與臺灣互動密切，法國蒙彼里埃國家編舞中心 (ICI—CCN Montpellier) 藝術總監––克里斯汀．赫佐(Christian Rizzo)，甫結束新加坡國際藝術節演出，旋即來臺宣傳10月在歌劇院的《伊恩症候群》(le syndrome ian)。赫佐創作的《伊恩症候群》與《依據真實》(d après une histoire vraie, 2013) 及《朝黑暗趨近》(ad noctum, 2015) 同為大眾舞蹈（danse anonyme）三部曲系列，並於2016年榮獲梵克雅寶集團贊助的費朵拉年度芭蕾製作獎 (FEDORA -Van Cleef ＆Arpels Prize)。

今日歌劇院藝術總監王文儀介紹赫佐作為臺中的新朋友，從10月的《伊恩症候群》，到明年以「連結— CONNECTION」為主題的2018年NTT-TIFA節目演出，可以看見鬼才藝術哲學家赫佐，獨具全球與當代的視野。透過這些藝術家的作品，結合藝術與科學，傳達對世界無限的好奇，並企圖追求真實、尋找成長的答案。

赫佐表示他總是不斷提問，企圖打破疆界的限制與觀眾相遇。王文儀提到夜店的紙醉金迷是一種獨特文化，赫佐則認為紙醉金迷這詞彙相當迷人，創造一種反差的詩意，也開啟與觀眾對話的媒介。而這次與歌劇院合作，赫佐對歌劇院的勇氣與企圖心印象深刻，因歌劇院是座新場館，可以大膽探索這座城市的特質。他認為劇場的魅力在於「暗示」，如同畫家筆觸，或作曲家的音符，因此2018年NTT-TIFA赫佐將透過科技、數位、物件與觀眾進行連結，這些作品猶如宣言，是藝術家表達當下創造力的嘗試。

赫佐也分享領導者與文化之間的觀點：他表示領導者的決策十分重要，如密特朗任職總統時期，興建了許多文化藝術場館，讓表演藝術有場域發揮，可以被觀眾看見，這是場館的使命，也是他希望為臺中帶來冒險、追尋的思維。現場赫佐親切用中文打招呼，邀請臺中及全臺灣的觀眾，在今年十月至明年NTT-TIFA走進歌劇院，享受一場想像力的冒險！

自身經驗觀察大眾流行音樂與夜店文化共通點，創作對時代的詩意回應

《伊恩症候群》的命名，赫佐刻意選擇「症候群」這個詞彙，雖然這種病症根本就不存在，但他相信熱愛舞蹈、相信舞蹈價值、想要一直跳舞的人都染上了一種「症候群」，它無法治癒，只有一直跳舞才能獲得紓解。

這支舞編創源自他青少年時期自身的舞廳經驗，探討人類身體姿態：觀察迪斯可舞步旋扭身體的動作，發覺流線型身體律動，與夜店人們慾望竄動、感官刺激互為呼應。1979年，赫佐見證迪斯可與新浪潮舞蹈在夜店相遇，當時英國雖經歷首波經濟危機，但倫敦的夜生活依舊歌舞昇平。另外，近年歐洲恐攻事件不斷，舞蹈來自略為暴力的能量撞擊，也在表達人和人親疏相處改變的探問，反思身體舞動的本質，提問舞蹈是什麼？

《伊恩症候群》於2016年蒙彼里埃舞蹈節演出後佳評如潮，更受巴黎、瑞士的劇院邀請共同製作。赫佐以迪斯可和新浪潮兩種音樂的共同點─低音貝斯的變化，邀請「棺材樂團/紫褐色時刻樂團」(Cercueil / Puce Moment)用充滿現代性的聲音效果，將當代音樂符號帶回80年代環境之中。

赫佐認為振奮人心音樂下的群舞營造出一種天真、歡樂的氛圍，不論是曾經經歷過紙醉金迷的80年代，或是現在年輕人，都能快速在流行音樂的節奏找到共鳴的語彙，輕鬆進入他的創意舞蹈表達的意涵。然而，即使面對這種純真歡樂氛圍，我們卻無法擺脫恐懼的感受，赫佐認為35年後，觀察兩種相異的身體狀態，在體驗龐克搖滾下的強烈感官刺激中，尋找藝術家的浪漫與詩意，顯現生命力可以省視過去也可以眺望未來。

多方嘗試跨界合作，藝術哲學家––克里斯汀．赫佐

赫佐自1990年開始嘗試跨界創作，成立搖滾樂團、創立自己的服裝品牌，並且與不同編舞家合作，也接受包含舞蹈、歌劇、時尚圈以及視覺藝術界的委託創作，作品極為豐富。2007年第一次來臺駐村創作，感受到臺灣藝術圈的熱情與溫暖。赫佐曾表示，他的編舞風格有兩種特色：早年強調舞者怎麼站起來，作品經常出現各種走路的姿勢，並且從制式的配置空間做為舞台空間。這幾年開始討論身體脫離地面的關係，探討更多關於速度、群體的問題，加入了螺旋、圓形等概念。

2015年接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監，繼續推動藝術教育工作，培養舞者和觀眾。蒙彼里埃是法國舞蹈發展的重要城市，每年六月舉辦蒙彼里埃舞蹈節，整個城市隨處可見各種舞蹈發生，是全球傑出編舞家重要舞作的發表時刻。而法國蒙彼里埃國家編舞中心更是不可或缺的合作夥伴，不僅提供場地，同時也讓藝術家發表新作，《伊恩症候群》便是他2015年，接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監後發表的作品。不僅再次讓各界看見他源源不絕的創意，更展現藝術哲學思維的時代探問。陸續受到巴黎市立劇院、世界各大藝術節邀請演出。

2018年NTT-TIFA的策展，向世人提問數位時代的科技帶給人的影響

赫佐同時身為2018年NTT-TIFA的策展人，歌劇院首次舉辦全球性節目甄選，以「連結— CONNECTION」為主題。全球性甄選計畫從今年初開始收件，針對跨領域（表演藝術、視覺藝術、新媒體等）、跨產業（製造業、工業、數位科技）及科學（天文、物理、生物等）運用結合的作品，廣邀國內外表演團隊遞案，共收取來自28個國家，147件提案，將於九月宣告最後獲選的節目，並於NTT-TIFA演出。他認為優秀藝術家會看見世界的可能性，並會從中改變，發揮更多創意，所以雖然創作時間橫跨了1979年至2018年，有些歷史性的作品，但在主要節目的選擇上扣合主題，並以過去為基礎希望能找到未來，相當精彩。

克里斯汀．赫佐也將在明年帶來大眾舞蹈三部曲的第二部曲《朝黑暗趨近》，與探討舞蹈關係，結合影像的劇場新作《依據自然》(d‘apres nature)。與歌劇院聯手策劃2018年NTT-TIFA的演出，由全球甄選脫穎而出的作品，將世界大師作品帶到臺灣，也藉由這些作品讓臺中表演藝術有機會與國際連結。

via / 臺中國家歌劇院

圖 /  Marc Coudrais、Mario Sinistaj

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如果真實與虛構位於一條光譜的兩端，那我們現在正站在哪裡？即將於臺中歌劇院2025 NTT 遇見巨人系列上演的《柏林製造》，或許能帶給你一個全新的觀點！

來自比利時紀錄劇場「柏林BERLIN」團隊創作常以從「真實世界」切入，以紀錄片式的搜集、調查與對話為基礎，再透過影像、現場音樂、表演、裝置等，交織創造出獨特的紀錄劇場體驗，深受戲劇和電影愛好者的喜愛。其著名的《全新世》（Holocene）系列節目，是以城市或村莊為靈感，探索人與環境、歷史及記憶的關係，而此系列歷經20多年後，選擇《柏林製造》作為最終作品。

藝術總監Yves Degryse說道：「每一個關於未來的問題，都與過去息息相關，而柏林是一座在歷史和未來之間保持重要平衡的城市。」

一段個人記憶的追尋， 拼湊出柏林的歷史傷痕

《柏林製造》故事的起點來自一位 90 多歲的老者的未竟之夢——弗里德里希．莫爾（Friedrich Mohr）曾擔任柏林愛樂的樂團舞監，他歷歷在目地回憶述說著，在1933年納粹上台後，柏林愛樂被徵收為「帝國管弦樂團」，禁演猶太作曲家的作品，猶太團員更被迫黯然離開，團裡卻無人敢為他們發聲；1945年，在二戰結束前最後一週，樂團即將面臨解散，成員們決定在俄軍攻占柏林前，勇敢地做最後一次的公開演奏。

曲目選擇了華格納《諸神黃昏》中的〈齊格飛送葬曲〉，象徵著樂團與整個城市的處境，莫爾說：「ㄧ直以來你有兩個選項：乖乖坐著或站起來。直到某天，你發現你已經沒得選了。⋯⋯我們唯一能做的就是再一次演奏〈齊格飛送葬曲〉，不是為了希特勒，而是為了當前的柏林。」但因整個城市不斷地遭受轟炸，想要整團一起在地表上公開演出彷彿是天方夜譚，只能將樂團成員拆散，分處於七個防空碉堡中同時演奏收音，再透過無線電將訊號匯集到指揮所在的中央碉堡，由德國國家電台現場轉播⋯⋯。

你看著真實被質疑， 也看著另一種真實被建立

礙於種種技術限制，最後這場史無前例的演出並沒有成功，「柏林BERLIN」團隊決定探詢更多線索與求證，並嘗試在相同環境下重現當年的演出，然而，隨著訪談不斷深入，參與者越來越多，故事卻開始出現不合時序的轉折、難以考證的細節、被推翻的時間線，「真實性」開始崩裂。

這些崩裂，反而成了《柏林製造》敘事的重點，製作團隊沒有將莫爾打造成浪漫的訴說者，也沒有將其簡化為一個不可靠的老人，而是選擇將這些過程坦然搬演到舞臺上——故事的開啟、驗證到崩塌，以及故事如何再次被重建。

在紀錄片中，當製作團隊發現自己不小心正在往「虛構事實」的方向前進、猶豫到底要不要將計畫繼續下去時，提出一核心問題：「紀實和虛構其實是光譜的兩端，而到底紀實要偏離到什麼程度才算是虛構？」

而台下的觀眾，與其說在看一齣紀錄片或表演，更像是參與了一場思辨體驗，「柏林BERLIN」讓劇場成為一個思索空間──《柏林製造》既是紀錄片，也是偽紀錄片；既是舞台，也是實驗室；既在追尋真實，也在揭示真實永遠無法被完全捕捉。

當觀眾穿梭於舞台與紀錄影像之間，彷彿同時身在觀眾席、剪接室與採訪現場，讓你忍不住更進一步去思考：人類的記憶、歷史、大腦所相信的敘事，是如何被製造的？而或許，這正是這部作品最有趣的地方：在人類主觀的記憶裡，既有不完美的真實，也有其自由敘事的權力。

2025 NTT 遇見巨人——比利時紀錄劇場 柏林BERLIN《柏林製造》

時間：12/12（五）19:30、12/13（六）14:30、12/14（日）14:30

地點：臺中國家歌劇院 中劇院

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_{文｜黃千卉　圖片提供｜臺中國家歌劇院}

影視劇無疑是大家生活中唾手可得的休閒娛樂，但終究無法取代舞台劇那全員呼吸同一室空氣，每每撲面而至的催淚彈和震撼光波。以表演藝術為核心，2025 Camping Asia仍在香奈兒全力支持下駐紮臺北表演藝術中心進行12天舞蹈營，同步對外展演5檔精彩節目；香奈兒品牌大使桂綸鎂、許瑋甯、昆凌紛紛現身開幕之夜，齊為藝術文化的長遠發展推波助瀾。本文3點解析本屆重中之重的開幕舞碼《崩世光景》極致韻味。

2025 Camping Asia甫於11月下旬圓滿落幕，自不同國家、挾迥異風格前來的5組團隊落地臺北表演藝術中心內3處空間，呈獻獨具前瞻性與實驗性的舞蹈作品，又一次體現其背後支持者、此教育計畫合作夥伴之一的香奈兒品牌，長期藉由香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）攜手世界各地事業單位或知名人士推廣藝術文化的美好願景。

位居同樣需求極高創作動能的時尚產業領頭地位，香奈兒品牌不間斷履行始於香奈兒女士深心所愛、一世紀以來對藝術的承諾，長年挹注相關領域、促成新進創作者網絡、提供意見領袖發聲平台等各項舉措早傳為佳話。其中，兩年一度與北藝中心、法國國家舞蹈中心（Centre national de la danse, CN D）合作在台發起的Camping Asia，持續秉承「跨領域、跨文化、跨世代」對話精神，投入培育下一代表演藝術工作者。為期12天的營隊透過日間學員參與課程、夜間團隊發表演出密集交錯的日程，積極為亞洲舞蹈界開拓新視野。今年迎來第3屆舉辦，期間共匯集歐洲和亞洲16所藝術院校、超過160名師生，以及23位跨域藝術家，於論壇、工作坊乃至向公眾開放的大堂課等多元活動中切磋相長。La Vie亦規劃帶狀報導，邀大家一同關注這項意義非凡的藝文大事。

>> 點此深入了解Camping Asia興辦脈絡及本屆完整節目內容。

>> 點此看更多香奈兒文化基金對電影等其他藝術領域推行舉措。

導演、演員、舞者等跨域藝術家齊聚開幕之夜

開幕之夜作為主辦方、演出方和藝術工作者的交流盛會，不僅北藝中心董事長王文儀、Camping Asia策展人林人中、法國國家舞蹈中心代表Thomas Arnaudin、當晚演出團隊狂徒（(LA)HORDE）＆霍恩（Rone）親臨現場，另一節目《即席寫真》創作者班吉瑞德（Benji Reid）、德國劇場導演瑪麗施利夫（Marie Schleef）、菲律賓演員奈絲蘿柯（Ness Roque）及舞蹈家塔那波維魯拉庫（Thanapol Virulhakul）、瑞秋寇森（Rachel Coulson）、田孝慈、林祐如皆共襄盛舉。同時，香奈兒品牌大使桂綸鎂、許瑋甯、昆凌和多位品牌好友現身觀賞並傾心推薦，更打通廣大觀眾走進表演藝術的渠道，深化Camping Asia建構未來藝術學苑的立意。

5檔演出各自精彩，以下將聚焦在北藝中心大劇場為本屆展演節目揭開序幕的電音芭蕾舞劇《崩世光景（Room With a View）》，統整形式、寓意等面向3大看點和香奈兒嘉賓的絕佳評價。

黑盒子魔法：舞台藝術要成立，＿＿＿＿不可或缺

首先談談舞台上的表演藝術為何小眾？限時發生、難以量產、搬演內容入門門檻高⋯⋯或者，最顯而易見的票貴，皆為影響因素。可在這些因素之前，或許觀眾真正要過的是「信任」這關。以一只黑盒子為喻，燈亮燈暗間形成的「時空裂縫」蘊育著無限可能，劇作、舞作則如載體般乘載你我穿梭——相較電影面世時已具備的完成性和封閉性，劇場演出講求觀眾的「共乘」。唯當觀眾相信空間，願與編創者同享經人為裁剪的時間，將呼吸、血流交予舞台，作品方能臻於完整；相對地，一旦缺乏信任前提，作品便無法借力化虛為實。這實屬「黑盒子魔法」之所以令人心懷不安又精神嚮往的關鍵。

也正由於人人都並非只是旁觀、更某種程度參與其中，一場演出縱使分毫不差順走全程，無動於衷的現場回饋仍近於對作品的「不成立」宣判。而《崩世光景》有多好看，即在於它如何攫住每一個體，強而有力地，讓作品成立。

3大看點解析《崩世光景》

法國前衛編舞團隊(LA)HORDE以馬賽國立芭蕾舞團（Ballet national de Marseille）現任總監之姿，與法國電子音樂製作人Rone攜手帶來的《崩世光景》，不比傳統芭蕾著重技巧的精密雕琢與完美執行，編舞團隊「放任」舞者滿載情緒、情感力道的身體自由激盪和碰撞，在科技與自然、冷冽與狂喜間撕裂重生，進而發掘出年輕世代如何找回面對氣候災變、父權瓦解、社群疏離種種崩壞的勇氣。

編按：(LA)HORDE在演後座談中提及，剛接任時曾想過是否拿掉馬賽國立芭蕾舞團的「芭蕾」一詞。最後仍決定尊重舞團歷史，奠基於傳統之上發展當代詮釋。

#01 青春的悸動帶著「等待爆裂」的憂傷

呼應其英文作品名稱「Room With a View（有景觀的房間）」指涉通過手機螢幕窺探美麗的世界風景和卑劣的人性面貌，或反過來用被動陳述也說得通，即網路時代下濃縮進入窄小畫面、在人們指尖被快速跳轉的生命片段串流。《崩世光景》定調為「大理石採石場」的舞台一側築起一框，框內舞者與觀眾入場同步驅動身體，朝群體核心釋放情緒、傾瀉情感。無明確時點宣告「開演」直至觀眾席燈自然暗去，階梯上、角落裡，或有伴侶繾綣糾纏、或有男女暴力相向的「永遠進行式」表現手法，巧妙映照現代人任何時候打開手機都宛若置身衝突現場、觀看千千萬萬故事並（同）列（時）發（崩）生（壞）的社會現實。

承節目介紹中所述，「我希望我一躍而下時，有人將我接住；我希望我尖叫時，有人和我合聲。我希望回到一種連續的生命裡。」那些被集體意識不知該說捆綁還是保護的悸動，總夾雜憂鬱與哀傷，時而使我們躍然美妙戀曲，時而把我們彈飛群體之外；那頭給我們沉重打擊，這頭將我們安全包裹——自始至終讓軀殼無所適從，也始終有能耐再次引發瘋狂悸動的，無非是青春的心臟。

破碎感濃重的前半段，如同甩觀眾於自我和社群兩個牴觸磁極間，任由觀眾同角色一起拉扯、游離、悲歡不定，最終引向毀滅。

#02 疫後世界，重啟如重生

「末日裡的餘生，也是重生。」突如其來的一陣沙土飛揚，將演出推進「大休息」似的中段。在靜默中流淌的戲劇時間漸與現實時間雙線合成一線，概念上未刻意打破第四面牆，體感上卻虛實界線不再，一切異常祥和到顯得有些魔幻的地步。幾名工作人員上台清掃、試圖回復秩序，揭示新冠疫情後世界重啟如重生。值得著眼的是，《崩世光景》本身確實受疫情影響巨大（2020年首演5場後停演），如今以此為作品「由暴轉柔」的重要頓點，可謂直面當代動盪環境下隨時可能刮起的崩壞旋風，亦傳達任何混亂終將歸於平靜之旨，兼具反思與平撫作用。

舞台效果壯觀的塵埃雖非真的塵埃（經團隊答覆觀眾提問表示對健康無礙），亦不見得能觸及觀眾席這麼遠的飛散範圍，然而有形也好、無形也罷，離開劇場時我們是否都不經意帶走了什麼？落於掌紋、吸入鼻腔、流竄全身上下，足以支應末日餘生的氣力。

#03 為觀眾席亮燈，用光和低吟編織擁抱

與音樂共創共生的《崩世光景》，後半段各種聲響尤其恰到好處地與劇情相輔相成。只見Rone坐鎮機器與岩塊背後，以電子節拍雕塑音場地景，涵容房間裡躁動的身體失神跳動，層層堆疊高潮。隨舞者集結成團，邊低吟邊向舞台前緣壓迫，能量此時彷彿才真正穿透第四面牆，全面鋪蓋觀眾席，創造剎那的恍惚。然後唰地一下，柔光已不分你我地浸滿沿階而上的成排座席，滿到化為眾人眼裡的淚。岔回說在最前頭的「觀眾為劇場參與者」一事，為觀眾席亮燈這樣的「強行擁抱」猝不及防，將暴戾和溫柔、疏離與歸屬拉攏為一體兩面；哪怕稍縱即逝、哪怕嶄新希望在光下蔓生得有些失真，這過分明媚的片刻無人被遺落、拒絕、排除或孤立，所有人都被不可思議地慰藉——「黑盒子魔法」徹底施展。

後記：暴中有柔，柔中藏暴——《崩世光景》何以如此撼動人心？

台上台下達成的無語言溝通不可多得，《崩世光景》讓條框秩序崩毀再建的幀幀末日景象全然實現了這點。「逼哭觀眾」從不是好戲指標，內心深處真有一塊地方被撬開的鈍痛，卻會留存當下所感的切膚印記。

意識到自己眼角濕潤之時，轉過頭發現相隔幾個座位的觀眾滿臉半乾的水漬；再遠一點，身懷較一般人更為強大的演員感受力，香奈兒品牌大使桂綸鎂於社群寫下觀後感，直言此舞碼使她憶及曾經的年少輕狂，眼淚不爭氣地直直落下，「那些一同經歷的愛戀、憤恨、哀傷、挫敗，最終使我們圍起一個圓，我們團結一氣同聲吶喊，只要我們同在一起，我們的聲音就可以被聽見，我們的力量就能聚集。」許瑋甯亦分享演出帶來的思索，「我們崩壞我們重生，為了心中嚮往的，我們又拋棄了什麼？在無法言喻之時，我們舞動、咆哮、歌唱；在這些碎片中拼湊，把那份力量在裂縫中生出光束來。」並表示劇終時溫熱感動久久無法散去。昆凌一句「當每一個身體都說著自己的故事——這不只是舞，更是世界觀的碰撞與綻放。」則概括陳述(LA)HORDE至今藉作品探究舞蹈所產生的政治影響。

2025 Camping Asia為《崩世光景》疫後巡演的亞洲終站。但既連舞者都明說捨不得結束，或許將來有天還能帶各位「重生」。