙而複雜的生存狀態。

▶ 藝術家檔案

蔡瑞恒，1989年生，2018年取得臺北藝術大學美術系碩士學位。創作上擅於處理某種關於崩壞世界的錯置與重組，進而轉化自身無能改變現狀的憤怒為無賴般的攪和——這些崩壞不全然取材自藝術家本人，也經常由媒體和想像構成。作品多揭示「無能者」在現實世界巨大齒輪碰撞下被撕扯和輾壓的感受，畫面故常以既熟悉又陌生的混亂、矛盾、滑稽感與懸置感，呈現人們面對生命的迷茫。曾入圍澳洲BAM Art Prize，並於2021、2022年兩度登上英國知名藝術雜誌ARTMAZE Mag。

新藤杏子｜《Between the Terrarium and the Beyond》

日本藝術家新藤杏子長期圍繞記憶、生命循環與自然秩序創作。她融會日常經驗與與神話傳說，在具象與抽象之間構築持續生成的獨特景觀。作品中出現的孩童、動植物乃至庭園意象，既取自現實世界，又指向潛藏時間深處的精神空間。此次個展描繪介於封閉與開放、有限與無限的狀態；整體展出如生態瓶中的微型宇宙，除有生命不斷經歷誕生、變化與再生，亦可見過去與未來、神話與現實交織其中。透過一系列新作，藝術家邀觀者走進微觀與宏觀之間的場域，重新感知生命流轉的軌跡，和萬物彼此相連的細微網絡。

▶ 藝術家檔案

新藤杏子（Kyoko Shindo），1982年生，2007年自多摩美術大學美術研究所畢業，現為日本當代繪畫領域別具代表性的藝術家之一。其創作源自對日常生活與內在感知的細膩體察，且透過反覆的內省與轉化，逐步將個人情感記憶凝聚為創作語彙。對她而言，創作恰似自然界的生成與回返：生命從土壤中萌生、成長，最終歸於大地，並在循環中孕育新可能。她屏棄傳統油畫厚重的表現方式，轉而憑藉近似水彩般通透、柔軟、富時間感和流動性的繪畫質地，搭建充滿生命力的感知空間；時而輕盈明媚、時而濃密深沉的筆觸，使作品始終流露介於夢境與現實之間的曖昧狀態。2022年獲日本SOMPO美術館主辦之FACE展大獎，亦曾入選第10屆Gunma Biennale for Young Artists和首屆Kumamoto Art Award等重要展覽及獎項。

蓮輪友子｜《小星星》

日本藝術家蓮輪友子不懈藉由創作探索觀看、記憶與情感留存的關係。此次集結其最新畫作的個展，指向一種觀看世界的態度：那些曾相遇的人物、風景與日常片刻，皆具備被凝視與珍藏的價值。她用近乎讚頌的目光注視前述存在，並以繪畫保存難以停駐的瞬間，使它們得在時間外延續。當錄像中的幀幀影格在轉譯為繪畫的過程中逐漸脫離原有時序，其中人物、景物與色彩亦受拆解與重組，形成如同視覺暫留般的畫面結構——所有形象既來自真實經驗，也揉有記憶與想像成分。總的來說，繪畫之於藝術家而言並非對現實的再現，而是一種留存情感的方式：原本屬於個人的觀看經驗，在色彩與筆觸之中漸被開放，成為觀者能夠投射感受、產生共鳴的場域。

▶ 藝術家檔案

蓮輪友子（Tomoko Hasuwa），1981年生，2006年自京都市立藝術大學美術研究所畢業。其創作始於觀看，且有別於多數畫家取靜態照片作為素材，她擅長利用電腦循環播放自己拍攝的動態影像，再經肉眼捕捉，將畫面拆解成一系列「連作」，產生類似殘影的效果。有些擷取景物局部，有些則來自記憶碎片或生活中的浮光掠影，供觀者憑主觀視覺調和其他色彩，進而對應自身生命光譜，找到似曾相識的感動。曾在日本、台灣、美國、荷蘭、西班牙等多地舉辦個展及聯展。

伊日藝術計劃・台日藝術家個展

• 時間：即日起至2026年8月29日，週二至週六14:00-19:00
• 地點：

1. 伊日後樂園（台北市內湖區新明路66號）

【1F】王冠蓁《尚未命名的涼亭》

【2F】蔡瑞恒《晃動的神像》

2. 伊日藝術計劃空間（台北市內湖區新明路86巷1號）

【1F】新藤杏子《Between the Terrarium and the Beyond》

【B1&1F】蓮輪友子《小星星》

>> 更多資訊可至伊日藝術計劃官方網站、官方社群查看。

^{資料提供｜伊日藝術計劃          文字整理｜Ning Chi}

乍看其作，是攝影還繪畫竟傻傻分不清楚——？以「超寫實錯視」技法揚名國際的西班牙當代藝術家Ana de Alvear全新個展隨即於2026年8月15日落地台北，由双方藝廊策劃的《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》將完整揭示她如何通過微觀和巨觀視角，放大生活中諸如石頭、苔蘚等不起眼事物的存在感；且憑想像力構築彷若實境的虛擬場景，觸碰虛虛實實間那若有似無的界線。從本文認識藝術家，同場馬上看3大系列亮點之作。

坐落台北大直、側重藝術推廣與策展實踐的双方藝廊（Double Square Gallery），預定2026年8月15日至9月26日舉辦西班牙藝術家Ana de Alvear個展《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》。策展內容整體專注呈獻藝術家標誌性的超寫實色鉛筆錯視畫（Trompe-l'oeil），試圖藉其精湛技法與概念性的探索路徑，在極小與極大尺度中創造微觀與巨觀的詩意互動，並透過悉心安排的視覺敘事，邀觀者跨出感官舒適圈、完成物理與精神覺知的深刻轉化，從而再次審視眼前所見的真實。

綜覽藝術家Ana de Alvear生平

1962年出身馬德里，現為西班牙當代藝術的重要代表之一。她善用多重媒材進行創作，藝術實踐範疇涵蓋平面大型繪畫、錄像乃至表演和現地製作的跨領域裝置等豐富類型，其中又以單純使用色鉛筆所繪製幾可亂真的石頭色澤與紋理、細膩入微的植物與昆蟲等人造視覺幻象聞名於世。

過去除在歐洲備受推崇，2025年亦憑創新視野獲得台北當代藝術博覽會「新生維度藝術家獎（Edge Artist Award）」殊榮。曾在法國龐畢度中心、西班牙索菲亞王后國家藝術中心博物館、美國聖地牙哥美術館、日本原美術館、韓國國立現代美術館首爾館等世界各地場館展出。作品並受美國聖地牙哥美術館、底特律美術館等機構典藏。

洞悉全新個展《慾望之物》概念

展名「慾望之物：微觀與巨觀的交會之境」靈感汲取自藝術家Ana de Alvear自述，以及美國詩人暨文學評論家Susan Stewart探討微縮模型、巨物、紀念品與收藏品的知名著作《論渴求（On Longing）》。後者分析的微觀與巨觀，視身體為人類感知尺度的基準，指出身體恰恰體現「容器與被包含物」的悖論。前者的色鉛筆畫作則充分反映這場身體與尺度的辯證：人在凝視微縮宇宙時，彷彿擁有全知的視覺掌控權，然當面對浩瀚空間，我們的身體卻又淪為被包圍和吞噬的局部，只得穿梭周遭風景，抽象地向巨大的外在世界投射感知。

▼ 3大系列亮點展品一次看

Ana de Alvear長期通過創作挑戰人類潛意識中的既定原型，進而運用該概念促發觀者的認同或排斥感，觀者因此必須克服自身抗拒，才得以完整關乎「主體性」的核心思維。其作品尤其刻意從慣常脈絡中抽離現實所參照的元素，以促成改變內在意義並模糊固有界線之效，迫使觀者於看展過程中不斷遊走縮小與放大的尺度間。好比在微觀視野方面，帶有底片印樣的《苔蘚》系列正玩弄真實情境與視覺幻象：看似經微距攝影捕捉的微縮畫面，實為尺寸達66*96公分的色鉛筆畫作。

以各色各式石塊為主體的《收藏之物》系列另自「所有孩子都從收集彩色石頭開始⋯⋯我們都是囤積者」觀點呼應Susan Stewart的論述：收藏的本質，是以分類（即藏家重新建立的體系）取代歷史（即物件原來帶有的脈絡），且將時間轉化為空間性秩序；人類藉由囤積物件，在私有場域中構建出一個可以完全被掌控的封閉宇宙——將外在世界內部化的渴望，也可謂Ana de Alvear對「慾望之物」四字的關鍵詮釋。

又或者在巨觀視野方面，藝術家縝密勾勒《虛無迷宮》系列中充滿無盡倒影與開闔房間的迷宮。這些向四面八方拓展的空間，無疑打破觀者身體作為「容器」與「被包含物」的界線。

此次新展，Ana de Alvear巧妙並置全採色鉛筆描繪的極小與極大場景，讓微觀與巨觀交融於場內，引領觀者在兩者的無縫切換中尋找自我極限。

Ana de Alvear個展《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》

• 時間：2026年8月15日至9月26日，週二至六12:00-18:00
• 地點：双方藝廊（台北市中山區北安路770巷30號）

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站、官方IG查看。

^{資料提供｜双方藝廊          文字整理｜Ning Chi}