每年備受期待的台灣設計展，繼去年在台東廣受好評後，今年移師宜蘭舉行。擁有得天獨厚的自然風光與人文特質，台灣設計展在宜蘭展不僅展現出在地設計產業特色，同時也希望能為產業與設計師的跨界合作帶來新契機。

驅車前往宜蘭，眼前展開的是一片開闊的田原與海景，今年度台灣設計展移師至宜蘭。選在已經有90年歷史的昔日中興紙廠為展覽基地，現在蛻變為中興文創文化創意園區的空間中，仍可感受到在地精造的「頂真」氛圍。此次設計展主題館的部分以「Makers Boom!設計。精造」為主題，邀請VVG好樣集團汪麗琴執行長策劃，以「前店後廠」的概念，完整呈現出職人製造的精采過程，期待能在後續串連起工藝與當代設計的新可能。

月桃葉、稻草、藍染植物，說台灣話的在地質材
每年度由台灣各城市主辦的台灣設計展，皆能別具心思地扣緊在地特色。身為今年主辦城市的宜蘭，則聰明地挑選「布、木、紙」為主力。在規模完整的染工坊展區，一踏入展館就能見到雙邊排開的天然染織品，淡雅漸層的色階，突破以往對自然染色彩的既定印象，而在這由染織藝術家陳景林策展的空間中，能讓人理解到宜蘭身為「藍染」重要產區的先天優勢，是因多雨潮濕的天氣為藍染關鍵元素「大菁染料植物」提供了極佳的生長條件。使得「藍染」與宜蘭在地密不可分。

此外，許多設計師如品研文創也巧妙運用「月桃葉」設計出造型極簡、頗富現代感的椅凳；東海醫院則展出與白米社區合作，以稻草編織的鳥類餵食器，相偕將自然融入作品中。然而，在地素材的運用，如何真正落實長久且持續的在地生產？包括素材的永續供給、在地住民的投入人力、以及設計師的協力模式，更是在展期之後，值得關注的議題。

宜蘭椅：產業╳設計
提起近幾年宜蘭設計發展，不能忽略的是「宜蘭椅」設計的持續推動。聰明地融合宜蘭人與山林和諧共生的思維，鎖定兒童椅設計的設計競賽主軸，不僅為宜蘭設計開啟新的想像，也為台灣少見的兒童生活美學注入活力。在采風館展區中，展出歷年來於設計競賽中得獎的宜蘭椅作品，包括2015年度金獎由設計師任懋珺創作的「蜂巢趣」，呼應位在宜蘭、全台灣唯一的蜜蜂生態旅遊；以及銀獎由設計師蘇怡文、張晏維設計的「擁」，以三面環山的宜蘭地景作為設計靈感，成為擁護孩童乘坐的獨特造型。而展方特別邀請周育潤與在地工廠合作，作為設計師與製造工廠端跨界合力的示範，也十分值得推廣實現。

此外，主題館中「前店後廠」的空間概念，企圖重現Maker製作實境，1/2的空間呈現出完整作品，另外1/2的空間則帶著參觀者轉身進入設計師的製作現場。也是今年度最亮眼的概念之一。

Never Say Too Old，童趣好設計
帶著童趣的設計，往往最能勾動人心。有別於其他縣市的設計發展軸線，宜蘭以產品類別為思考方向，主打宜蘭兒童三具「玩具、文具、家具」，在近年來逐漸獲得回響與關注。如何將童趣與設計巧妙結合，又能成功擄獲大人小孩的喜愛，的確需要適切的設計轉換。

在這次展區中，如2013年的宜蘭椅金獎作品，由設計師陳朮洲與白琬華夫妻聯手，將養鴨農家場景化身為宜蘭椅首獎「搖擺鴨」的創作元素；宜蘭詩人林煥彰的兒童文學《遇見心中的一條河》也化身成立體書頁。eguchi toys的互動送子鳥、毛茸茸的狼動物椅、大鄴設計的紙板猴與香蕉樹，都十分討喜。此外，一進入展場即望見80隻木質白鷺鷥，更是亮眼襯題的童趣之作。

概觀每年巡迴台灣各城市舉辦的台灣設計展，已經成為各城市的年度大事，對於設計師及在地產業來說，更是一次難得聚集全台灣目光的舞台。而在光鮮亮眼的展覽台、全新整建的文創園區空間之外，如何能讓台灣設計展發揮帶領設計師與產業的聯手升級，或許更是讓人持續期待的關鍵要素。

更多展覽資訊，請見台灣設計展官網。

Text／方敍潔

Photo／台灣創意設計中心

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}