如同拍攝時代劇般，講求嚴謹的製作團隊會先針對特定年代的時代背景進行鉅細彌遺的研究與考證，以確保出現在戲劇中的服裝、道具及場景能如實呈現。法國插畫家安妮葛琴歌（Annie Goetzinger）在著手創作時尚繪本小說《Dior：穿迪奧的女孩》（Jeune Fille en Dior）之前，也對克里斯汀迪奧（Christian Dior）先生的生平做了大量的研究，不但親自在Dior的資料庫考證相關史實，還訪問了在品牌創立之初就與迪奧先生一起工作的裁縫師們，也正是因為如此的重視細節，才讓這本以大量史實為藍本的繪本小說，耗費了兩年的時間才完成。

《Dior：穿迪奧的女孩》透過一個虛構的時尚雜誌小記者克拉拉，帶領讀者見證迪奧先生從創立品牌到辭世這段期間的訂製服生涯。書中以大量史實為藍本，細細刻畫出巴黎那段惶惶不安與緬懷逝去美好年代的浪漫歲月，書末更附上Dior的22個系列中最具代表性的服裝作品複刻插畫、迪奧先生的生平事紀，還有時尚知識如布料、配件以及工坊職員表等資料。

安妮葛琴歌表示，「開始畫這個故事的時候，我將背景設定在1947年2月12日到1957年10月迪奧先生在義大利心臟病發過世的這10年間，如此一來，我就能呈現品牌的設計及發展，直到成為我們今日所熟悉的Dior帝國。接下來，我還需要另一個角色來凸顯迪奧，這個角色不能是迪奧團隊中的一員，她會是個完全虛構的角色，但我希望她充滿真實感，只要漂亮優雅，知道如何走台步，並且散發魅力，人人都能成為模特兒。克拉拉這個角色在故事開頭沒沒無名，後來在迪奧公司脫胎換骨，變身為美麗優雅的巴黎女孩。」

而克拉拉這個角色的靈感來源，其實是來自美國影星奧黛麗赫本（Audrey Hepburn）。雖然這位50年代極具代表性的人物從未與Dior合作過，但她在電影《甜姐兒》（Funny Faces）的優雅形象深植插畫家的心中，「我其他漫畫裡，女性都是一般女性，她們是職業女性，就像這本書的一開始，克拉拉是個一般的年輕女性，一名年輕記者，她的穿著並未非常優雅。對我來說，『簡單』就是優雅的原則，迪奧也同意『少即是多』，我認為優雅的女人知道自己適合什麼，她們的穿著和內在達到完美的平衡，散發無以名狀的魅力。」

1951年生於巴黎的安妮葛琴歌，成長於一個裁縫師的洋裝製作家庭，以對於服裝描繪的細膩程度聞名歐洲漫畫界，本身也是名舞台服裝設計師的她，決定創作時尚繪本小說，可說是再自然不過的事。由於當時市面上已有大量關於可可香奈兒（Coco Chanel）、依夫聖羅蘭（Yves Saint Laurent）的書籍和電影，因此她選擇了相形之下較少人介紹的克里斯汀迪奧為主題。

曾在1975年拿下安古蘭漫畫節（Festival d’Angoulême）最佳新人獎（Prix du meilleur espoir）、1977年奪得最佳法文紀實漫畫獎（Prix de la meilleure œuvre réaliste française），安妮葛琴歌的作品常以史實以及人文關懷為主題，在創作《Dior：穿迪奧的女孩》之前，首先她閱讀許多關於迪奧先生的資料，包括他的自傳和當時那個年代的書籍，「我擁有一個很好的圖書室，裡面全是關於時尚的書，因為事實上，我總是以一種根據事實為藍本的方式工作，我大多數的漫畫都是設定在過去，因此為了要有復古懷舊的感覺，你需要許多的細節，包括車子，當然還有男男女女的穿著，以展現那個時代的氛圍。」

為了能夠接觸到更多關於迪奧先生的第一手資料，安妮葛琴歌主動與Dior的巴黎總部聯絡，讓他們了解這個企劃的內容，「首先我讓他們看一些圖畫，讓他們知道我能夠繪製服裝，這服裝並非一般的服裝，而是高級訂製服，這當中稍微有點差別。他們對我非常好，也提供了許多協助，讓我看資料庫、日期和照片，我也需要一些談話的細節，尤其是關於時尚的談話，有些套裝的細節、剪裁的細節，我也訪問了在迪奧先生1947年自創品牌時，就與他共事的裁縫師們，她們當時才17歲，你可以想像這些銀髮熟女們，她們很樂於談論那段時期，她們正值青春年華，那時第二次世界大戰剛結束，對她們來說，就像一場冒險。」

一改以往與腳本作家合作的方式，這次安妮葛琴歌嘗試自己寫腳本，她先繪製構圖和分鏡，擬定故事線，確立故事方向，決定哪些情節要保留，哪些要刪去，私心想呈現高級訂製服的安妮葛琴歌，認為它就代表著精準的剪裁、獨特貴重的布料材質、刺繡與精湛工藝，「我想要呈現的不僅是迪奧本人的性格，還有他工作的細節。從最初的手稿繪製，到將手稿發給不同的工坊，像是洋裝工坊、套裝工坊，不但要有很好的點子，也要有優秀人才將它們製作出來，這是很有趣的。一開始只是張草圖，但這些工坊中的女性都經驗豐富，手藝精湛，她們能夠了解，然後裁剪、製作出這所有的服裝，我非常崇拜。」

雖然能夠接觸品牌的資料庫，觀察實際的服裝，但安妮葛琴歌認為，展示在人台上的服裝少了生氣與新鮮感，因此她創作時大多是參考當時舊照片，「一張50年代的照片是較為新鮮的，它有趣是因為那是有生命力的洋裝，因為是穿在真的人身上，也因為當時女性不是像現在走在伸展台上，她們當時比較像舞者，她們雙腳的站姿也改變許多，還有她們都在微笑，現在她們不被允許微笑。」

儘管服裝上有種種繁複細節，但安妮葛琴歌認為，創作這個繪本小說最棘手的部分是在繪製迪奧先生，「他是公眾人物，也留下不少歷史照片，我必須抓住他的神韻，無論如何，這不是任何人的迪奧，而是我筆下的迪奧。」

「他是個非常有創意且認真的人，也很害羞，他過的不是一種很鋪張高調的生活，他有一些親密好友，並把私人生活與公眾生活分得很清楚。」若迪奧先生還在世，讀了這個故事可能會有怎樣的反應？自認蠻了解迪奧先生的安妮葛琴歌說：「他很有幽默感，也愛開玩笑，所以我想最開心的事情莫過於，他用調皮的眼神看著我，並對我說，『沒錯，就是這樣，葛琴歌小姐。』要是可以聽到他這樣說，那該有多好。然後我會說，『先生，榮幸之至。』就像那些技藝高超的裁縫師說的。」

Text、Photo / BeautiMode

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」