搖滾．冤家．里歐洛  帶你遊戲經典
有別於老字號的「金馬國際影展」，年輕的「金馬奇幻影展」邁入第六屆，顛覆、創新的氣息，不僅為台灣影展寫下新頁，也吸引更多元的觀眾接觸影展。三大招牌「狂歡場」、「驚喜場」、「K歌場」宛如嘉年華會，一票難求。就連重現的經典老片也都充滿個性與趣味。

讓觀眾跟著電影狂舞、吐槽、灑爆米花的「邪典」（cult film）之王《洛基恐怖秀》（The Rocky Horror Picture Show）今年適逢40週年，金馬奇幻影展除了連開兩場慶祝，更將首度開放徵選「嗨咖」觀眾，好讓各路猛男妖姬都能與扮演「來自變性星球的法蘭克博士」的「奇幻天后」維多同台，為「狂歡場」再掀高潮。

「K歌場」體貼製作變色歌詞字幕，讓觀眾宛如置身超大KTV，跟著片中明星一起引吭高歌。今年推出的是妮可基嫚（Nicole Kidman）和伊旺麥奎格（Ewan McGregor）主演的《紅磨坊》（Moulin Rouge!），除了重溫〈Your Song〉、〈Come What May〉等名曲，還有機會在戲院大跳康康舞。
保證沒看過的「驚喜場」，依舊要賣關子，影展雖有提供線索，但大多數觀眾進場前都猜不透要看的是什麼片，然而每年精心挑選的驚喜電影，總能讓人大呼過癮。

本屆金馬奇幻影展「經典重現」片單，包括法國喜劇大師賈克大地（Jacques Tati）嘔心瀝血的《遊戲時間》（Playtime）（數位修復版）、英年早逝的尚克勞德羅桑（Jean-Claude Lauzon）的天才之作《里歐洛》（Leolo）（20週年數位修復版）、榮獲奧斯卡最佳原著劇本的愛情經典《王牌冤家》（Eternal Sunshine of the Spotless Mind），以及用音樂顛覆常規的《搖滾芭比》（Hedwig and the Angry Inch）。

2015金馬奇幻影展將於４月10日至4月19日於台北新光影城舉行，一再創下全台最高滿座率的奇幻影展，今年強調「倘佯於愛與自由的國度」，將以最不可思議的故事、最不敢置信的影像、最不受控制的瘋狂，盡情造夢。

影片資訊    

                                                         
《遊戲時間》（Playtime）
法國喜劇大師賈克大地一生僅完成六部長片，《遊戲時間》是他耗費最多心力也最鍾愛的作品。但當年為了求好心切，打造出「前衛」的巴黎，幾乎壓垮了他的財務。金馬奇幻影展將重現70mm規格的數位修復版，讓影迷一窺楚浮口中「外星球來的電影」，除了讓觀眾笑出眼淚，也能「完整」見識賈克大地內容與形式的超越。

《里歐洛》（Leolo）
加拿大導演尚克勞德羅桑只拍了兩部電影，便躍升為加拿大影壇最耀眼的導演，卻在籌備第三部作品時飛機失事，也讓《里歐洛》意外成為他最後遺作。本片小男主角深信自己是義大利後裔而取了「里歐洛」這個名字，用小腦袋瓜的想像力徜徉於奇幻世界，好逃離瘋癲失控的家庭，對於血緣的牽絆和個人主體性有極為動人的描寫，也被時代雜誌選為影史百大電影之一。

《王牌冤家》（Eternal Sunshine of the Spotless Mind）
曾與周杰倫合作《青蜂俠》的法國導演米歇爾龔特利（Michel Gondry），最讓影迷津津樂道的電影是2004年由奧斯卡影后凱特溫絲蕾與金凱瑞主演的《王牌冤家》。完美的劇本，把分手的痛苦以及刪除記憶的狂想，結合得天衣無縫，成就了這部愛情經典，大銀幕重現，勢必成為搶票焦點。此次放映為十週年數位版。

《搖滾芭比》（Hedwig and the Angry Inch）
曾在2002金馬影展造成廣大迴響的《搖滾芭比》，多年來全球各地（包括台灣）都有音樂劇演出。電影版則由才華洋溢的約翰卡麥隆米契爾自編自導自演還親自獻唱。片中主角為愛勇敢變性，卻因手術不夠成功徒留「一吋」遺憾，也暗喻他／她的坎坷情路。多首膾炙人口的搖滾歌曲貫穿全片，（Origin of Love）更成為神曲。

《洛基恐怖秀》（The Rocky Horror Picture Show）
影史最長壽的電影，連演40年還未下片。一對道貌岸然的未婚夫妻，在月黑風高的夜裡誤闖神秘古堡，不但見證了猛男的誕生，還被解放了情慾，甚至目睹外星人的計謀。光怪陸離不說，還引發影史最傳奇的Cult狂潮，觀眾每每奇裝異服，跟著劇情一塊演、唱、跳。全台獨一無二，只有金馬奇幻辦得到。

《紅磨坊》（Moulin Rouge!）
巴茲魯曼（Baz Luhrmann）帶領新世紀歌舞片復興的功臣之作，華麗奔放、淒美動人，重新改編瑪麗蓮夢露、瑪丹娜、艾爾頓強、史汀等人的流行金曲，金馬奇幻影展特製專屬變色字幕，觀眾不必背歌詞，就能跟著引吭高歌，還有機會在戲院大跳康康舞。

※ 詳情請見金馬奇幻影展官方網站或金馬影展Facebook

圖文資料提供/台北金馬影展

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？