日常生活中有許多溫暖人心的事物，你是否留心注意過？不妨欣賞沿途的美麗花草，綻放盛開時的旺盛生命力；人與人之間的情感和回憶流動，為平凡生活延續幸福。以及具有手感溫度的插畫，不自覺讓你漾起久違的笑容。一起欣賞花草系插畫家Jubie 的創作，相當少見的手繪喜帖、療癒系字母插畫。這些具有溫度的作品都讓人好想收藏...

Jubie 深受歡迎的客製化手繪喜帖，結合每位新人一路走來的愛情故事，用可愛浪漫的畫風，讓收到喜帖的親友，突然覺得就算被炸也沒有關係。早已被那份幸福感染，只想好好收藏這獨一無二的喜帖，「客製化喜帖有趣的地方是每一張都不一樣，且具有特殊意義。」

其實從小就很喜歡畫畫的Jubie，從來沒有受過專科教育，直到大四選修一堂《經典繪本閱讀》，才重燃對藝術插畫的熱情。Jubie語帶崇拜地說：「當幾米擔任客座老師，在課堂上念了繪本《幸運兒》，很多人都被感動到哭了。我也決定自己的畫作一定要溫暖別人。」為了學期末的繪本製作，Jubie重新開始繪圖，沒想到畫完之後被選為佳作，決定就此重拾畫筆，為夢想創作。

熱愛童書繪本的Jubie，畢業後便去相關出版社工作，想著早上上班、晚上回家創作，但工作一忙兩邊根本無法兼顧。兩年前決定離職的Jubie，「當時也沒存什麼錢，更沒有先累積自己的作品集，只是一心很想做喜歡做的事，深信自己可以不一樣！」憑著一股熱忱與夢想，正式展開插畫家的藝術生涯。

Jubie雀躍地指著這張喜帖與我們分享，這對新人非常熱愛旅行，談戀愛時已經玩遍半個世界了！聽完兩人的故事後，會給予一些喜帖設計的建議。好比台北就用101來象徵，再添加旅行時走過的足跡，用各國國名變成一顆愛心，佐以旅行的各式元素，增添喜帖的故事性。Jubie接著說；「當插畫家可以聽到很多人的故事，善用自己的專長去幫他們完成心中的畫面，帶來獨具意義的插畫，非常有成就感！」

一開始也遇過插畫案源不穩定的窘境，剛好認識喬喬和喬爸，幫他們畫童趣插畫、設計烏克麗麗、公益T恤，越來越多案子找上門，就此打開小小知名度。Jubie思索地說：「一開始不能畫自己風格的作品，的確很痛苦，只能常常鼓勵自己至少現在很接近夢想，只要繼續往那方向前進，就會有越來越多人認識我。」

可別看Jubie現在的繪畫風格相當明確，其實一開始也遇過撞牆期，「人都是從模仿開始學習，一開始人家很常說我的作品跟幾米很像。雖然我很喜歡幾米，但我的人生目標不是成為複製品，決定要找到屬於自己的風格。」其實風格並不是用找的就能找到，而是透過不停地畫畫，風格自然而然就會顯露出來。Jubie曾嘗試過各種畫風，水彩、粉彩、色鉛筆、壓克力，就連網路插畫家的電腦繪圖也都一一試過。享受一個人畫畫的孤獨，慢慢摸索出花草鄉村風格，同時特別愛畫動物和人。她認為：「畫作風格如果不聚焦，就很容易失去獨特性。」

靈感正是從生活汲取而來，近期Jubie畫了一系列字母插畫，計畫推出男女都合適的字母T恤。每一個字母都有一個代表動物，當你看見字母上美麗的療癒花草，配上可愛萌系動物，讓不少人都驚呼太、可、愛啦！

Jubie最喜歡《小王子》、《愛麗絲夢遊仙境》的童書，更期盼自己可以創作出具有意義的故事文字和插圖。「當想要放棄的時候就覺得：既然人生都要面對重重的困難和挫折，那我情願在自己喜愛的世界跌倒。對於夢想，就叛逆一點吧！ 如果不開始努力，幸運不會找上你。」

著迷於在紙上用不透明水彩作畫的Jubie，作品的色彩效果較為濃厚飽和，反而覺得電腦繪圖的作品太完美了，「我想要直接感受到創作溫度，手繪是一件永遠都不能被取代的創作方法。還能調出意想不到的顏色，抱著畫錯就無法重來的想法，反而會更珍惜！這相當有挑戰性，一直到現在，我都非常喜歡這個樣子！」平常也熱愛畫人物的Jubie，對於時尚插畫也有涉獵，以前曾經想當設計師，既然當不成就靠畫畫來過乾癮。

明年，Jubie 將要舉辦個人插畫展，讓大家近距離欣賞創作手稿，從字母系列到尚未公開的食譜插畫，希望作品溫暖更多人。未來，懷著想創立Jubie 專屬風格的生活用品，藉由從創作延伸到周邊商品，創造更多幸福。

Photo、Text via /妞新聞

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？