與臺灣互動密切，法國蒙彼里埃國家編舞中心 (ICI—CCN Montpellier) 藝術總監––克里斯汀．赫佐(Christian Rizzo)，甫結束新加坡國際藝術節演出，旋即來臺宣傳10月在歌劇院的《伊恩症候群》(le syndrome ian)。赫佐創作的《伊恩症候群》與《依據真實》(d après une histoire vraie, 2013) 及《朝黑暗趨近》(ad noctum, 2015) 同為大眾舞蹈（danse anonyme）三部曲系列，並於2016年榮獲梵克雅寶集團贊助的費朵拉年度芭蕾製作獎 (FEDORA -Van Cleef ＆Arpels Prize)。

今日歌劇院藝術總監王文儀介紹赫佐作為臺中的新朋友，從10月的《伊恩症候群》，到明年以「連結— CONNECTION」為主題的2018年NTT-TIFA節目演出，可以看見鬼才藝術哲學家赫佐，獨具全球與當代的視野。透過這些藝術家的作品，結合藝術與科學，傳達對世界無限的好奇，並企圖追求真實、尋找成長的答案。

赫佐表示他總是不斷提問，企圖打破疆界的限制與觀眾相遇。王文儀提到夜店的紙醉金迷是一種獨特文化，赫佐則認為紙醉金迷這詞彙相當迷人，創造一種反差的詩意，也開啟與觀眾對話的媒介。而這次與歌劇院合作，赫佐對歌劇院的勇氣與企圖心印象深刻，因歌劇院是座新場館，可以大膽探索這座城市的特質。他認為劇場的魅力在於「暗示」，如同畫家筆觸，或作曲家的音符，因此2018年NTT-TIFA赫佐將透過科技、數位、物件與觀眾進行連結，這些作品猶如宣言，是藝術家表達當下創造力的嘗試。

赫佐也分享領導者與文化之間的觀點：他表示領導者的決策十分重要，如密特朗任職總統時期，興建了許多文化藝術場館，讓表演藝術有場域發揮，可以被觀眾看見，這是場館的使命，也是他希望為臺中帶來冒險、追尋的思維。現場赫佐親切用中文打招呼，邀請臺中及全臺灣的觀眾，在今年十月至明年NTT-TIFA走進歌劇院，享受一場想像力的冒險！

自身經驗觀察大眾流行音樂與夜店文化共通點，創作對時代的詩意回應

《伊恩症候群》的命名，赫佐刻意選擇「症候群」這個詞彙，雖然這種病症根本就不存在，但他相信熱愛舞蹈、相信舞蹈價值、想要一直跳舞的人都染上了一種「症候群」，它無法治癒，只有一直跳舞才能獲得紓解。

這支舞編創源自他青少年時期自身的舞廳經驗，探討人類身體姿態：觀察迪斯可舞步旋扭身體的動作，發覺流線型身體律動，與夜店人們慾望竄動、感官刺激互為呼應。1979年，赫佐見證迪斯可與新浪潮舞蹈在夜店相遇，當時英國雖經歷首波經濟危機，但倫敦的夜生活依舊歌舞昇平。另外，近年歐洲恐攻事件不斷，舞蹈來自略為暴力的能量撞擊，也在表達人和人親疏相處改變的探問，反思身體舞動的本質，提問舞蹈是什麼？

《伊恩症候群》於2016年蒙彼里埃舞蹈節演出後佳評如潮，更受巴黎、瑞士的劇院邀請共同製作。赫佐以迪斯可和新浪潮兩種音樂的共同點─低音貝斯的變化，邀請「棺材樂團/紫褐色時刻樂團」(Cercueil / Puce Moment)用充滿現代性的聲音效果，將當代音樂符號帶回80年代環境之中。

赫佐認為振奮人心音樂下的群舞營造出一種天真、歡樂的氛圍，不論是曾經經歷過紙醉金迷的80年代，或是現在年輕人，都能快速在流行音樂的節奏找到共鳴的語彙，輕鬆進入他的創意舞蹈表達的意涵。然而，即使面對這種純真歡樂氛圍，我們卻無法擺脫恐懼的感受，赫佐認為35年後，觀察兩種相異的身體狀態，在體驗龐克搖滾下的強烈感官刺激中，尋找藝術家的浪漫與詩意，顯現生命力可以省視過去也可以眺望未來。

多方嘗試跨界合作，藝術哲學家––克里斯汀．赫佐

赫佐自1990年開始嘗試跨界創作，成立搖滾樂團、創立自己的服裝品牌，並且與不同編舞家合作，也接受包含舞蹈、歌劇、時尚圈以及視覺藝術界的委託創作，作品極為豐富。2007年第一次來臺駐村創作，感受到臺灣藝術圈的熱情與溫暖。赫佐曾表示，他的編舞風格有兩種特色：早年強調舞者怎麼站起來，作品經常出現各種走路的姿勢，並且從制式的配置空間做為舞台空間。這幾年開始討論身體脫離地面的關係，探討更多關於速度、群體的問題，加入了螺旋、圓形等概念。

2015年接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監，繼續推動藝術教育工作，培養舞者和觀眾。蒙彼里埃是法國舞蹈發展的重要城市，每年六月舉辦蒙彼里埃舞蹈節，整個城市隨處可見各種舞蹈發生，是全球傑出編舞家重要舞作的發表時刻。而法國蒙彼里埃國家編舞中心更是不可或缺的合作夥伴，不僅提供場地，同時也讓藝術家發表新作，《伊恩症候群》便是他2015年，接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監後發表的作品。不僅再次讓各界看見他源源不絕的創意，更展現藝術哲學思維的時代探問。陸續受到巴黎市立劇院、世界各大藝術節邀請演出。

2018年NTT-TIFA的策展，向世人提問數位時代的科技帶給人的影響

赫佐同時身為2018年NTT-TIFA的策展人，歌劇院首次舉辦全球性節目甄選，以「連結— CONNECTION」為主題。全球性甄選計畫從今年初開始收件，針對跨領域（表演藝術、視覺藝術、新媒體等）、跨產業（製造業、工業、數位科技）及科學（天文、物理、生物等）運用結合的作品，廣邀國內外表演團隊遞案，共收取來自28個國家，147件提案，將於九月宣告最後獲選的節目，並於NTT-TIFA演出。他認為優秀藝術家會看見世界的可能性，並會從中改變，發揮更多創意，所以雖然創作時間橫跨了1979年至2018年，有些歷史性的作品，但在主要節目的選擇上扣合主題，並以過去為基礎希望能找到未來，相當精彩。

克里斯汀．赫佐也將在明年帶來大眾舞蹈三部曲的第二部曲《朝黑暗趨近》，與探討舞蹈關係，結合影像的劇場新作《依據自然》(d‘apres nature)。與歌劇院聯手策劃2018年NTT-TIFA的演出，由全球甄選脫穎而出的作品，將世界大師作品帶到臺灣，也藉由這些作品讓臺中表演藝術有機會與國際連結。

via / 臺中國家歌劇院

圖 /  Marc Coudrais、Mario Sinistaj

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2024新營藝術季以《水水的起點》為主題，並透過一系列演出、工作坊、講座等活動，讓藝術如水一般融入生活。而La Vie也訪問到臺南市政府文化局局長謝仕淵，以及雙策展人王宇光、李尹櫻，帶你深入此次藝術季的背後故事。另外，擔任「我們從河而來」策展人的龔卓軍，也搶先透露這檔將於暑假登場的大展亮點。

打造全齡式參與的藝術行動

作為大臺南溪北地區藝文盛會的新營藝術季，今年以《水水的起點》為發想，從其名稱便可發現「水」扮演了重要的角色。特別的是，不若常見的藝術季是以展出藝術作品為主，此次新營藝術季以舞蹈、表演藝術、親子樂齡工作坊為主軸，打造一場全齡式參與的藝術行動，並邀請到致力於當代舞蹈創作及「到處跳舞」計畫的微光製造藝術總監王宇光、微光製造團長李尹櫻，首度跨界擔任藝術季雙策展人。

王宇光分享，他在策劃新營藝術季時，去了趟新營，「當我從新營火車站，沿著嘉南大圳的支流——綠川，一路漫步到新營文化中心，看到了溫暖的陽光穿透了樹葉、兩側的阿勃勒樹影婆娑。我那時就想，這真美。」也因為這個包覆著人們的生活、藝文活動與自然關係的「綠川廊道」，促使王宇光開始思考「水」這個議題，也因而有了這次的「水水的起點」。

透過身體來說自己的故事

同樣感嘆於新營文化中心地理位置的李尹櫻說道，「這裡既是嘉南大圳支流流過的地方，也是臺南文化的核心與中心，那藝術，是不是也可以從這裡開始？它可以是水的起點，同時是身體跟藝術的起點。」對李尹櫻而言，水是個擁有無限可能的存在，「那我們的身體，是不是也可以像水一樣有無限可能？」因此，在這次藝術季中，民眾不會只是個觀眾的角色，而是像一直被翻攪與交流的水一樣，能夠透過參與不同年齡層的工作坊、一起動動身體，同時訴說自己的故事。

而這次藝術季規劃了各式與「水」相關的主題工作坊，比如讓家長帶著孩子一起接觸劇場、一同認識自己的身體，就像是從源頭向外發散的「涓流」；透過工作坊的形式，提供青少年們豐富戲劇體驗，同時培養他們對戲劇的興趣與熱忱的「奔流」；由在地秀琴歌劇團與銀齡長者，共同探索肢體運用與開發之不同可能性的「交流」。而在6月9日，更有工作坊的學員們一同呈現的演出，將帶大家看見「匯流」後的老中青幼，一同激盪出的精彩火花。

讓不同年齡層的人有更多的交會

謝仕淵局長表示：「我們非常期待這個新營藝術季，讓全齡的社群彼此參與、溝通，而身體與舞蹈就是一個很重要的媒介，它可以讓不同社群的人，有一個共同對話的語言，同時擁有一樣的感官能力。」他接著補充，「臺南的溪最後都流到西邊的大海，而在溪流與大海的交界處，所形塑出來對於自然的影響，乃至於人文風貌，其實各有不同。我是在這片海從小釣魚長大的人，在海裡面，會讓我們去觀察很多事情，也會更重視身體感官與環境之間的關係。我覺得所有面對大海的人，待久了後，就跟會跳舞的人一樣，會在舞蹈之中，看見彼此的關聯。我期待在這個藝術季，能夠看到不管是銀齡或孩童的舞者，經由身體、舞蹈，彼此能有更多的交會。」

有趣的是，策展人王宇光也是從小就喜歡釣魚，他說，「釣魚的過程中，我會一直去解讀水面以上的訊號，也試著去思考水面下會是什麼樣子，這會幫助我去判斷魚餌要往哪裡丟。我覺得這和思考藝術季、做創作，其實都是同一件事情。在這個嘗試的過程中，構成了哪些經驗，而這些經驗又是如何幫助你在創作、工作上去判斷與溝通。」

重新思考臺南的溪流與河川

而2024年是臺南400，許多設計與藝文美學行動，陸續在這座古城展開。比如即將在暑假期間開幕的「我們從河而來」文化大展，也是其中一項精彩活動。策展人龔卓軍說明，「臺南的總面積大概有2,190平方公里，那在這裡面，我們好像從來沒想過，水域佔了多大的面積？那以臺南的溪、水圳、埤塘，加上沿海養殖業來說，其實臺南跟水的關係非常密切，甚至可以說是水體城市。臺南400比較多人談的是，從海上來、世界貿易的連結點，但如果要以水為中心來思考臺南，我們發覺，臺南市中心可能要移動到官田跟善化中間，也就是曾文溪流域上、烏山頭水庫附近。」

而以曾文溪流域展開的臺南，有八掌溪、將軍溪、急水溪、鹽水溪、二仁溪等各有各色的溪流，「這就是『我們從河而來』要談的，從這個溪水的源頭、水庫、水圳，到沿海的埤塘、魚塭、養殖地，臺南跟水的關係，在面對未來的整個城市發展，以及如何重新跟世界去對話連結，都是必須要重新思考的一個重要議題。」龔卓軍透露，他們讓臺南的6條溪化成6個不同的角色，並做成一部動畫，他希望透過「我們從河而來」這個觀點，引領人們重新思考臺南的溪流與河川，究竟在當下與環境的關係，以及過去與歷史的關係，它的角色特質會是什麼？

臺南400是一個新的開始

最後，謝仕淵局長分享，「與其說臺南400有哪項活動是重要的，倒不如說我們期待發展一種方法，讓大家成為參與這活動的一份子，也從而重新認識這座城市。不論是新營藝術季，或是甫結束的臺南燈會、臺南紅球行動，以及之後的文博與臺灣設計展，背後都有一個共通邏輯，那就是這個活動對於臺南人而言是什麼？你有沒有辦法成為這個活動的一部分？只有建立起這個方法，經歷2024的臺南400，才會是一個新的開始，而不僅是過去的延續。」

2024新營藝術季《水水的起點》
期程：2024年3月9日至6月29日
地點：新營文化中心 (臺南市新營區中正路23號) 
更多資訊可至新營文化中心臉書或2024新營藝術季官網查詢

我們從河而來：流域千年・文化共筆
期程：2024年7月9日至10月13日
地點：臺南市美術館二館1樓
更多資訊可至我們從河而來：流域千年．文化共筆臉書或臺南400官網查詢

2023年3月，不畏挑戰電影配樂與聲音實驗、被樂迷暱稱「教授」的日本音樂巨匠坂本龍一終不敵病魔逝世。然而，他生命最後的演出卻被混合實境（MR）技術保留了下來，成為永恆。

2024台灣國際藝術節（TIFA）於2月23日～5月11日登場，《鏡：KAGAMI》也即將再現坂本龍一身影，而MR藝術工作室Tin Drum創辦人Todd Eckert親自解密，如何用48台同步攝影機與MR眼鏡施下科技的魔法。

拉丁文有一句格言Ars Longa, Vita Brevis（生命短暫，藝術恆久長存），深為坂本龍一所鍾情。他自2014年罹患咽喉癌，死亡如陰影隨行，可創作精神不滅。Tin Drum創辦人Todd Eckert回憶兩人合作機緣，或許早在2019年就展開了，那是在美國洛杉磯一場酒店的表演，坂本龍一非常有活力，演奏優雅依舊。

「到了2020年初時，他正在思考自己所能留下的遺產，以及這次演出延續他與觀眾之間關係的重要性。我不確定這是不是種（生命邁向盡頭的）預感，更可能是個很實際的原因——他已經經歷過一次激烈的癌症療程，無法不意識到自己有限的生命。」

拍攝於2020年底在東京進行，第一天一早坂本龍一看了腫瘤科醫生，確認癌症復發。Todd提到演奏當下他在情感上非常投入，「我記得他變得很削瘦，那絕不是虛弱，但作為導演，我不希望讓他過度疲憊。」而他在2023年3月下旬去世，隨後6月在美國紐約The Shed首演的《鏡：KAGAMI》，似乎也成為坂本龍一的預知死亡紀事，一場寧靜而優美的悼念。 

不是生命盡頭，而是音樂永存的精神

坂本龍一的作曲技巧早在Todd的龐克少年時代留下印記——他當然不只聽過《俘虜》（Merry Christmas, Mr. Lawrence）著名的電影同名配樂，最早可能是1981年的《左腕之夢》（左うでの夢）——熱愛音樂的他中學時代開始做音樂記者，接下來10年投身音樂和電影。他曾擔任英國搖滾樂隊Joy Division傳記電影《控制》（Control）的製片人，電影斬獲坎城影展、英國影藝學院電影獎等獎項。

「自童年以來，音樂對我就是一種神聖的藝術形式，因此我一直想要與音樂藝術家建立深刻的關係。」Todd分享坂本龍一對所有事物充滿好奇，似乎永遠活在當下，大多藝術家在拍攝空隙多會回到梳化間，可他樂於交流，與他談小時上學的故事、談自己的父母，「甚至像都會生活（urbanity）對他的意義等人生觀念，我們還談論建築家Frank Lloyd Wright的落水山莊和Andrei Tarkovsky的電影，簡直所有事情都聊。」 

《鏡：KAGAMI》的曲目包含著名作品〈Energy Flow〉 和〈Merry Christmas Mr. Lawrence〉，以及很少演奏的〈The Seed and the Sower〉等。當Todd問起坂本龍一是否有還未發表的曲子，他從包包中拿出註記為〈BB〉的樂譜，那是專為紀念精神上的父親、義大利名導貝托魯奇（Bernardo Bertolucci）而作，只有葬禮上導演的家人聽過，而這也成為表演末曲。

觀眾將戴著MR眼鏡，浸淫在優美的環繞音效之中，或能聞到特殊的香氣，在長達1小時與大師共遊的音樂旅程中，可以坐著看表演，或可自由漫步、探索。Todd說，「環景式的呈現擴大觀眾視角的潛力很吸引人，基本上很公平，沒有人會坐到不好的位置。」這種體驗既集體，又很是個人。

而「鏡」，正意味坂本龍一不老的虛擬鏡像。要說服觀眾眼前不只是虛假的電腦CG人物，Tin Drum必須透過容積擷取技術（Volumetric Capture），以48台攝影機每秒60格高規格同步錄影。

最初Todd計畫請坂本龍一演奏只有加重按鍵的鍵盤進行拍攝，盡可能簡化樂器的體積、結構避免遮擋鏡頭，「當他想以一架真正的演奏會三角平台鋼琴錄製時，技術難度倍增，超過這領域中任何人曾嘗試過的，而實際上之後也還沒有人做到。」音樂家對演出的堅持讓Todd同意了，可5個月後取回拍攝資料時，他坦言心中一冷，形容一半的畫面中坂本龍一看起來「就像一顆裂開的栗子」，不過最後還是克服了，順利重現坂本龍一風雅、充滿生命能量的身姿。

以 MR 施下虛實交錯的幻覺魔法

技術並非一蹴可幾，在2016年創立Tin Drum之前，Todd曾在英國遊戲開發商Eutechnyx擔任北美區總監，參與美國NASCAR汽車競賽的遊戲製作。他獲取賽事許可，同時與Fox Sports建立合作夥伴關係，指導過場動畫、動作捕捉，就是在這時，他接觸到XR技術、產生了興趣。其後他又加入到Magic Leap的開發團隊之中，一個致力開發商用AR（擴延實境）、MR眼鏡的科技品牌——這成為Tin Drum現在使用的設備與技術基礎。

在人們印象中，AR、MR技術大多是透過螢幕（如手機、平板電腦）呈現，如同風靡一時的手機Pokémon GO遊戲，可他偏好能結合耳機聽覺的MR眼鏡。「我覺得螢幕過於主導人們理解世界的方式，它們中介了人的體驗，讓我們永遠無法完全沉浸其中。」

Tin Drum在2019年英國蛇形藝廊打造的《生命》(The Life)，「行為藝術教母」阿布拉莫維奇（Marina Abramović）表演以虛擬形象躍身展廳，一時轟動，甚至在2021年成為佳士得拍賣首部賣出的MR行為藝術作品。《生命》由32台攝影機錄製，製作自然沒有新作《鏡：KAGAMI》複雜、虛像活動範圍較小，卻也讓他們初探MR科技的表現性，奠定下基礎。

Todd也喜歡傳統電影，但觀眾並未能親自在場觀賞，2D表演影片不如在表演當下的演廳中感受即時，「MR與4D電影使我們有能力感受事件以及自己身在其中的現場。」此外，傳統電影中導演能事先決定作品呈現，但這不會在現場演出中發生，而XR技術更讓觀眾能移動視角，自由選擇觀看方向，「在表演當下任何事情都可能發生，從前無法讓觀眾與表演影音紀錄中的那一刻建立起真正的聯繫，但MR技術讓我們有這種可能性，對我與Tin Drum是勝過一切的刺激。」

可XR領域的眾多技術中也包含VR（虛擬實境），為什麼他獨愛融合AR與VR的MR？Todd解釋VR全然的虛擬世界剝除與現場的關係，不太吸引他，形容是「如此孤獨的體驗」。MR技術能含納實體空間，每場演出都是當下、獨特的互動，這次《鏡：KAGAMI》就將與國家戲劇院產生新的化學效應，他興奮地說，「當表演出現在舞台上，讓我們有機會進入彼此的世界，存在於觀眾的視野中與之共舞。」

讓觀眾與藝術的聯繫成為永恆

Todd說起創立Tin Drum的初衷，「我一直對創造藝術家和觀眾之間更深入連結的體驗感興趣，希望這些能夠長期存在於公共領域之中。」建築正是最與人們日常相關的藝術形式之一，Tin Drum導演Yoyo Munk在2021年倫敦設計節中與日本建築家藤本壯介合作《梅杜莎》（Medusa），將V&A博物館的拉斐爾展廳（Raphael Court）打造成虛擬作品與實體空間、現代與古代、自然與人造建物交會的場所，「我相信這件作品之所以產生如此深刻的意涵，是因為Yoyo Munk將藤本壯介的概念並置在不同時代的視野中。」這會是Tin Drum未來繼續深入研究的領域之一。

談起近期，他透露團隊導演Mary Hickson正進行新作，而英國近年代表性劇作家Simon Stephens也為他們撰寫一種全新形式的敘事劇場，並由劇場名導Sarah Frankcom執導。

談到XR技術，自然聊到2021年Metaverse瘋潮，那以平行虛擬時空連起一切的未來想像，因XR技術還未成熟，價高、未能普及化而暫時褪去。

Todd分享現在作品已觸及數萬人，他正步步實踐Tin Drum連結人們的心意。技術限制始終存在任何創作之中，他認為這迫使創作者必須更有創意，「幻術一直存在人們周遭，特別是在劇場中透過光的亮與暗表現，這也能輕鬆藉由精巧的程式碼實現，所以無論是什麼機制，我只希望它能讓我們的觀眾有所感受。」

這也如同當今的AI，他認為面對一陣陣新科技的突破，不應恐懼，也不該過譽，「就像任何工具一樣，它們是否實用終將根據我們願意為作品付出的努力而定。」就如同《鏡：KAGAMI》之中，科技就是表演的載體，但他更重視藝術造就人們共感的作用。「所有科技的光采終將隨時間淡褪，但藝術是永恆的。」如同坂本龍一為這次表演幽默寫下：「跨越千年萬年的共情，啊！可惜電池撐不了那麼久。」

Todd Eckert

Tin Drum創辦人、執行長；《鏡：KAGAMI》導演。過往長年投入音樂、電影領域，2007年擔任電影《控制》（Control）製片人，獲國際殊榮無數。其後任英國遊戲製作公司Eutechnyx北美區總監，並於2012年起擔任MR科技公司Magic Leap內容創意總監。2016年成立MR藝術工作室Tim Drum，團隊代表作有2019年與Marina Abramović《生命》（The Life）、2021年與藤本壯介《梅杜莎》（Medusa）、2023年與坂本龍一《鏡：KAGAMI》。

_{文｜吳哲夫
攝影｜Luigi and Iango、Ryan Muir
圖片提供｜Tin Drum}

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