IF OFFICE創意總監馮宇談設計:「如果滿足了功能性, 美感就會出現了」

如果滿足了功能性, 美感就會出現了─專訪IF OFFICE馮宇

公家機關如何定義美學,馮宇曾在網路上發表了一篇關於高鐵車票排版方式的文章,引起網友們的熱烈討論,有人覺得好看、有人則否,面對正反兩面的評價,馮宇則說:「重新設計高鐵車票這件事,對我來說,不是圍繞在漂不漂亮,而是票面上所提供的情報資訊,是不是真的做到溝通傳達的功能。」

 

請先釐清,為誰而做的設計?
作為一位與產業界合作密切的設計師,馮宇對於設計與日常生活的關聯性,保持著高度的關注,而在談到當談設計美感與大眾生活的關聯時,馮宇認為,世代差異會造成審美眼光的不同,現在20、30歲年齡層的世代,對於日活日常的空間、物件、甚至是自己臉書選用的圖片都有很高的敏感度,以消費面來看,這代表著全方位的體驗經濟趨勢。任何一類品牌,都已經不能只靠理性在市場上存在,消費者在感性層面的認同,才能建構出完整的品牌價值。而若回到設計的角度來看,還是有先滿足功能,其次才是滿足美感情趣的先後順序。

 

而當討論主題是具有一定公共性質的物件時,就更必須避開主觀成分偏高的變數,應該將問題回歸到「這樣的設計是為了誰而做?」以針對老年人使用的物件來說,為了應對上了年紀的視力問題,將文字級數放大,是必要的優先調整,而美感則是最後階段的微調。

 

此外,設計介入的合理性也需要被檢核。馮宇舉例說,曾接到某政府機關的委託,希望能重新設計洗手間上的男女標示圖案,希望能改變女性穿裙子的既有圖式,來宣導兩性平權的觀念。「我當下反問了兩個問題,現有的標示在區分男女廁所上有什麼不足嗎?在大家趕著進洗手間時,看到一個不是穿裙子的女士圖示,能夠頓悟兩性平權的觀念嗎?」馮宇的提問一出,這個委託案不久後也就隨之消失。

 

用設計實踐的理想性格
與以上的案例呼應,在現實世界中多數的情況是,設計專業在商業運作的邏輯中比較容易被導入,反倒在政府機構或具公眾性質的單位,獲得正確重視的難度相對高,針對這樣的難處,馮宇直言,「台灣的政府運作機制重防弊,勝過於興利。此外,政府的格局和視野也是關鍵。」

 

雖說深知現實環境的挑戰,但馮宇仍是一位帶著理想性格的設計師。從他收到當時仍默默無名的「美感細胞─教科書改造計畫」團隊邀約時,二話不說答應無償協力的作風可見一斑。「也沒多想就只是覺得他們在做對的事情」,馮宇回答得謙虛,還不忘語帶幽默地補充,「也因為我女兒也要上小學一年級了啦。」

 

即使是參與「美感細胞」的教科書改造計畫,馮宇也沒忘記功能的重要性。他在課本封面新增設計了一道摺口,看似簡單的設計卻獲得老師們的一致好評,因為小朋友們常常忘記上回老師教到哪頁,而每回上課老師總要浪費許多時間讓全班都翻到正確的頁數。「有了那個摺口,老師和小朋友們就可以直接進入正題、開始上課」,教科書改造計畫的張柏韋,在觀察實際上課情形後如此與我們分享。

 

封面藏扇子,讓孩子們感覺文化的趣味
做設計必須先考量功能之外,馮宇也說他在心目中,「無論設計、或美感,文化都是排在最高位階的。」訪問前幾天才剛又去逛過故宮的他直言,「有人說故宮收藏的文物代表的不是台灣文化。我倒覺得應該要將層次拉高一點看,不要受政治干擾」。

 

為小學一年級生設計的最新版課本封面上,就被他藏了一把芭蕉扇的輪廓,馮宇笑說「好啦,我還是想偷渡一點文化意涵進去的。古時候人們不都喜歡在扇子上寫字題詩,現在就改讓小朋們貼注音符號貼紙吧!」

 


Text / 方敘潔
 Via / 馮宇

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年4月號

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

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After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
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Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

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(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

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另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

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(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)