下一道建築國際星光：曾柏庭

曾柏庭，應是這三年最受國際矚目的台灣新生代建築師。年僅30幾歲，創業8年，卻早已陸續拿下美國Architizer A+首獎、多次入圍世界建築傑大獎決選（World Architecture Festival Award），去年甫完工的中和國民運動中心更被BUSINESS INSIDER網站評選為「27座地表最酷的建築」之一！如何以建築走出國際，他心中的好建築想像是什麼？曾柏庭娓娓道來。

「好建築隨著科技、隨著人類的需求不斷改變，但字不會變，就是公共性。只是這個公共性在過去、現在、未來會有不同的方式呈現。」──曾柏庭

從台南一中綜合體育館、烏來停車場、土城國民運動中心、至中和國民運動中心，建築師曾柏庭的每一件作品都打破我們對於建築原型的想像。

烏來立體停車場以大自然山景為靈感，量體旋繞向上，打破停車場方正無趣的窠臼；環狀立面的線性隔柵不僅呼應峰線，更轉化泰雅族織品上的帶狀圖騰，與在地文化連結；深灰立面為停車場帶來禪定氣息，汽車穿行於光影之間，停車場成為旅行第一站的美好體驗。

結構即空間、空間即結構

「裝飾即罪惡」，捨去多餘裝飾、以結構本身表現建築美學，始終是曾柏庭的建築信仰。

中和國民運動中心的滑輪曲棍球場，天花上的三角鋼樑結構，本需覆上天花板不能外露，但對曾柏庭而言，原來設計的三角鋼樑結構即是裝飾，何須多餘天花板？不僅違背他一貫的建築理念，更耗費材料，形成無謂浪費，整整花了半年溝通，終於得以維持原設計。土城國民運動中心的紅、藍、灰三色量體，在灰暗的土城區如抽象畫般色彩繽紛，然而量體上的六種色階不僅是裝飾，更是由外牆耗能軟體精準計算，得出最節能的效果；看似封閉的皮層，實則由鋁沖孔板擔任讓光穿透的功能，所有裝飾都是功能，沒有多餘贅字。

公共建築的公益性

然而看似完全理性的設計，卻逐漸滲入感性的關懷。採訪那天，陽光明媚。我們在土城國民運動中心，看見建築師曾柏庭正拿著手機拍著正在懸挑處陰影下排隊的孩子們，再日常平凡不過的畫面，手機裡想留下的是什麼？

2012年，對曾柏庭而言是重要的一年。

「以前剛開始做設計，會認為好建築是技術、結構、細節，但當時看到台南一中綜合體育館的半戶外籃球場上，許多國中生在那跳舞、阿公阿嬤打太極拳、中秋節時老師帶著學生看電影，那時我才意識到好建築重要的是『公共性』。人與空間的互動，才是公共建築的公益性。」

台南一中綜合體育館是曾柏庭的Q-LAB所拿下的第一個建築案，他以結構即空間、空間即結構的概念設計體育館，外部對稱的斜撐框架本身不僅是裝飾，更是結構本身，設計理性，注重細節。2012年體育館施工完成後，他如同每一位設計者旁觀大眾的反饋，期待他們欣賞自己同樣充滿自信的細節，然而大眾未就細節產生共鳴，真正感動人的卻是那座半戶外籃球場。

過去受到建築大師Rafael Viñoly、貝聿銘影響甚深的他，關注於理性的空間計畫、量體清晰配置、精準結構，2012年後開始納入更多「公共性」思考。走入腹地廣大的土城國民運動中心，考量周邊幾所學校將共用此座體育館，三座量體刻意懸挑出簷，創造讓學生們能在此等待、練舞的半戶外空間；中和國民運動中心因為腹地小，將公共性從戶外移進室內，打造「城市的客廳」，近60公尺長的大廳空間擺脫公式化的設計尺度，逸脫大廳莊嚴而不適合久待的空間定義，用親近卻又開放的尺度，擺放一張張書桌，「現在你在這，常可以看到阿公阿嬤可以在這吹冷氣看報紙。」曾柏庭笑著說。

「好建築隨著科技、隨著人類的需求不斷改變，但字不會變，就是公共性。只是這個公共性在過去、現在、未來會有不同的方式呈現。」那張手機拍下的照片，對於曾柏庭而言，是心中對於建築性「公共性」的實踐。

建築追求的不再只是理性

2012年拜訪建築大師Peter Zumthor所設計的Therme Vals溫泉旅館，更調整了他對於建築的想法。「我覺得建築追求的不再只是理性，Peter Zumthor累積了一輩子的理性武器，只為了等待這樣一個案子，而他厲害的是在設計面，如劍影般不用真正出招，是很自然的理性線條存在。」

「一磚一瓦、尺寸、長寬高、模矩，精準得不得了，但你在空間內，閱讀到的不是精準線條，而是令人感動的情境、情感，你會為了他的空間感動、甚至流淚。」Therme Vals溫泉旅館中，他在一間又一間有著高低差的游泳池中游動，時而人身完全浸入池水，才能繼續往下一間游去，但或許下次探頭換氣時，已是戶外，又或是完全密閉的空間，呼吸帶著檸檬般的氣息，全然的理性建築，卻又營造出全然的建築詩意，建築的寧靜及孤獨感，引領你走向內心，冥想過去、現在甚或未來，過去大學教授說的六感，他曾經無法體會，如今透過建築譜寫的詩句，已然心領神會。

「2012年前的我很純粹，2012年後的我，有些感動發生了，我渴望有機會能做一件詩意的作品，哪怕只是一棟很小很小的房子，只要有這個機會都好。」

Text / 彭永翔

Photo / 王漢順

via / Q-LAB

【更多完整訪談內容請見《LaVie》2015年11月號】

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」 聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態 。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」 而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。

鈦金屬款則以更輕盈俐落的線條展現另一種液態質感，包括Polished Titanium亮面拋光鈦金屬與 Brushed Titanium霧面髮絲鈦金屬，前者如波光粼粼的水面或熔融金屬般映照光影，後者則透過細緻拉絲處理，呈現如微波蕩漾的水面。 

「JINS × Heatherwick Studio」已於5月14日正式上市，若想體驗戴上設計大師操刀的眼鏡是什麼感受，也不妨親自走進門市試戴。

資料來源｜JINS

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh，近年躍升為全球最受矚目的建築師之一，《時代》雜誌不僅將她選入2025年「次世代百大影響力人物」（TIME100 Next），更是該榜單當年唯一入選的建築師；全球最大規模文化翻新案之一的大英博物館西側展廳群（Western Range），也由她拿下國際競圖。她親身分享，如何透過「未來考古學」（Archaeology of the Future），從研究、材料探索與田野調查出發，與建築的過去和未來展開對話。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

曾經，Lina Ghotmeh立志成為考古學家。成長於黎巴嫩內戰末尾的貝魯特，戰後市中心四處進行著大規模考古挖掘，腓尼基、羅馬、鄂圖曼等不同文明的斷層，就這樣赤裸攤開在她眼前。「那是一座被破壊與重建一層層刻印的『開放考古現場』，激起了我對考古學的興趣，也讓我開始把每一塊基地都視為被環境塑造、由故事層疊堆積而成的『古羊皮重寫書卷』（palimpsest）。」然而，她不只想發掘過去，更著迷於以建築定義未來的力量。貝魯特美國大學（American University of Beirut，AUB）跨學科的環境讓她自由探索；她日後所謂「未來考古學」的概念，也在此緩慢成形——一讓建築既錨定於當地環境與歷史痕跡之上，又能清晰指向未來願景。

「我把建築理解為一種傾聽：傾聽土地、傾聽歷史，傾聽那些看不見的敘事。」

畢業後，她前往法國巴黎深造。其後，她受邀任職於Ateliers Jean Nouvel，被派駐倫敦與Nouvel / Foster + Partners合作Walbrook Square大型開發案，共事的皆是世界頂尖團隊。「那是充滿啟發的時期，讓我更加確信『作夢』的重要性，以及不斷拓展建築邊界的必要。」然而，她也意識到這並非自己想走的路。

建築無法抹平創痕，但給予力量

2005年，愛沙尼亞國家博物館（2006～2016）的競圖公告令Lina Ghotmeh眼睛一亮，內心湧起一股強烈想要參與的衝動。她回憶道：「那時愛沙尼亞剛加入歐盟，帶著動盪的歷史記憶，這在很多層面上都跟我自己的成長經驗產生了共鳴，而基地本身也留有那段歷史的痕跡。」她深受吸引，邀請當時的兩位同事田根剛與Dan Dorell一起投件。3人暢想將建物延伸至Tartu的前蘇聯軍用跑道上，使一段複雜的民族歷史轉化為向未來升起的斜坡，大膽的設計贏下了博物館競圖。那一年是2006年，她才26歲，便決心與夥伴創立合夥事務所「DGT.」（Dorell Ghotmeh Tane / Architects）。

歷經漫長的10年，愛沙尼亞國家博物館在2016年正式完工。3人也決定各自獨立，Lina Ghotmeh隨即在巴黎成立了同名事務所Lina Ghotmeh－Architecture（LG－A）。她的下一個計畫集合住宅「Stone Garden」（2011～2020）帶她回到了貝魯特。施工末尾，2020年貝魯特港口發生驚世大爆炸，建物倖存下來，也在當年順利完工。無論戰爭或意外，都是巨大的破壞力量，她坦言：

「建築無法抹除創傷，但它能給予尊嚴與延續感，給人一個得以共同喘息的空間。它也能成為一種媒介，讓情感透過實體的形式被訴說出來。」

Lina Ghotmeh擁抱起貝魯特的廢墟記憶與集體創痛。「這個計畫不是要掩蓋傷痕，而是去吸收它們，將記憶轉化為實體。」粗糙的大地色混凝土外牆由工匠手工刻畫出波紋，如同農人在一片垂直的土地上耕作，也引人聯想起這國家多舛的命運；其上雕鑿出巨大的窗口，回應著曾烙印 在城市肌膚上的彈孔，使建築通透迎向外界，也成了居民種植植物的窗台與生活所在。「公共性，本身就出自於大方的姿態。立面、門檻、花園、陰影，每一處細節都可以成為與人連結的方式。在脆弱的處境裡，建築必須謹慎，甚至近乎靜默，卻又不能置身事外。」她認為，住宅不該是私密、孤立的存在，空間有責任與周遭公共環境對話，訴說自身的歷史與存在，並成為城市的一份子。

慢下來，由手工材質重探萬物的聯繫

在這個追求速成的時代，Lina Ghotmeh反而注重勞力密集的手工藝。她不諱言自己對材質的迷戀，「我深受那些承載著場所、時間與自然的材質吸引，那些會老化、會呼吸、會記錄下人手觸摸過的痕跡的材質。」如同她的事務所參考諾曼第地區的製磚傳統，培訓當地匠人以50萬塊手工磚親手砌起愛馬仕皮革工坊「Precise Acts」（2019～2023）。「當我們花時間去建造，同時也在培養對環境的自覺、關懷與情感。這些，在今日都是我們迫切需要的。」這不僅讓作品深深紮根於地方文史之上，整個建造過程也訴說著建築最根本的精神：協力製造，一起把東西蓋起來。

在永續建築的浪潮下，低碳的木構已成為當代顯學。愛馬仕皮革工坊便採用磚木混合結構，Lina Ghotmeh也在蛇形藝廊（Serpentine Gallery）《À table》（2022～2023）及2025大阪世界博覽會巴林館，嘗試了輕量化的混合結構，提出可重複組裝的模組化設計。尤其是巴林館，結合了柳杉原木框架與輕量化外層，所有構件如今正被重新利用於在日本推行的另一個計畫。原木榫接的應用本是日本的強項，LG－A 特別回應當地傳統並發起挑戰，與在地承包商攜手突破工法。一如在Stone Garden中，他們與工匠並肩從抹灰工藝中共同研發出新工法，為立面妝點紋飾，讓匠人真正進入建築的設計過程。

「在一個痴迷於速度的時代，工藝成了一種人文的行動，是對生命的讚歌。慢下來，才能讓關懷、精準與意義真正滲入其中。」

當今，愈來愈多建築師從根植在地歷史與傳統的風土智慧中尋找突破口。對此，Lina Ghotmeh表示：「風土的智慧往往是低科技的，懂得因應氣候、善用有限的資源，卻為我們的未來提供了珍貴的啟示，但這並不代表要拒絕科技。」她補充，有意識地運用AI等科技工具，能使設計思考更為敏銳、能力更加精進。實際上，近年她也投入全新低碳、生質材料（bio- sourced materials）的開發之中。「這同時來自道德關懷與對詩意的追求。永續不是一種限制，而是發明的泉源。生質材料帶來了新的美學、新的構築方式，以及建築與自然之間重新建立的關係。」

從歷史的斷層之中，想像建築的未來

2025年，LG—A贏得備受矚目的大英博物館西側展廳群（2025～）翻新計畫，幅度涵蓋全館展廳空間1/3。這是自1820年代以來規模最大的改建，引入自然光、創造「呼吸空間」，並強化節能手段。此外，她長年研究石材，發現30～40%的石材因不夠完美而淪為廢料；貝魯特大爆炸後滿目的瓦礫與破壞痕跡，更促使她思索如何將碎石重新織入城市景觀。她結合木模組結構，將施工產生的廢石重新加工為博物館展廳新牆面，既減輕歷史建築的承重負擔、貫徹她對材料循環的一貫堅持，更隱喻博物館歷史疊層的拆解與重組。「這個空間揭示了世界的緊密相連，讓館藏彼此對話，讓故事跨越時間與地理緩緩展開。我們希望創造能夠鼓勵對話的環境，讓展覽空間激發交流，讓材質喚醒感官。」

近年，她與阿拉伯世界的合作日益深厚。她正為卡達操刀威尼斯雙年展卡達館的永久建築（2025～），延續她對石材的關注，並結合手工玻璃的運用，構築在綠園城堡展區（Giardini）的基地上如石造瀑布般從地面升起，與威尼斯從水面浮現的姿態相互映照，也象徵數千年前自海中誕生的卡達。她分享：「在整段觀展旅程中，建築將不斷轉換人的視角、開啟新的視野，最終在一座開闊的屋頂露台達到高潮。站在那裡，人們俯瞰周遭環境，與地景建立起全新的關係。」

透過「未來考古學」，Lina Ghotmeh逐層溯源歷史斷層，以此構想未來。問道她最渴望創造的建築是什麼模樣，她說：「一種開放而多元的建築，能夠包容所有的生命，帶來喜悅、促進對話，在形式與材料上富有表現力，既能引人沉思，也能讓人相互靠近。空間應當是友善的、慷慨的，讓人自由穿流其中。」她相信，那會是一座充滿生命力的建築。

Lina Ghotmeh

黎巴嫩建築師，現居巴黎。畢業於貝魯特美國大學與巴黎École Spéciale d'Architecture（ESA）。2016年創立同名事務所Lina Ghotmeh — Architecture，提倡「未來考古學 」，主張建築應是土地記憶與未來永續的深度縫合。重要作品包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、貝魯特Stone Garden（2020）、諾曼第Hermès Workshops（2023）、倫敦蛇形藝廊《À table》（2023）、2025大阪世界博覽會巴林館（2025）等；進行中包括大英博物館（Western Range galleries）翻新計畫、威尼斯雙年展卡達館等。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

_{文｜吳哲夫
攝影｜David Levene、Iwan Baan、Takuji Shimmura　圖片提供｜Lina Ghotmeh — Architecture}