2015 年 5 月，原在紐約上城的惠特尼美術館正式搬遷至西區的肉品加工區，這不僅是建築界的大事，更是藝術界今年最重要的事件之一。這個以收藏美國藝術家作品為主的老牌美術館，在哈德遜河旁有了全新的面貌。

如果你曾趕上【慾望城市】的最盛年代，那麼你絕不會忘記當初莎曼珊搬入紐約肉品加工區（Meatpacking District）時的城市風景。自由不受拘束的夜生活、繁盛的次文化，彷若再度回到安迪．沃荷（Andy Warhol）出入百無禁忌的 54 俱樂部時光。

如今肉品加工區繼續演化，早已成為時尚名流聚集的熱點，叢聚了各種創意能量，藝廊美術館開始蔓延，紐約老牌獨立畫廊 White Columns 善於發掘極具潛力的藝術新秀；走入夜晚，電梯通往 18 層樓，在知名酒吧Le Bain 享受全紐約最美的天際風景；隔日清晨，漫步到紐約近期最成功的城市再生案例 High Line，遠離喧囂，與自然共處。集百年美國藝術作品之大成如今從雀兒喜區步上 High Line，續往肉品加工區前行，你會發現城市的風景大不相同，由知名建築大師 Renzo Piano 所帶領的 Renzo PianoBuilding Workshop 建築團隊所設計的惠特尼美術館（Whitney Museum of American Art），已正式於 2015 年 5月與世人見面。

這不僅是建築界的大事，更是藝術界今年最重要的事件之一。1930 年由藝術家 Gertrude Vanderbilt Whitney所成立的惠 特 尼 美 術館，因館藏從 1966 年 的 2,000 件，一舉增加到 22,000 件，原於紐約上城的美術館不敷使用，故在 2008 年與 Renzo Piano Building Workshop 合 作，開啟了美術館移動計畫。

擁有 85 年歷史的惠特尼美術館，一向是培植美國藝術家的先驅者，在紐約眾多美術館中，是唯一以典藏美國藝術家為主的美術館，兩年一度舉辦的《惠特尼雙年展》更著眼在美國創作的藝術家。因此，在這我們不僅可與Andy Warhol、Edward Hopper、Alexander Calder等知名藝術家的傑作相遇，更可看見具前衛態度的新秀之作。

串聯High Line與哈德遜河
惠特尼美術館東西不對稱的量體設計，也呼應了城市周邊地景。建築東側高度逐漸下降，回應東區的低樓層歷史建築；西側俯瞰哈德遜河（Hudson River）的壯闊河景，高度抬升，以巨大量體與河景對話。

從巴黎龐畢度中心至惠特尼美術館，已設計24座美術館的Piano，曾談及打造龐畢度中心時「是希望能打造出吸引每個人的地方」，「想建立的，不是遙不可及的博物館，而是生氣蓬勃的大眾聚會場所。」此想法與惠特尼美術館的館長Adam D. Weinberg相通，因而在新完工的美術館中，也再次實踐了美術館的公共性。

「公共性」體現於設計各層面，美術館本體與High Line串聯，你可以從雀兒喜區的High Line入口拾級而上，漫行於漂浮在城市大樓間的綠意公園，一路至惠特尼美術館；從六樓開始錯落的露台更是送給城市的絕美禮物，若你曾於龐畢度中心乘著電梯不斷向上，臣服於這城市的翩然；那麼在惠特尼美術館，便是另一次對於城市的寧靜凝望—在露台上感受風的輕語，靜靜望著一川大河走向盡頭，再喧鬧的城市也有安靜時分。總面積高達1200平方公尺的露台身兼戶外藝廊，不定時演出各種精彩表演，美術館化身為住民的城市客廳。如同Piano接受《紐約客》採訪時所說，這是一道完美融合社交生活、城市性、發明、建造、科技、詩意及光影的法式饗宴，看似繁雜卻充滿層次。

Text / 彭永翔 

Photo / Ed Lederman、Nic Lehoux、Timothy Schenck

via / Renzo Piano Building Workshop、Whitney Museum of American Ar

在倫敦薩默塞特府（Somerset House）的樓梯間，一場輕盈卻深刻的相遇正悄悄上演。由隈研吾發起的實驗團隊SEKISUI HOUSE – KUMA LAB，透過「Paper Clouds（紙雲）」這座漂浮的和紙裝置，把日本工藝、自然意象與未來建築研究一同帶進2025年倫敦設計雙年展，邀請人們重新想像材料與空間的邊界。

和紙雲朵飄進18世紀英國建築

走進由William Chambers設計的古典石階，你馬上就會被一片片的雲朵吸引目光。共約70片的雲朵以紙纖維製成，再用金色絲線輕輕懸掛，自樓梯最高處如雲瀑般垂下。

「Paper Clouds」作品靈感來自日本繪畫中「すやり霞（Suyari-Gasumi）」的技法，創造出如薄霧般若隱若現，卻又能呈現具體的質感。看似輕盈的裝置，背後卻承載建築材料創新的實驗精神：要如何在極致輕薄中，依然保有足夠的結構強度？

傳統工藝的當代技術突破

為了達成這種「有重量感的輕盈」，KUMA LAB開發了一種嶄新的和紙工藝，使用與傳統和紙相同的楮樹纖維，但卻不是製作液體狀的紙漿，而是製成濃稠的糊狀物，再以手指壓出格狀紋理，創造剛性與立體感。而每塊乾燥後的「雲朵」擁有如淺碗狀的造型，其輕如羽毛，卻具足夠強度懸掛於空中。KUMA LAB計畫將這項技術擴展到更多實驗，例如3D列印和耐候性塗料，希望未來能運用在永久性建築中。

材料、文化、藝術的交會點

「Paper Clouds」不只是一個視覺裝置，它也觸及聽覺與身體感知。本計劃邀請到小提琴家兼作曲家小町碧為此創作全新作品，錄音過程中還特別捕捉了和紙貼近肌膚所產生的摩擦聲。共同策展人Clare Farrow認為，這是東西方之間的一場對話——從和紙、金線到18世紀石階，材料跨越時間和文化，日式工藝的輕盈感與英國古典建築的厚重彼此對照、也互相映襯。

即便隈研吾事務所（KKAA）已是全球規模最大的建築團隊之一，其仍然堅持透過這些小型計畫，找到持續創新的能量。隈研吾曾表示：「大多數業主都非常注重安全，希望重複既有的設計方式，只有在這些小實驗中，我們才有機會挑戰未知或是測試新材料。」

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00