如同拍攝時代劇般，講求嚴謹的製作團隊會先針對特定年代的時代背景進行鉅細彌遺的研究與考證，以確保出現在戲劇中的服裝、道具及場景能如實呈現。法國插畫家安妮葛琴歌（Annie Goetzinger）在著手創作時尚繪本小說《Dior：穿迪奧的女孩》（Jeune Fille en Dior）之前，也對克里斯汀迪奧（Christian Dior）先生的生平做了大量的研究，不但親自在Dior的資料庫考證相關史實，還訪問了在品牌創立之初就與迪奧先生一起工作的裁縫師們，也正是因為如此的重視細節，才讓這本以大量史實為藍本的繪本小說，耗費了兩年的時間才完成。

《Dior：穿迪奧的女孩》透過一個虛構的時尚雜誌小記者克拉拉，帶領讀者見證迪奧先生從創立品牌到辭世這段期間的訂製服生涯。書中以大量史實為藍本，細細刻畫出巴黎那段惶惶不安與緬懷逝去美好年代的浪漫歲月，書末更附上Dior的22個系列中最具代表性的服裝作品複刻插畫、迪奧先生的生平事紀，還有時尚知識如布料、配件以及工坊職員表等資料。

安妮葛琴歌表示，「開始畫這個故事的時候，我將背景設定在1947年2月12日到1957年10月迪奧先生在義大利心臟病發過世的這10年間，如此一來，我就能呈現品牌的設計及發展，直到成為我們今日所熟悉的Dior帝國。接下來，我還需要另一個角色來凸顯迪奧，這個角色不能是迪奧團隊中的一員，她會是個完全虛構的角色，但我希望她充滿真實感，只要漂亮優雅，知道如何走台步，並且散發魅力，人人都能成為模特兒。克拉拉這個角色在故事開頭沒沒無名，後來在迪奧公司脫胎換骨，變身為美麗優雅的巴黎女孩。」

而克拉拉這個角色的靈感來源，其實是來自美國影星奧黛麗赫本（Audrey Hepburn）。雖然這位50年代極具代表性的人物從未與Dior合作過，但她在電影《甜姐兒》（Funny Faces）的優雅形象深植插畫家的心中，「我其他漫畫裡，女性都是一般女性，她們是職業女性，就像這本書的一開始，克拉拉是個一般的年輕女性，一名年輕記者，她的穿著並未非常優雅。對我來說，『簡單』就是優雅的原則，迪奧也同意『少即是多』，我認為優雅的女人知道自己適合什麼，她們的穿著和內在達到完美的平衡，散發無以名狀的魅力。」

1951年生於巴黎的安妮葛琴歌，成長於一個裁縫師的洋裝製作家庭，以對於服裝描繪的細膩程度聞名歐洲漫畫界，本身也是名舞台服裝設計師的她，決定創作時尚繪本小說，可說是再自然不過的事。由於當時市面上已有大量關於可可香奈兒（Coco Chanel）、依夫聖羅蘭（Yves Saint Laurent）的書籍和電影，因此她選擇了相形之下較少人介紹的克里斯汀迪奧為主題。

曾在1975年拿下安古蘭漫畫節（Festival d’Angoulême）最佳新人獎（Prix du meilleur espoir）、1977年奪得最佳法文紀實漫畫獎（Prix de la meilleure œuvre réaliste française），安妮葛琴歌的作品常以史實以及人文關懷為主題，在創作《Dior：穿迪奧的女孩》之前，首先她閱讀許多關於迪奧先生的資料，包括他的自傳和當時那個年代的書籍，「我擁有一個很好的圖書室，裡面全是關於時尚的書，因為事實上，我總是以一種根據事實為藍本的方式工作，我大多數的漫畫都是設定在過去，因此為了要有復古懷舊的感覺，你需要許多的細節，包括車子，當然還有男男女女的穿著，以展現那個時代的氛圍。」

為了能夠接觸到更多關於迪奧先生的第一手資料，安妮葛琴歌主動與Dior的巴黎總部聯絡，讓他們了解這個企劃的內容，「首先我讓他們看一些圖畫，讓他們知道我能夠繪製服裝，這服裝並非一般的服裝，而是高級訂製服，這當中稍微有點差別。他們對我非常好，也提供了許多協助，讓我看資料庫、日期和照片，我也需要一些談話的細節，尤其是關於時尚的談話，有些套裝的細節、剪裁的細節，我也訪問了在迪奧先生1947年自創品牌時，就與他共事的裁縫師們，她們當時才17歲，你可以想像這些銀髮熟女們，她們很樂於談論那段時期，她們正值青春年華，那時第二次世界大戰剛結束，對她們來說，就像一場冒險。」

一改以往與腳本作家合作的方式，這次安妮葛琴歌嘗試自己寫腳本，她先繪製構圖和分鏡，擬定故事線，確立故事方向，決定哪些情節要保留，哪些要刪去，私心想呈現高級訂製服的安妮葛琴歌，認為它就代表著精準的剪裁、獨特貴重的布料材質、刺繡與精湛工藝，「我想要呈現的不僅是迪奧本人的性格，還有他工作的細節。從最初的手稿繪製，到將手稿發給不同的工坊，像是洋裝工坊、套裝工坊，不但要有很好的點子，也要有優秀人才將它們製作出來，這是很有趣的。一開始只是張草圖，但這些工坊中的女性都經驗豐富，手藝精湛，她們能夠了解，然後裁剪、製作出這所有的服裝，我非常崇拜。」

雖然能夠接觸品牌的資料庫，觀察實際的服裝，但安妮葛琴歌認為，展示在人台上的服裝少了生氣與新鮮感，因此她創作時大多是參考當時舊照片，「一張50年代的照片是較為新鮮的，它有趣是因為那是有生命力的洋裝，因為是穿在真的人身上，也因為當時女性不是像現在走在伸展台上，她們當時比較像舞者，她們雙腳的站姿也改變許多，還有她們都在微笑，現在她們不被允許微笑。」

儘管服裝上有種種繁複細節，但安妮葛琴歌認為，創作這個繪本小說最棘手的部分是在繪製迪奧先生，「他是公眾人物，也留下不少歷史照片，我必須抓住他的神韻，無論如何，這不是任何人的迪奧，而是我筆下的迪奧。」

「他是個非常有創意且認真的人，也很害羞，他過的不是一種很鋪張高調的生活，他有一些親密好友，並把私人生活與公眾生活分得很清楚。」若迪奧先生還在世，讀了這個故事可能會有怎樣的反應？自認蠻了解迪奧先生的安妮葛琴歌說：「他很有幽默感，也愛開玩笑，所以我想最開心的事情莫過於，他用調皮的眼神看著我，並對我說，『沒錯，就是這樣，葛琴歌小姐。』要是可以聽到他這樣說，那該有多好。然後我會說，『先生，榮幸之至。』就像那些技藝高超的裁縫師說的。」

Text、Photo / BeautiMode

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展