金馬影展8/28公佈本屆焦點導演，英國電影大師彼得格林納威（Peter Greenaway）將帶著描繪俄國蒙太奇巨匠愛森斯坦情慾世界的新作《十日性愛死》（Eisenstein in Guanajuato）來台會影迷。另外本屆金馬主視覺海報也於該日曝光，由獲得11座金馬獎的紀錄保持人張叔平操刀設計，以胡金銓導演《俠女》的經典身影為靈感，展現歷久不衰的電影精神。

曾多次入選坎城、柏林、威尼斯影展且獲獎無數的彼得格林納威，常將大量的繪畫技巧和劇場佈景設計運用在電影中，素有「以電影作畫的導演」之稱。加上善用數字、字母、顏色、人名等元素來編碼劇情，融合出獨特的風格印記，兼融唯美與怪誕。他在台灣最早便是由金馬影展引進推薦，九０年代才攻進院線，但幾乎每部作品都令電檢傷透腦筋。本屆金馬影展選映了格林納威的《繪圖師的合約》（The Draughtsman's Contract）、《一加二的故事》（A Zed & Two Noughts）、《淹死老公》（Drowning by Numbers）、《廚師、大盜、他的太太和她的情人》（The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover）、《魔法師的寶典》（Prospero's Books）與《魔法聖嬰》（The Baby of Mâcon）等六部經典，搭配大受好評的新作《十日性愛死》，既讓忠實影迷再次回味他的獨一無二，也要讓年輕觀眾大開眼界。彼得格林納威也已答應出席金馬影展，與影迷面對面分享他的創作歷程。

本屆金馬主視覺海報由張叔平設計。他以美術、造型、剪輯等傑出表現，享譽影壇，至今已擒下11座金馬獎，也曾以《花樣年華》獲得坎城影展技術大獎，《一代宗師》入圍奧斯卡最佳服裝設計。年初在金馬執委會主席張艾嘉力邀下，欣然答應跨刀。海報元素包含了《俠女》的意象，張叔平推崇《俠女》40年前在坎城奪得技術大獎，不僅是華語電影的里程碑，也將武俠類型成功推向國際，這個突出的意象，已成經典。更有意思的燙金華麗的「金馬52」大字，其中「52」是由兩個「一」與「０」所組成，經由一直一斜兩條等長的細線加以連結，構成視覺與創意的雙重驚喜，也融合了電影由「膠捲」步向「數位」的概念，充滿現代性，為「金馬52」帶來既復古又創新的樣貌。

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金馬影展格林納威片單

《十日性愛死》

彼得格林納威新作《十日性愛死》以《波坦金戰艦》導演、俄國電影大師愛森斯坦為題，講述愛森斯坦至墨西哥拍攝紀錄片《墨西哥萬歲》時的趣味軼事與他從未被承認的同志戀情。彼得格林納威以充滿活力的鏡頭語言，結合各種向愛森斯坦致敬的蒙太奇手法，揭開大師瘋癲狂傲的內心世界。

《繪圖師的合約》

《繪圖師的合約》（1982）是彼得格林納威自編自導的首部劇情長片，初出茅廬就擠進大師林立的威尼斯影展競賽，吸引國際影壇注目。影片講述滿腹雄心壯志的年輕畫師與莊園夫人簽訂完成12幅畫作的合約，畫師揮灑藝術之餘，也深陷情慾泥沼，招來毀滅的命運。

《一加二的故事》

以17世紀荷蘭畫家維梅爾的畫作為靈感的《一加二的故事》（1985），描繪一對動物學家兄弟因車禍失去各自的妻子，卻又同時迷戀車禍中失去一條腿的女人，影片佐以各種生物腐敗的過程，宛如死亡降臨。彼得格林納威將故事結合聖經《創世紀》和達爾文進化論的隱喻，並且大量使用文藝復興時期的繪畫技巧，精準對稱的場景安排，令人驚嘆不已。

《淹死老公》

獲得坎城影展最佳藝術貢獻獎的《淹死老公》（1987），找來三位英國實力派演員瓊安普洛萊特、茱麗葉史蒂芬森、裘莉李察森分別飾演三位都名為西西的女子，分別用不同方法淹死她們一無是處的丈夫，以色誘手段應付驗屍官的調查。彼得格林納威獨具巧思地將可疑線索由1至100編碼，隨機出現在牆壁、浴缸各種物件上，讓觀眾跟著劇中角色找尋破案證據。

《廚師、大盜、他的太太和她的情人》

在西班牙Sitges奇幻影展獲得最佳導演、攝影、男主角、原聲帶四項大獎的《廚師、大盜、他的太太和她的情人》（1989），則將性、暴力與死亡交織成一場駭人饗宴，將餐廳變成了偷情、報復、殺人的場合。彼得格林納威藉由不同場景的顏色編碼，形成強烈的視覺隱喻。法國影帝李察波林傑、《哈利波特》「鄧不利多」邁可坎邦、奧斯卡影后海倫米蘭等人的同台飆戲，彼此間激發出令人屏息的火花，必定讓觀眾看得大呼過癮。

《魔法師的寶典》

改編自莎士比亞《暴風雨》劇本的《魔法師的寶典》（1991），講述遭陷害而流落到荒島的公爵，倚靠著24本魔法書獲得強大的力量，籌劃一場他渴望已久、名為「暴風雨」復仇大計。彼得格林納威巧妙地引用、挪移原著劇本元素，透過影像將文學中的魔法與隱喻躍然於紙上，忠實原著劇本之餘，更增添導演獨具特色的影像風格。

《魔法聖嬰》

被影迷選為「十大禁片」之一的《魔法聖嬰》（1993）也加入片單，彼得格林納威將「處女生子」的宗教故事改編，讓備受崇敬的聖者成為加害者，藉以諷刺信徒對聖者的狂熱信仰與教會的腐敗，宛如一場大型宗教舞台劇，充滿裸露、血腥和駭人的死亡場景更引起極大爭議，北美片商甚至因此拒絕引進此片，建議影迷們進場前要先做好心理準備！

BOX | 2015金馬影展

金馬國際影展11/5-11/26

金馬電影學院10/23-11/21

金馬創投會議11/17-11/19

金馬獎頒獎典禮11/21

via / 台北金馬影展執行委員會

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？