面對工業化的大量生產，製作傳統工藝的技術、技法該如何延續、傳承至下一代，並讓傳統工藝品仍被廣泛地運用於現在生活中，是全世界都在思考的重要課題。日本如何走出傳統工藝產業的經營困境，在今年的富山大展中或許可見一斑。

為了振興與推廣傳統工藝，日本官方與民間組織，共同將每年11月訂為「傳統工藝月」，正逢今年3月北陸新幹線的開通，前往富山、金澤地區的觀光人數大增，第32屆的日本全國傳統工藝大會即選擇於富山縣的高岡市舉行。

走入主展場中央，高達五公尺的「高岡御車山」，姿態絢爛華麗、氣勢驚人。自1588年流傳自今的高岡御車山祭典，是日本極少數同時被指定為「有形民俗文化財」與「無形民俗文化財」的重要文化遺產之一（目前僅有五項活動獲此殊榮），一台車山從最頂端到車輪，結合了銅器、漆工、金工、織染、和紙等頂級的高岡傳統工藝技術，以現今的幣值換算，若要打造一台全新的車山，費用為三億日幣！當然，在祭典中所出現的七座御車山皆是傳承自世代先祖之手，早已是無價之寶，是高岡人最自豪的文化。

以御車山為中心，展場分為數區，「傳統工藝交流廣場」中聚集了來自全國各地的工藝職人，如播州毛鉤、高岡漆器、加賀友禪、博多人形等，於現場為大眾展示實作，想小試身手的人可以參加體驗活動，在專家的指導協助下，化身為「一日職人」。在「傳統工藝士作品」區中，是資深工藝士們以數十年的精煉技術與生命故事所交織出的最新創作，吸引許多想趁此機會一次收藏到多項珍品的收藏家或海外買家前來挖寶。

此次大展唯一受邀展出的海外單位，即是由文化部指導，台灣創意設計中心執行的「FRESH TAIWAN」，以自然、環保為題，主展品為德國設計大師Konstantin Grcic設計、台灣竹藝家陳高明手工打造的懸背椅「Chair-43」，這只懸背椅將台灣孟宗竹柔軟而韌性十足的特質，與台灣竹藝的高度純熟技藝一表無遺，許多日本職人試坐之後，皆出聲詢問製作方式，對於竹編工藝技術展現濃厚的興趣。

四百年的鑄器工藝產業 革新再起
日本現在由國家所認定的傳統工藝品共有222項，傳統工藝士則超過千人，在不同地域中，經由漫長的歲月、風土所滋養孕育的各式工藝品，豐富了日本人們從古自今的庶民生活。每一項所呈現的都是當地獨一無二的歷史、文化、物產（原料）、與先人智慧的結晶。此次負責主辦的富山縣，其高岡銅器工藝的歷史即可追溯至1611年，一開始只是使用鐵來製作生活必需品，而後開始以銅器製作梵鐘和燈籠、佛具和首飾等，成為日本一大重要的鑄器產地。現在高岡市約有60家經營銅器工藝的品牌或公司，年總銷售額達一百億日幣，市佔率高達全國的90%。如此繁榮的前景下，其實早在15年前，高岡銅器和其他所有傳統工藝產業一樣面臨產業的嚴苛寒冬，銅的價格逐年增加，大型雕像、宗教用具等，造價高昂，非一般人日常生活所需，加上年輕人對於古老的工藝技術沒有興趣，許多老字號的公司銷售不佳，且後繼無人，紛紛倒閉。在這樣的深淵谷底，製錫工藝品牌「能作」（NOUSAKU）自2006年開始突破傳統，製作符合當代實用的錫製品。

傳統工藝× 設計
「能作」的繼任者，為了突破經營困境，開始思考除了鑄銅之外，是否有新的創作材質。其中最引人注目的即是「錫」的使用，純度100％的錫，質地非常柔軟，不同的形狀和厚度，都能依使用者的使用需求，單單以手自由地彎曲改變造型。以此概念所設計出的生活用品不僅在日本，在海外市場上也受到高度的注目與歡迎，此舉讓其他公司也找回信心，開始嘗試開發新的商品設計。

能活用於日常生活的設計思考，將引以為傲的傳統工藝，加上嶄新的鍛造技術，如新的銅合金著色技術，運用在各種金屬材質上，讓高岡銅器的工藝產業經營漸漸回升，不再是距離遙遠的古老工藝，而是每天都可以愉快使用的生活道具。

次世代的教育學習

當民間的力量奮起，政府機關除了出資扶植研發計畫，也從教育著手深耕。高岡市區的所有小學都有工藝品的製造設計課，孩子們可以依照自己的愛好選擇學習不同的工藝技法，高中開始設有「縣立工藝高等學校」，大學的設計系也設有工藝科；40歲以下的工藝師們，更自組成立了高岡傳統產業青年會，試著用更年輕的語言，宣揚傳統工藝的價值。次世代的創作展覽現場便可看到他們用48張照片，紀錄分享工藝師們才會知道的48個創作現場小秘密。

從小到大，全方位無斷層的工藝教育與學習，或許正是使富山傳統工藝成功接續走向未來的重要因子。

Text、Photo / 黃阡卉

via / 日本富山縣政府、台灣創意設計中心

【完整內容請見《LaVie》2015年12月號】

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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