廖若涵的「導演日常」: 很暴力,可是很溫柔

廖若涵的「導演日常」: 很暴力,可是很溫柔

不是故意的,但那天的情況搞得有點像是在做隔離審訊。

 

排練行程很滿,四個演員李劭婕、呂名堯、林曉函和劉哲維,輪流偷了夾縫般的時間到排練場隔壁的房間來,接受我們的提問。把這四個人的名字串在一起,猜一個我們所要談論的對象─熟悉劇場的人大概可以很快的給出正確答案:廖若涵。

 

關於與這位風格強烈的導演共事多年的感受,四人的說法大大的出人意表,以至於在那過程當中,我感覺到自己幾度壓住心裡那個不太禮貌的問號:你們說的真的是那個廖若涵嗎?可又不像是場面客套或者遭受脅迫的樣子。

 

不是故意要心存懷疑,但那與她的作品帶給觀眾的印象實在有著很大的差距。

 

其實不然的風格導演

稍早以前,我們參與了台南人劇團《無差別日常》的第一次整排。剛剛抵達排練場門口的時候,只不過稍微拉開一條小門縫,便感到有一股強大的氣壓冷不防地衝了出來――那個比較符合我們原先以為的廖若涵的樣子。

 

整排當中,我幾度偷眼看她,每回都是讓人參不透情緒的、認真嚴肅的表情。我趕緊在心裡預設的框裡打勾勾,嗯對,評論人們口中簡約、冷調、執著、堅持細節的風格導演,好像就應該是這個樣沒錯。

 

接著是獨特的聲響策略,打勾,極限的肢體律動,打勾,再看此次作品的文宣裡是怎麼講的:「日常生活是一把隱形的刀,在安靜的時間中,留下一道道傷口。你不知道它什麼時候,會將你完全割開――你只有等。」日常生活中無以名狀的暴力,打個超級大勾勾,這無疑就是廖若涵!

 

然而演員們卻不約而同的表示:她很溫暖。

 

「我也是可以很溫馨的。」

和她對上話的時候,便立刻被收買了。她的眼神堅定,說話的拍子很快,可是真的一點都不冷,甚至還有些可愛。「我也是可以很溫馨的。」她那一秒變卡通的表情,讓人想起她其實也有《安平小鎮》和《阿章師の拉哩歐》那類暖呼呼的作品。

 

起先念的是台大外文,在英美文學的世界裡迷上了戲劇但真正讓她決心一頭栽進去的關鍵,是到柏林當交換學生的那一年。「在柏林看了很多我以前讀過的劇本的實際製作演出,他們的戲大都形式非常的強烈,這件事情很吸引我,回來之後就決定去讀戲劇研究所。」

 

原本只是單純的想要多知道一點關於戲劇的事情而已,卻「因為好奇和一時貪玩」跑去大學部修了好幾堂沒有學分的導演課,而後發現自己「可以為了排練一個東西所有的事情都不管」。同時這些課也讓她自己被發現:在台大授課的台南人劇團藝術總監呂柏伸,邀了這名學生當導助,然後很快地,就給了她獨力執導的機會。

 

頭一個作品《遊戲邊緣》就被扣上「嘶吼系劇場新美學」這樣猛烈的記號,視覺和肢體都帶有強力的衝擊感。「但當時我還沒有非常自覺到這個,其實真的是因為那個劇本、題材,還有兩個演員,李劭婕和黃怡琳都是直覺性非常強的演員,所以我也覺得很幸運,第一次導演可以跟她們一起工作,發現了排練場裡的『動物性』這件事情,可能因為跟同樣的人在一起就被觸發了。」

 

接而繼之的《行車記錄》,繼續探觸日常生活的禁忌話題,也藉由這個天生帶有突出聽覺感的劇本,開啟了她後來一直被反覆提起的劇場聲音實驗。她自己感覺,一路發現、累積的這些創作線索,是在《游泳池(沒水)》這個作品裡很具體的被完成為一種形式,「可能每個導演都會有一個想要說話的工具,那個工具對我來講,就是怎麼樣去把原本可能很寫實的台詞,可以內化、再內化,變成一種能量在舞台上被呈現出來。」

 

我們習慣把那種東西叫做「導演風格」,不過若涵強調,那不光是出自她的個人意志,之所以能夠達成,很大的程度仰賴與她一路緊密合作的演員(也就是被我們隔離審訊的那幾位)和工作夥伴們。

 

走極端的一幫劇場暴力份子

這幫人從《游泳池(沒水)》、《阿拉伯之夜》,一路相偕到即將上演的《無差別日常》,在此之前用的都是已經編寫好的當代文本,難免有一種「穿別人的衣服」的感覺。這回他們決定要靠得更緊一些,用集體創作的方式更直截的說出想要說的話。

 

前期由若涵和編劇趙啟運彼此拋接,決定某些特定的方向,把焦點落在無差別攻擊和潛存於日常生活中的幽微暴力。再根據這個基礎的底稿,與演員花了很長的時間在排練場做即興發展,挑剔地拾撿、打磨每一個微小的片段,最終把劇本更動了七八成之多。

 

「我之所以很喜歡跟這群演員工作,也是因為在每一次的排練裡我都可以感覺到,我們是很專注的在追求每一個細節。一起工作的時候,因為我們有共同的理念,所以大家真的都會用─我覺得真的是蠻極端的方式,盡力完成所想到的一百個細節。我覺得會感覺到作品裡有一個強烈的意志力,應該也是和這種極端有關係,我們幾個都是這種人,所以即使是在某種很困難的狀態之下,我們還是會想要去實現。」

 

這種工作方法因為深挖個人私密的情感經驗,隨時都有探底的危險,因而若涵一直非常在意成員的感受,「排練場裡必須要是一個大家感覺很安全的環境,才有可能去做這些很危險的嘗試。」

 

顯然她做得很好,因為每個演員都主動跟我們提起了這點。

 

應該還有更多其它的形容詞

「也許我的作品在主題和表達方式上會讓人家覺得很暴力,但是我覺得,有很多時刻那些角色是很脆弱的,或是很柔軟的,這樣的東西它好像沒有辦法被剝除,沒有這些脆弱或柔軟的話,那個暴力不會被呈現,或者說,它也不會顯得那麼暴力。」

 

我感覺那樣的冷酷裡面其實有著很強烈的溫柔,就像是生活中會認真戳你的,往往是真心想要跟你講些什麼的人。而不管是廖若涵或者是她的作品,其實就像她自己講的:「我覺得應該還有很多很多其它的形容詞,如果我們更認識的話。」

 

 

Text / 洪瑞薇

Photo / 台南人劇團

※本文由Qbo藝文頻道授權刊載,未經同意禁止轉載。​

衛武營躋身國際頂尖藝文場館!勞力士跨域許諾支持:在台引進世界級演出,以爆紅假聲男高音《超越》揭新頁

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衛武營與勞力士啟動合作關係,可謂其走入全球頂尖文化機構網絡的重要里程碑。肩負「提升在地文化景觀,深化國際藝術連結」使命,雙方將致力匯聚世界級傑作於地方樞紐,續寫台灣表演藝術新頁。本文關注場館和品牌此前鋪陳與此後展望,同場邀你親臨觀賞預定2026年3月21日為計畫揭幕的精彩音樂會。

衛武營日前發表消息,正式宣布攜手瑞士鐘錶品牌勞力士(Rolex),未來共同秉持嶄新視角開創文化傳承的下一篇章。從耕耘台灣表演藝術能量,到涵養藝術底蘊而與世界密切對話,勞力士將以專屬鐘錶合作夥伴(Official Timepiece)之姿,協力場館推動國際大師和地方舞台間的高層次交流。有賴衛武營標誌性的旗艦歌劇製作等項目實踐,總體計畫期待在當代語境下重新詮釋經典與傳統,沿襲對藝術的不懈追求,締造跨越時間的文化資產。以下依序爬梳勞力士伸入多元範疇的品牌觸角、衛武營著眼在地並面向世界的發展願景,深究雙方合作脈絡及又一精品品牌力行藝術贊助的美談。

衛武營2018年啟用,化身「眾人的藝術中心」。(圖片來源:衛武營)
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營運上積極發展南台灣表演藝術環境,目標成為接軌國際的重要基地。(圖片來源:衛武營)
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勞力士|1976年結緣首位合作夥伴,積極促成藝術登峰

「恒動(Perpetual)」一字承載品牌價值,勞力士不僅專注彰顯製錶本業的精湛工藝與卓越品質,更充分肯定藝術在當今社會所扮演的重要角色:藝術家透過作品喚醒共通情感、聯繫群眾,不斷激發各樣創意——此時,品牌所為正是措置有利條件,助他們登峰造極。

回望逾半世紀歷程,勞力士自1976年與首位合作夥伴、著名女高音卡娜娃女爵士(Dame Kiri Te Kanawa)結緣以來,已建立和眾多藝術先驅的深厚關係,每位皆憑最高標準於所屬專業精益求精。後進一步與世界級藝術領域代言人及機構展開合作,使涵蓋建築、電影、舞蹈、文學、音樂、戲劇、視覺藝術的跨域支持計畫《藝術傳承・恒動不息(Perpetual Arts Initiative)》逐漸成形。至今仍持續與才華橫溢的創作者、頌揚非凡藝術成就的各地單位攜手並進;一來表彰傑出人才,二來培養後起之秀,供其機會攀自身高峰。上述內容以外,勞力士亦鼓勵體育和探險活動,且投入環境保護,展現關愛地球的企業態度。

衛武營與勞力士舉辦記者會,對外宣布專屬鐘錶合作夥伴關係;左起勞力士台灣分公司總經理林人和、勞力士大中華區行政總裁馬思明(Maxim Lamarre)、衛武營藝術總監簡文彬、衛武營營運副總監黃國威。(圖片提供:勞力士/攝影:Carlo Borlenghi)
衛武營與勞力士舉辦記者會,對外宣布專屬鐘錶合作夥伴關係;左起勞力士台灣分公司總經理林人和、勞力士大中華區行政總裁馬思明(Maxim Lamarre)、衛武營藝術總監簡文彬、衛武營營運副總監黃國威。(圖片提供:勞力士/攝影:Carlo Borlenghi)

2026年決意攜手衛武營,勞力士台灣分公司總經理林人和說明,「透過這次合作,我們不僅禮讚傳統,也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限,凝聚社群,激發對話;藉由此夥伴關係,衛武營與勞力士再次重申我們的承諾——持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

首檔演出預定迎來征服Z世代的歌劇巨星奧林斯基。(圖片提供:衛武營)
首檔演出預定迎來征服Z世代的歌劇巨星奧林斯基。(圖片提供:衛武營)

衛武營|從「眾人的藝術中心」躋身國際頂尖藝文場館

如藝術綠洲般坐落高雄鳳山,衛武營作為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院,由荷蘭麥肯諾(Mecanoo)建築事務所建築師暨共同創辦人侯班(Francine Houben)汲取靈感自當地常見的榕樹群,轉化樹冠盤根錯節的意象為流暢的白色波浪曲線,連綴主體建築獨特外觀。館內共設4座國際級場地,每年呈獻包括歌劇、音樂、舞蹈、馬戲、傳統戲曲等600餘場海內外藝術家演出,造訪人次超過150萬;其中尤具代表性的音樂廳採全台唯一的葡萄園式設計,經環繞舞台的階梯座椅堆疊全方位感官饗宴與聲學效果。

坐落高雄鳳山,衛武營現為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院。(圖片提供:衛武營)
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館內共設歌劇院(左上)、音樂廳(右上)、表演聽(左下)、戲劇院(右下)4座國際級場地。(圖片來源:Mecanoo)
館內共設歌劇院(左上)、音樂廳(右上)、表演聽(左下)、戲劇院(右下)4座國際級場地。(圖片來源:Mecanoo)

廳院間另規劃半戶外公共區域「榕樹廣場」,不使用直角牆體圍堵,轉藉樹蔭似的弧形鋼鐵頂棚模糊室內外邊界,讓風與光影得以自由穿透,實現該場館願成「眾人的藝術中心」之旨——既嶄露建築美感,甚透過開放的空間策略,將藝術自然融入居民日常,打造與世界連結的文化樞紐。

無圍牆的榕樹廣場24小時開放,民眾可自在活動和休憩。(圖片來源:衛武營/攝影:Iwan Baan)
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>> 延伸閱讀解密高雄「衛武營」全球最大單一屋頂劇院!荷蘭建築團隊Mecanoo、藝術總監探訪全台最大藝文場域秘辛

今再成為勞力士初次出手支持的台灣在地表演藝術中心,實屬躋身國際頂尖文化場館行列的象徵,衛武營藝術總監簡文彬表示,「衛武營自2018年啟用以來,便致力於體現『眾人的藝術中心』之願景,我們深耕歌劇、舞蹈與傳統戲曲,不僅是為了守護文化根基,更是為了在當代語境中尋求突破。勞力士對於卓越品質的極致追求與『永恆傳承』的堅定信念,與衛武營的發展策略極為契合。透過雙方合作,我們期許能讓台灣獨特的文化創意力獲得肯定,並在國際藝壇的舞台上展現獨特的光芒。」

承先啟後:力邀世界級藝術家來台,展望群星雲集的未來

過去即有過勞力士代言人、傳奇男高音Jonas Kaufmann在衛武營留下足跡。雙方啟動合作關係的首度對話,則由音樂會《超越(Beyond)》於2026年3月21日揭開序幕——自2025年起出任勞力士代言人、現下最受矚假聲男高音之一奧林斯基(Jakub Józef Orliński),將挾以風靡全球的舞台魅力和技巧,同台實力強勁的金蘋果古樂團(Il Pomo d’Oro),為台灣觀眾帶來同步世界的視聽體驗。

▼ 精彩片段搶先聽
奧林斯基X金蘋果古樂團《超越》預定2026年3月21日登場。(圖片來源:衛武營)
奧林斯基X金蘋果古樂團《超越》預定2026年3月21日登場。(圖片來源:衛武營)

勞力士多年來未停下擴展藝術合作版圖,除與米蘭斯卡拉歌劇院(Teatro alla Scala)、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院(Royal Ballet and Opera)、紐約大都會歌劇院(Metropolitan Opera)、巴黎國家歌劇院(Opéra national de Paris)、布宜諾斯艾利斯哥倫布劇院(Teatro Colón)等全球諸多頂尖歌劇院與表演藝術中心結為合作夥伴外,更涉足薩爾斯堡音樂節(Salzburg Festival)、聖靈降臨節音樂節(Whitsun Festival),並支持維也納愛樂(Vienna Philharmonic),憑其無與倫比的新年音樂會和仲夏夜音樂會聞名於世。今後與衛武營的合作深度,無疑也將步步體現於引進世界級演出的承諾上。

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美籍華裔作曲家黃若即將帶著開創性作品《浮聲之城》來台,試圖打破古典音樂聆賞與表演的場域界限,整場演出包含「城市之旅」及「現場LIVE演出」,於3/28-3/29在臺中國家歌劇院大劇院展開!

《浮聲之城》(City of Floating Sounds)顛覆傳統坐在台下聽台上音樂家的演奏方式,作曲家黃若將整座城市轉化成帶有流動特質的「城市劇場」(Theater for the City),觀眾使用手機帶路,人手一機播放特定音軌,眾人形成隨機的大合奏,路上經歷與所看、所聽,也都成為體驗的一部分。

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
黃若被《紐約時報》盛讚為「風格獨具的作曲家」,使用自名為「多維主義(Dimensionalism)」的技法,創作出流暢有機的融合風格。(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

黃若的音樂啟蒙來自作曲家父親黃英森,以他的琴藝與作曲概念為引導,經常帶黃若上音樂課的是母親,「母親雖不懂音樂,但她用頁碼、小節數來為我做筆記,那是非常珍貴的記憶。」

最初形塑黃若藝術觀點的,還可追溯到孩童時期接觸的戲曲文化。小時候在海南老家,跟著奶奶去看瓊劇的日子,是黃若最初的藝術啟蒙。「中國的地方戲曲,它既是劇,就有故事,有唱、有演、有武術打鬥。它不是Elite(菁英)文化,而是農村的人也可以看得懂、免費參與的公共藝術。」

(攝影:Wenjun Miakoda Liang)
作曲家黃若 ,畢業於上海音樂學院、歐柏林音樂學院、紐約茱莉亞音樂學院,擁有作曲碩士與博士學位。1995年獲瑞士國際電影音樂節「亨利曼希尼獎」,2008年贏得盧森堡國際作曲大賽首獎。(攝影:Wenjun Miakoda Liang)

這種「全民劇場」的公共精神,讓黃若對歌劇和戲劇性產生極大的熱情。而他走上作曲之路則源於一次驚險的演出經歷。「有次在台上演奏,我忘譜了。老師之前告誡我『千萬不要停下來,也不要從頭開始』,我後來就自己Improvise(即興創作),就這樣彈下去了。」演出後,老師告訴他的父親,「這孩子成不了鋼琴家,但可以考慮走作曲的路。」黃若的創作之路,正是源自對「即興」與「不受限制」的熱愛。

(攝影:Chris Payne)
(攝影:Chris Payne)

以手機科技為介面,翻轉隔閡為連接

《浮聲之城》的靈感始於2017年,黃若參與曼徹斯特國際藝術節期間生根發芽。當時,他對於一座城市如何說故事深感著迷,並嘗試結合互動性與場域特定的聲音景觀。黃若表示,他一直希望有一部參與者可以生活在音樂裡,並直接和城市景觀、周圍人群互動的作品。

(攝影:Chris Payne)
《浮聲之城》2024於英國曼徹斯特Aviva Studios首演紀錄。(攝影:Chris Payne)

經過多年發想,《浮聲之城》隨之而生,2024年6月在曼徹斯特全球首演,7月到紐約演出,2025年10月於北京呈現。黃若將這種體驗擴展成一場城市活動,讓觀眾真正成為交響樂的一部分,將他們的腳步與存在編入音樂紋理,讓城市本身成為流動的舞台。順應不同的城市,有不同的路線設定。

黃若坦言,他是帶著對現代都會人際關係的反思,進而萌生了《浮聲之城》的創作理念。他觀察到,現代社會中,智慧型手機雖然是為了連接和聯絡而生,卻經常成為人與人之間最大的隔閡。「有時雖然家人、朋友在同一個客廳裡,但每個人都在自己的電子產品上,沒有人講話,沒有人交流。Technology(科技)實際上是隔閡了我們。」

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
人們從城市各處匯聚音樂廳,體驗共創音樂的高潮,將打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

如何將城市裡的人們透過一部作品連接起來?他決定反轉手機的孤立功能,讓它成為分享的工具。即使是平常沒有習慣進劇場、聽音樂會的人,也會想參與的作品。

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

從室外走向室內的動態樂譜

要欣賞《浮聲之城》,首先必須完成第一段戶外部分,使用手機App體驗。在戶外,觀眾也是「樂器」的概念,在下載 App 後,會隨機被分配到交響樂中13個不同聲部(如長笛、大提琴等)音軌。

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(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

如此一來,城市成為動態的樂譜,參與者的腳步、城市的街道、突發的環境聲,如:救護車聲、街頭藝人、車水馬龍,都成為作品的一部分。黃若形容,「觀眾手持手機播放聲音的目的,是為了把自己的聲音跟大家共享。」

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

黃若表示,「希望大眾能夠 Share with them what you have, and then you could get what they have. You complete their world and they will complete your world(分享你擁有的,並得到他們擁有的;你圓滿他們的世界,他們也會圓滿你的世界)。」

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
黃若實地走訪惠來里福德祠,穿梭臺中的街區巷弄,體會臺灣民俗文化和宗教信仰凝聚的能量。(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

打破台上台下界線!將音樂廳變為流動空間

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(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

黃若表示,這能解決傳統音樂廳座位與舞台固定的問題,讓觀眾在已經預設好的場地中,依然能獲得沉浸式與互動式的體驗,最終目標就是打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

黃若認為,藝術應當是推動社會往前的功能。他希望《浮聲之城》能在不同的城市帶來共鳴,讓身處繁忙都市中的人們,有機會Slow down(慢下來),聽見那些平時忽略的聲音。

(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)
(圖片提供:臺中國家歌劇院,攝影:林峻永)

2026 NTT Arts NOVA 曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

場次資訊:2026/3/28 (六) 10:00、15:00,2026/3/29 (日) 10:00、15:00,共4場

展演地址:臺中國家歌劇院大劇院(臺中市西屯區惠來路二段101號)

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文|李欣恬 圖片提供|臺中國家歌劇院