成日身處在喧囂城市的我們，對於眼前千篇一律的巷弄色調與鋼筋水泥景致，似乎早已進入麻痺階段，關於城市的印象還是回憶，或多或少都覺得談起來有些索然無味，不過若是轉換切入點，試著以「高度視角」重新凝視，或許能夠發現另一處我們還未嘗體驗過，甚至感到有些新奇的美麗境界。

事實上，這裡所強調的「高度視角」，並非單純地要你親身攀高望遠，拜現代科技術所賜，無人空拍機使用越來越普及，不少攝影好手紛紛投入這新興領域，突破過去拍攝時所遇到的角度、高度等限制，藉由智慧型攝影鏡頭，化身為如老鷹般銳利的雙眼，捕捉下一幕幕你我過去未曾看過壯觀又震撼的畫面。順應這股航拍攝影潮流，知名無人機影像作品分享網站Dronestagram也在過去四年間定期舉辦「國際無人空拍機攝影比賽」(Drone Photography Contest)，盼望透過這項攝影大賽，進一步推廣與鼓勵攝影師們投入無人空拍機創作！

今年Dronestagram再度攜手美國《國家地理》(National Geographic)雜誌，除了既有自然（Nature）、人文（People）、城市（Urban）項目外，今年也新增創意（Creativity）類別，分別從這四個領域中，共8000多張攝影相片中挑選出各組最佳前三名。從空中看下景象到底有多美？或許下面這些得獎作品，會讓你得到一場難忘的視覺饗宴！

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自然組

自然組冠軍由攝影師Jerome Courtial獲得，其名為「Summer Trim 夏季修剪」的攝影作品，描繪了南法普羅旺斯薰衣草收割時的美麗景致，「我去了趟瓦朗索爾，在那裡我想拍下單純原始的面貌，而非有著經典日落當背景的景象，」他解釋道，「那是收穫季節的開始，我一直追捕尋找著農耕機的蹤影，然後耐心地等待着有人開始收割的那一刻，進而從空中拍下令人愉悅的構圖。」。

擔任本屆評審之一的攝影編輯Jeff Heimsath則力讚：「身為一名旅遊攝影編輯，我看遍了無數有關薰衣草花田的相片，但我從未見過一張如此充滿抽象概念又美麗的手法作品。」。

獲頒第二名的為羅馬尼亞攝影師Calin Stan所拍攝的「Infinite Road to Transylvania」作品，關於這張通往羅馬尼亞城市辛格索拉九彎十八拐的蜿蜒公路攝影，他說：「在這條公路上有個傳說，他們說這裡是吸血鬼德古拉伯爵在夜間飛行時必會看見的景色。」。

第三名則是由法國攝影師Florian Ledoux所拍攝的「Ice Formation」，他遠赴格陵蘭東部拍下冰結形成的壯麗景象，他表示無人機在格陵蘭島飛了近三公里之遠，加上不能確保機器能在零下極凍氣溫中正常運作，拍攝工作可說是難上加難。

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人文組

人文組方面，攝影師Martin Sanchez拍攝紐澤西網球場的作品「End of the Line 終點線」得下優勝，在一片空蕩蕩的藍色網球場中，一名運動員巧妙地踩在比賽球框邊緣，搭配上週遭的天空藍色彩，看起來既像是從空中落下又像是準備掉進水池裡，十分有趣，他表示：「當你走在新世界的環境內，你會忘記了什麼是上、什麼是下。」。

第二名與第三名則分別頒給越南攝影師Lê Thái Duơng在越南湄公河三角洲所拍下拾睡蓮女子的作品「 Waterlily」。

西班牙攝影師Javier Bustamante 在西班牙坎塔布里亞Silio鎮冬季化妝舞會得空拍作品「La Vijanera」。

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城市組

城市組第一名殊榮由阿拉伯攝影師Bachir Moukarzel拍攝杜拜櫛比鱗次摩天樓景觀的作品「Bachir Moukarzel 都市叢林」奪得。

第二名為捕捉位於俄羅斯莫斯科的「Dawn on Mercury Tower 水銀城市大廈」，當時清潔工們正垂釣著清洗大樓的玻璃，而偌大的玻璃窗戶則在陽光下反射著街景市容。

第三名則由看似麥田圈，實則為西班牙攝影師Luis Saguar Domingo所拍攝位於馬德里，同時也為世界上最大公墓之一的Our Lady Of Almudena Cemetery空拍景觀，中間用十字分割同時以圓形狀向外擴散，規則又充滿寧靜的景象也讓這幅作品被定名為「Peace」。

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創意組

今年才新增的創意類別，獲選的三幅作品並未分先後排名，第一幅作品出自南非攝影師Luke Maximo Bell之手，他在南非帕爾某個寒冷的早晨於河邊巧遇正在飲水的兩頭母牛，如此祥和的場景吸引了他的注意，因而啟用無人機空拍下「Two Moo」。

第二幅作品為充滿濃情密意的創意之作，由攝影師Thibault Beguet拍下的「Next Level」記錄了他與愛人的喜訊，即將晉升新手爸媽的兩人，透過俏皮的影像方式，以獨特又可愛的視覺向朋友和家人報喜。

最後一幅作品同樣帶著童心未泯的氛圍，攝影師Romain Gaillard的作品「Ugo sur la plage」將沙灘變身一張大自然畫布，化身寫手將兒子放進他所構築的危險沙灘海故事中，趣味十分。

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Text / Ian Liu

Via / DailyMail、Dronestagram

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

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Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」