與臺灣互動密切，法國蒙彼里埃國家編舞中心 (ICI—CCN Montpellier) 藝術總監––克里斯汀．赫佐(Christian Rizzo)，甫結束新加坡國際藝術節演出，旋即來臺宣傳10月在歌劇院的《伊恩症候群》(le syndrome ian)。赫佐創作的《伊恩症候群》與《依據真實》(d après une histoire vraie, 2013) 及《朝黑暗趨近》(ad noctum, 2015) 同為大眾舞蹈（danse anonyme）三部曲系列，並於2016年榮獲梵克雅寶集團贊助的費朵拉年度芭蕾製作獎 (FEDORA -Van Cleef ＆Arpels Prize)。

今日歌劇院藝術總監王文儀介紹赫佐作為臺中的新朋友，從10月的《伊恩症候群》，到明年以「連結— CONNECTION」為主題的2018年NTT-TIFA節目演出，可以看見鬼才藝術哲學家赫佐，獨具全球與當代的視野。透過這些藝術家的作品，結合藝術與科學，傳達對世界無限的好奇，並企圖追求真實、尋找成長的答案。

赫佐表示他總是不斷提問，企圖打破疆界的限制與觀眾相遇。王文儀提到夜店的紙醉金迷是一種獨特文化，赫佐則認為紙醉金迷這詞彙相當迷人，創造一種反差的詩意，也開啟與觀眾對話的媒介。而這次與歌劇院合作，赫佐對歌劇院的勇氣與企圖心印象深刻，因歌劇院是座新場館，可以大膽探索這座城市的特質。他認為劇場的魅力在於「暗示」，如同畫家筆觸，或作曲家的音符，因此2018年NTT-TIFA赫佐將透過科技、數位、物件與觀眾進行連結，這些作品猶如宣言，是藝術家表達當下創造力的嘗試。

赫佐也分享領導者與文化之間的觀點：他表示領導者的決策十分重要，如密特朗任職總統時期，興建了許多文化藝術場館，讓表演藝術有場域發揮，可以被觀眾看見，這是場館的使命，也是他希望為臺中帶來冒險、追尋的思維。現場赫佐親切用中文打招呼，邀請臺中及全臺灣的觀眾，在今年十月至明年NTT-TIFA走進歌劇院，享受一場想像力的冒險！

自身經驗觀察大眾流行音樂與夜店文化共通點，創作對時代的詩意回應

《伊恩症候群》的命名，赫佐刻意選擇「症候群」這個詞彙，雖然這種病症根本就不存在，但他相信熱愛舞蹈、相信舞蹈價值、想要一直跳舞的人都染上了一種「症候群」，它無法治癒，只有一直跳舞才能獲得紓解。

這支舞編創源自他青少年時期自身的舞廳經驗，探討人類身體姿態：觀察迪斯可舞步旋扭身體的動作，發覺流線型身體律動，與夜店人們慾望竄動、感官刺激互為呼應。1979年，赫佐見證迪斯可與新浪潮舞蹈在夜店相遇，當時英國雖經歷首波經濟危機，但倫敦的夜生活依舊歌舞昇平。另外，近年歐洲恐攻事件不斷，舞蹈來自略為暴力的能量撞擊，也在表達人和人親疏相處改變的探問，反思身體舞動的本質，提問舞蹈是什麼？

《伊恩症候群》於2016年蒙彼里埃舞蹈節演出後佳評如潮，更受巴黎、瑞士的劇院邀請共同製作。赫佐以迪斯可和新浪潮兩種音樂的共同點─低音貝斯的變化，邀請「棺材樂團/紫褐色時刻樂團」(Cercueil / Puce Moment)用充滿現代性的聲音效果，將當代音樂符號帶回80年代環境之中。

赫佐認為振奮人心音樂下的群舞營造出一種天真、歡樂的氛圍，不論是曾經經歷過紙醉金迷的80年代，或是現在年輕人，都能快速在流行音樂的節奏找到共鳴的語彙，輕鬆進入他的創意舞蹈表達的意涵。然而，即使面對這種純真歡樂氛圍，我們卻無法擺脫恐懼的感受，赫佐認為35年後，觀察兩種相異的身體狀態，在體驗龐克搖滾下的強烈感官刺激中，尋找藝術家的浪漫與詩意，顯現生命力可以省視過去也可以眺望未來。

多方嘗試跨界合作，藝術哲學家––克里斯汀．赫佐

赫佐自1990年開始嘗試跨界創作，成立搖滾樂團、創立自己的服裝品牌，並且與不同編舞家合作，也接受包含舞蹈、歌劇、時尚圈以及視覺藝術界的委託創作，作品極為豐富。2007年第一次來臺駐村創作，感受到臺灣藝術圈的熱情與溫暖。赫佐曾表示，他的編舞風格有兩種特色：早年強調舞者怎麼站起來，作品經常出現各種走路的姿勢，並且從制式的配置空間做為舞台空間。這幾年開始討論身體脫離地面的關係，探討更多關於速度、群體的問題，加入了螺旋、圓形等概念。

2015年接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監，繼續推動藝術教育工作，培養舞者和觀眾。蒙彼里埃是法國舞蹈發展的重要城市，每年六月舉辦蒙彼里埃舞蹈節，整個城市隨處可見各種舞蹈發生，是全球傑出編舞家重要舞作的發表時刻。而法國蒙彼里埃國家編舞中心更是不可或缺的合作夥伴，不僅提供場地，同時也讓藝術家發表新作，《伊恩症候群》便是他2015年，接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監後發表的作品。不僅再次讓各界看見他源源不絕的創意，更展現藝術哲學思維的時代探問。陸續受到巴黎市立劇院、世界各大藝術節邀請演出。

2018年NTT-TIFA的策展，向世人提問數位時代的科技帶給人的影響

赫佐同時身為2018年NTT-TIFA的策展人，歌劇院首次舉辦全球性節目甄選，以「連結— CONNECTION」為主題。全球性甄選計畫從今年初開始收件，針對跨領域（表演藝術、視覺藝術、新媒體等）、跨產業（製造業、工業、數位科技）及科學（天文、物理、生物等）運用結合的作品，廣邀國內外表演團隊遞案，共收取來自28個國家，147件提案，將於九月宣告最後獲選的節目，並於NTT-TIFA演出。他認為優秀藝術家會看見世界的可能性，並會從中改變，發揮更多創意，所以雖然創作時間橫跨了1979年至2018年，有些歷史性的作品，但在主要節目的選擇上扣合主題，並以過去為基礎希望能找到未來，相當精彩。

克里斯汀．赫佐也將在明年帶來大眾舞蹈三部曲的第二部曲《朝黑暗趨近》，與探討舞蹈關係，結合影像的劇場新作《依據自然》(d‘apres nature)。與歌劇院聯手策劃2018年NTT-TIFA的演出，由全球甄選脫穎而出的作品，將世界大師作品帶到臺灣，也藉由這些作品讓臺中表演藝術有機會與國際連結。

via / 臺中國家歌劇院

圖 /  Marc Coudrais、Mario Sinistaj

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衛武營與勞力士啟動合作關係，可謂其走入全球頂尖文化機構網絡的重要里程碑。肩負「提升在地文化景觀，深化國際藝術連結」使命，雙方將致力匯聚世界級傑作於地方樞紐，續寫台灣表演藝術新頁。本文關注場館和品牌此前鋪陳與此後展望，同場邀你親臨觀賞預定2026年3月21日為計畫揭幕的精彩音樂會。

衛武營日前發表消息，正式宣布攜手瑞士鐘錶品牌勞力士（Rolex），未來共同秉持嶄新視角開創文化傳承的下一篇章。從耕耘台灣表演藝術能量，到涵養藝術底蘊而與世界密切對話，勞力士將以專屬鐘錶合作夥伴（Official Timepiece）之姿，協力場館推動國際大師和地方舞台間的高層次交流。有賴衛武營標誌性的旗艦歌劇製作等項目實踐，總體計畫期待在當代語境下重新詮釋經典與傳統，沿襲對藝術的不懈追求，締造跨越時間的文化資產。以下依序爬梳勞力士伸入多元範疇的品牌觸角、衛武營著眼在地並面向世界的發展願景，深究雙方合作脈絡及又一精品品牌力行藝術贊助的美談。

勞力士｜1976年結緣首位合作夥伴，積極促成藝術登峰

以「恒動（Perpetual）」一字承載品牌價值，勞力士不僅專注彰顯製錶本業的精湛工藝與卓越品質，更充分肯定藝術在當今社會所扮演的重要角色：藝術家透過作品喚醒共通情感、聯繫群眾，不斷激發各樣創意——此時，品牌所為正是措置有利條件，助他們登峰造極。

回望逾半世紀歷程，勞力士自1976年與首位合作夥伴、著名女高音卡娜娃女爵士（Dame Kiri Te Kanawa）結緣以來，已建立和眾多藝術先驅的深厚關係，每位皆憑最高標準於所屬專業精益求精。後進一步與世界級藝術領域代言人及機構展開合作，使涵蓋建築、電影、舞蹈、文學、音樂、戲劇、視覺藝術的跨域支持計畫《藝術傳承・恒動不息（Perpetual Arts Initiative）》逐漸成形。至今仍持續與才華橫溢的創作者、頌揚非凡藝術成就的各地單位攜手並進；一來表彰傑出人才，二來培養後起之秀，供其機會攀自身高峰。上述內容以外，勞力士亦鼓勵體育和探險活動，且投入環境保護，展現關愛地球的企業態度。

2026年決意攜手衛武營，勞力士台灣分公司總經理林人和說明，「透過這次合作，我們不僅禮讚傳統，也開啟創意與文化交流的新機會。表演藝術能跨越界限，凝聚社群，激發對話；藉由此夥伴關係，衛武營與勞力士再次重申我們的承諾——持續為在地與國際觀眾帶來更豐富的文化體驗。」

衛武營｜從「眾人的藝術中心」躋身國際頂尖藝文場館

如藝術綠洲般坐落高雄鳳山，衛武營作為台灣規模最大的藝文場館、亞洲最大單一屋頂綜合劇院，由荷蘭麥肯諾（Mecanoo）建築事務所建築師暨共同創辦人侯班（Francine Houben）汲取靈感自當地常見的榕樹群，轉化樹冠盤根錯節的意象為流暢的白色波浪曲線，連綴主體建築獨特外觀。館內共設4座國際級場地，每年呈獻包括歌劇、音樂、舞蹈、馬戲、傳統戲曲等600餘場海內外藝術家演出，造訪人次超過150萬；其中尤具代表性的音樂廳採全台唯一的葡萄園式設計，經環繞舞台的階梯座椅堆疊全方位感官饗宴與聲學效果。

廳院間另規劃半戶外公共區域「榕樹廣場」，不使用直角牆體圍堵，轉藉樹蔭似的弧形鋼鐵頂棚模糊室內外邊界，讓風與光影得以自由穿透，實現該場館願成「眾人的藝術中心」之旨——既嶄露建築美感，甚透過開放的空間策略，將藝術自然融入居民日常，打造與世界連結的文化樞紐。

>> 延伸閱讀：解密高雄「衛武營」全球最大單一屋頂劇院！荷蘭建築團隊Mecanoo、藝術總監探訪全台最大藝文場域秘辛

今再成為勞力士初次出手支持的台灣在地表演藝術中心，實屬躋身國際頂尖文化場館行列的象徵，衛武營藝術總監簡文彬表示，「衛武營自2018年啟用以來，便致力於體現『眾人的藝術中心』之願景，我們深耕歌劇、舞蹈與傳統戲曲，不僅是為了守護文化根基，更是為了在當代語境中尋求突破。勞力士對於卓越品質的極致追求與『永恆傳承』的堅定信念，與衛武營的發展策略極為契合。透過雙方合作，我們期許能讓台灣獨特的文化創意力獲得肯定，並在國際藝壇的舞台上展現獨特的光芒。」

承先啟後：力邀世界級藝術家來台，展望群星雲集的未來

過去即有過勞力士代言人、傳奇男高音Jonas Kaufmann在衛武營留下足跡。雙方啟動合作關係的首度對話，則由音樂會《超越（Beyond）》於2026年3月21日揭開序幕——自2025年起出任勞力士代言人、現下最受矚假聲男高音之一奧林斯基（Jakub Józef Orliński），將挾以風靡全球的舞台魅力和技巧，同台實力強勁的金蘋果古樂團（Il Pomo d’Oro），為台灣觀眾帶來同步世界的視聽體驗。

▼ 精彩片段搶先聽

勞力士多年來未停下擴展藝術合作版圖，除與米蘭斯卡拉歌劇院（Teatro alla Scala）、倫敦皇家芭蕾暨歌劇院（Royal Ballet and Opera）、紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）、巴黎國家歌劇院（Opéra national de Paris）、布宜諾斯艾利斯哥倫布劇院（Teatro Colón）等全球諸多頂尖歌劇院與表演藝術中心結為合作夥伴外，更涉足薩爾斯堡音樂節（Salzburg Festival）、聖靈降臨節音樂節（Whitsun Festival），並支持維也納愛樂（Vienna Philharmonic），憑其無與倫比的新年音樂會和仲夏夜音樂會聞名於世。今後與衛武營的合作深度，無疑也將步步體現於引進世界級演出的承諾上。

美籍華裔作曲家黃若即將帶著開創性作品《浮聲之城》來台，試圖打破古典音樂聆賞與表演的場域界限，整場演出包含「城市之旅」及「現場LIVE演出」，於3/28-3/29在臺中國家歌劇院大劇院展開！

《浮聲之城》（City of Floating Sounds）顛覆傳統坐在台下聽台上音樂家的演奏方式，作曲家黃若將整座城市轉化成帶有流動特質的「城市劇場」（Theater for the City），觀眾使用手機帶路，人手一機播放特定音軌，眾人形成隨機的大合奏，路上經歷與所看、所聽，也都成為體驗的一部分。

黃若的音樂啟蒙來自作曲家父親黃英森，以他的琴藝與作曲概念為引導，經常帶黃若上音樂課的是母親，「母親雖不懂音樂，但她用頁碼、小節數來為我做筆記，那是非常珍貴的記憶。」

最初形塑黃若藝術觀點的，還可追溯到孩童時期接觸的戲曲文化。小時候在海南老家，跟著奶奶去看瓊劇的日子，是黃若最初的藝術啟蒙。「中國的地方戲曲，它既是劇，就有故事，有唱、有演、有武術打鬥。它不是Elite（菁英）文化，而是農村的人也可以看得懂、免費參與的公共藝術。」

這種「全民劇場」的公共精神，讓黃若對歌劇和戲劇性產生極大的熱情。而他走上作曲之路則源於一次驚險的演出經歷。「有次在台上演奏，我忘譜了。老師之前告誡我『千萬不要停下來，也不要從頭開始』，我後來就自己Improvise（即興創作），就這樣彈下去了。」演出後，老師告訴他的父親，「這孩子成不了鋼琴家，但可以考慮走作曲的路。」黃若的創作之路，正是源自對「即興」與「不受限制」的熱愛。

以手機科技為介面，翻轉隔閡為連接

《浮聲之城》的靈感始於2017年，黃若參與曼徹斯特國際藝術節期間生根發芽。當時，他對於一座城市如何說故事深感著迷，並嘗試結合互動性與場域特定的聲音景觀。黃若表示，他一直希望有一部參與者可以生活在音樂裡，並直接和城市景觀、周圍人群互動的作品。

經過多年發想，《浮聲之城》隨之而生，2024年6月在曼徹斯特全球首演，7月到紐約演出，2025年10月於北京呈現。黃若將這種體驗擴展成一場城市活動，讓觀眾真正成為交響樂的一部分，將他們的腳步與存在編入音樂紋理，讓城市本身成為流動的舞台。順應不同的城市，有不同的路線設定。

黃若坦言，他是帶著對現代都會人際關係的反思，進而萌生了《浮聲之城》的創作理念。他觀察到，現代社會中，智慧型手機雖然是為了連接和聯絡而生，卻經常成為人與人之間最大的隔閡。「有時雖然家人、朋友在同一個客廳裡，但每個人都在自己的電子產品上，沒有人講話，沒有人交流。Technology（科技）實際上是隔閡了我們。」

如何將城市裡的人們透過一部作品連接起來？他決定反轉手機的孤立功能，讓它成為分享的工具。即使是平常沒有習慣進劇場、聽音樂會的人，也會想參與的作品。

從室外走向室內的動態樂譜

要欣賞《浮聲之城》，首先必須完成第一段戶外部分，使用手機App體驗。在戶外，觀眾也是「樂器」的概念，在下載 App 後，會隨機被分配到交響樂中13個不同聲部（如長笛、大提琴等）音軌。

接著，每位觀眾代表的「樂器聲」一起在戶外播放，就像是眾人合奏，隨著不同路線的參與者在城市中走動，聲音自然地疊加、交融。人群愈密集，聲音就愈豐富。

如此一來，城市成為動態的樂譜，參與者的腳步、城市的街道、突發的環境聲，如：救護車聲、街頭藝人、車水馬龍，都成為作品的一部分。黃若形容，「觀眾手持手機播放聲音的目的，是為了把自己的聲音跟大家共享。」

黃若表示，「希望大眾能夠 Share with them what you have, and then you could get what they have. You complete their world and they will complete your world（分享你擁有的，並得到他們擁有的；你圓滿他們的世界，他們也會圓滿你的世界）。」

打破台上台下界線！將音樂廳變為流動空間

《浮聲之城》的第二部分是室內演出，當不同路線的觀眾從城市各處匯聚到音樂廳後，將共同體驗音樂的高潮。針對臺中國家歌劇院的場地，黃若提出新構想，「我希望把現場樂隊安排在大劇院內不同的角落，讓聽眾自由走動。你可以跑到長號後面去聽，你的聲音透視感（Perspective）會完全不一樣。」

黃若表示，這能解決傳統音樂廳座位與舞台固定的問題，讓觀眾在已經預設好的場地中，依然能獲得沉浸式與互動式的體驗，最終目標就是打破聽眾與演奏者、場地與非場地之間的無形之牆。

黃若認為，藝術應當是推動社會往前的功能。他希望《浮聲之城》能在不同的城市帶來共鳴，讓身處繁忙都市中的人們，有機會Slow down（慢下來），聽見那些平時忽略的聲音。

2026 NTT Arts NOVA 曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

場次資訊：2026/3/28 (六) 10:00、15:00，2026/3/29 (日) 10:00、15:00，共4場

展演地址：臺中國家歌劇院大劇院（臺中市西屯區惠來路二段101號）

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_{文｜李欣恬　圖片提供｜臺中國家歌劇院}