誰說藝術一定要極簡冷僻、苦思深奧哲理？由勤美璞真文化藝術基金會主辦，目前已為中部地區最具代表性的無牆藝術祭《綠圈圈》，今夏再一次驗證，藝術可以帶來歡樂能量，為生活塗上繽紛色彩！

《綠圈圈》從2013年首次舉辦以來，即貫徹「微型生態鏈」的概念，於為期約兩個月的期間內串聯勤美誠品、勤美術館、金典綠園道、草悟道及鄰近店家，邀請國內外藝術家一起援用巧思點綴街區，建構一張大型的藝文藏寶圖，引領民眾四處探索。今年更以童心為題，不僅在草悟道搭建小朋友憧憬的星際戰艦，更讓包括大富翁、蠟筆塗鴉、賽車遊戲等元素再現街區，讓人彷彿一腳踏進時光隧道，回到無憂無慮的兒時歲月。

量身訂作的夏日慶典

台灣其實並不缺乏大型藝術祭典。過去引領風潮的黃色小鴨、紙熊貓展，同樣吸引大批觀眾。然而，比起引進打包好、能巡迴各地的展會，《綠圈圈》卻始終堅持要與在地連結。去年舉辦社區民眾共同編織毛線等活動，希望加深對藝術祭的認同；今年更從醞釀初期就邀請居民參與討論，提出對於美好鄰里生活的想像，再將意見反饋予藝術家，作為現地創作時的靈感，達到雙向溝通之效。

除此之外，勤美集團本身擁有的美術館、勤美誠品、金典綠園道等空間，讓藝術祭的地點能集中，且持續舉辦學生藝術商店、培育文創聚落LAB駐村藝術家等，逐年累積影響的效益，也是與台北東區粉樂町較為不同之處。

藝術，簡單且美好

正如畢卡索終生都在學習如何像孩子一般畫畫，真正的快樂，來自放下矯飾、聆聽內心真實的聲音。踏進暑期限定的草悟道樂園，在各樣逗趣的裝置作品中，尋回曾經失落的天真笑容，然後再次起身，勇敢面對嶄新的每一天！

1. 草地大冒險

許久未投擲骰子，轉動自己的命運之輪？來到勤美術館的翠綠草地，重溫兒時最愛的紙上大富翁吧！由何季澄、創坊設計、只是zishi、末路小花等設計好手聯合發想每一站的遊戲關卡，在機會和命運的考驗重複出現後，你發現原來自己只是需要再多一點點的勇氣。

2.第一次外星接觸

藝術家陳建智的〈家宅星艦計畫〉運用廢棄水塔、鐵窗、門把等，重新打造出一個星艦聚落！汲取自從小喜愛鐵金剛、星際戰艦的記憶，12座高矮不一、卻有木頭廊道相連的艙房，宛如來自銀河的神秘屋宅，每一座都內設特殊功能，且不知何時已悄悄登陸地球，邀請好奇的孩子們走入其中探尋外星人的小秘密。

3.頂上好手藝

髮量稀少的Mr. Pinhead為追逐滾落的錢幣，竟意外踏進一間理髮廳，他在這裡會有什麼奇遇？勤美文創聚落LAB的駐村藝術家Ballboss將自己繪本中的場景化為真實，於金典綠園道前推出今年首波LAB Shop限定商店：傷心理髮廳。來客不僅能享受專業造型師提供的服務，也能欣賞Ballboss風趣的插畫作品，讓腦袋從裡到外都充滿創意。

4.上班族的狂想賽車

別再認為辦公椅是害自己得到脊椎側彎的幫兇，它能搖身一變成為超強賽車，讓你成為新一代冠軍車手！戴上安全帽，等待裁判指示開跑，沿途暗藏的上坡、拐彎、暗室等各種難關，就像人生當中總有起伏，艱辛之餘也要相信終有一刻可以抵達目的地，笑看曾經的淚水與汗水。

5.烘出文字溫度

受到年輕族群歡迎的藝術家何景窗在本次〈烘字鋪子〉中，以洗衣間場景為發想，把各種風格書法字體當作日常的貼身物件，可以洗滌、日曬、燙平。最重要的是理解字句不僅是傳達資訊的符號，其內裏更埋藏溫度，幫彼此遞送真切心意。現場亦提供紙筆，讓有感觸的人落下屬於自己的書寫痕跡。

6.瞄準藝術明日之星

延續前兩屆對於年輕創作者的支持，今年EVERYDAY ART學生藝術商店再接再厲，集結全台藝術相關系所學生共450件作品，陳列於勤美商場的樓梯間。擁有藝術不一定要花大錢，學子筆下勾勒的純真輪廓，或許正能撥動你內在的美感刻度。

7.綻放於巷弄之花

由義大利藝術家Alina Vergnano汲取台中給她的靈感，於草悟道旁忠明里五鄰繪製的塗鴉作品。柔美帶點哀愁的女子肖像是其筆下一貫角色，而這塊區域綠意蓬勃的意象，也讓她決定在畫面中添入向上萌發的褐色嫩芽。

8.錯字有理

小時候總因錯字而被罰寫？由洋蔥設計於金典綠園道前地下道發起的〈全民造字運動〉，要告訴你錯字自有乾坤，只要巧妙擷取部首重組，漢字將產生多重內涵，也帶來閱讀的樂趣。

Text / 歐陽辰柔

Photo / 張藝霖

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？