與臺灣互動密切，法國蒙彼里埃國家編舞中心 (ICI—CCN Montpellier) 藝術總監––克里斯汀．赫佐(Christian Rizzo)，甫結束新加坡國際藝術節演出，旋即來臺宣傳10月在歌劇院的《伊恩症候群》(le syndrome ian)。赫佐創作的《伊恩症候群》與《依據真實》(d après une histoire vraie, 2013) 及《朝黑暗趨近》(ad noctum, 2015) 同為大眾舞蹈（danse anonyme）三部曲系列，並於2016年榮獲梵克雅寶集團贊助的費朵拉年度芭蕾製作獎 (FEDORA -Van Cleef ＆Arpels Prize)。

今日歌劇院藝術總監王文儀介紹赫佐作為臺中的新朋友，從10月的《伊恩症候群》，到明年以「連結— CONNECTION」為主題的2018年NTT-TIFA節目演出，可以看見鬼才藝術哲學家赫佐，獨具全球與當代的視野。透過這些藝術家的作品，結合藝術與科學，傳達對世界無限的好奇，並企圖追求真實、尋找成長的答案。

赫佐表示他總是不斷提問，企圖打破疆界的限制與觀眾相遇。王文儀提到夜店的紙醉金迷是一種獨特文化，赫佐則認為紙醉金迷這詞彙相當迷人，創造一種反差的詩意，也開啟與觀眾對話的媒介。而這次與歌劇院合作，赫佐對歌劇院的勇氣與企圖心印象深刻，因歌劇院是座新場館，可以大膽探索這座城市的特質。他認為劇場的魅力在於「暗示」，如同畫家筆觸，或作曲家的音符，因此2018年NTT-TIFA赫佐將透過科技、數位、物件與觀眾進行連結，這些作品猶如宣言，是藝術家表達當下創造力的嘗試。

赫佐也分享領導者與文化之間的觀點：他表示領導者的決策十分重要，如密特朗任職總統時期，興建了許多文化藝術場館，讓表演藝術有場域發揮，可以被觀眾看見，這是場館的使命，也是他希望為臺中帶來冒險、追尋的思維。現場赫佐親切用中文打招呼，邀請臺中及全臺灣的觀眾，在今年十月至明年NTT-TIFA走進歌劇院，享受一場想像力的冒險！

自身經驗觀察大眾流行音樂與夜店文化共通點，創作對時代的詩意回應

《伊恩症候群》的命名，赫佐刻意選擇「症候群」這個詞彙，雖然這種病症根本就不存在，但他相信熱愛舞蹈、相信舞蹈價值、想要一直跳舞的人都染上了一種「症候群」，它無法治癒，只有一直跳舞才能獲得紓解。

這支舞編創源自他青少年時期自身的舞廳經驗，探討人類身體姿態：觀察迪斯可舞步旋扭身體的動作，發覺流線型身體律動，與夜店人們慾望竄動、感官刺激互為呼應。1979年，赫佐見證迪斯可與新浪潮舞蹈在夜店相遇，當時英國雖經歷首波經濟危機，但倫敦的夜生活依舊歌舞昇平。另外，近年歐洲恐攻事件不斷，舞蹈來自略為暴力的能量撞擊，也在表達人和人親疏相處改變的探問，反思身體舞動的本質，提問舞蹈是什麼？

《伊恩症候群》於2016年蒙彼里埃舞蹈節演出後佳評如潮，更受巴黎、瑞士的劇院邀請共同製作。赫佐以迪斯可和新浪潮兩種音樂的共同點─低音貝斯的變化，邀請「棺材樂團/紫褐色時刻樂團」(Cercueil / Puce Moment)用充滿現代性的聲音效果，將當代音樂符號帶回80年代環境之中。

赫佐認為振奮人心音樂下的群舞營造出一種天真、歡樂的氛圍，不論是曾經經歷過紙醉金迷的80年代，或是現在年輕人，都能快速在流行音樂的節奏找到共鳴的語彙，輕鬆進入他的創意舞蹈表達的意涵。然而，即使面對這種純真歡樂氛圍，我們卻無法擺脫恐懼的感受，赫佐認為35年後，觀察兩種相異的身體狀態，在體驗龐克搖滾下的強烈感官刺激中，尋找藝術家的浪漫與詩意，顯現生命力可以省視過去也可以眺望未來。

多方嘗試跨界合作，藝術哲學家––克里斯汀．赫佐

赫佐自1990年開始嘗試跨界創作，成立搖滾樂團、創立自己的服裝品牌，並且與不同編舞家合作，也接受包含舞蹈、歌劇、時尚圈以及視覺藝術界的委託創作，作品極為豐富。2007年第一次來臺駐村創作，感受到臺灣藝術圈的熱情與溫暖。赫佐曾表示，他的編舞風格有兩種特色：早年強調舞者怎麼站起來，作品經常出現各種走路的姿勢，並且從制式的配置空間做為舞台空間。這幾年開始討論身體脫離地面的關係，探討更多關於速度、群體的問題，加入了螺旋、圓形等概念。

2015年接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監，繼續推動藝術教育工作，培養舞者和觀眾。蒙彼里埃是法國舞蹈發展的重要城市，每年六月舉辦蒙彼里埃舞蹈節，整個城市隨處可見各種舞蹈發生，是全球傑出編舞家重要舞作的發表時刻。而法國蒙彼里埃國家編舞中心更是不可或缺的合作夥伴，不僅提供場地，同時也讓藝術家發表新作，《伊恩症候群》便是他2015年，接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監後發表的作品。不僅再次讓各界看見他源源不絕的創意，更展現藝術哲學思維的時代探問。陸續受到巴黎市立劇院、世界各大藝術節邀請演出。

2018年NTT-TIFA的策展，向世人提問數位時代的科技帶給人的影響

赫佐同時身為2018年NTT-TIFA的策展人，歌劇院首次舉辦全球性節目甄選，以「連結— CONNECTION」為主題。全球性甄選計畫從今年初開始收件，針對跨領域（表演藝術、視覺藝術、新媒體等）、跨產業（製造業、工業、數位科技）及科學（天文、物理、生物等）運用結合的作品，廣邀國內外表演團隊遞案，共收取來自28個國家，147件提案，將於九月宣告最後獲選的節目，並於NTT-TIFA演出。他認為優秀藝術家會看見世界的可能性，並會從中改變，發揮更多創意，所以雖然創作時間橫跨了1979年至2018年，有些歷史性的作品，但在主要節目的選擇上扣合主題，並以過去為基礎希望能找到未來，相當精彩。

克里斯汀．赫佐也將在明年帶來大眾舞蹈三部曲的第二部曲《朝黑暗趨近》，與探討舞蹈關係，結合影像的劇場新作《依據自然》(d‘apres nature)。與歌劇院聯手策劃2018年NTT-TIFA的演出，由全球甄選脫穎而出的作品，將世界大師作品帶到臺灣，也藉由這些作品讓臺中表演藝術有機會與國際連結。

via / 臺中國家歌劇院

圖 /  Marc Coudrais、Mario Sinistaj

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2025 Camping Asia，兩年一度、為期12天在台北舉辦的全球性舞蹈營圓滿落幕。La Vie集結演出和課堂活動精彩片段，並訪談此次與會的跨領域、跨文化、跨世代藝術團隊，以回顧報導記錄下表演藝術之於當代生活別具啟發性的瞬間。本篇攤開解析5檔節目之一的英國藝術家Benji Reid跨域作品《即席寫真》內涵。

慢慢拍一卷人生跑馬燈

若要辦場題名「一生」的攝影展，哪些瞬間足以被掛上展牆？編舞攝影師Benji Reid扛著相機從英國遠道而來，如邀請觀眾和他一起「布展」似地——邊拍，邊上牆，還邊叨念著碎片式的回憶，以及自身在這些碎片中的掙扎與修復。臺北表演藝術中心藍盒子作為空的空間，先有《即席寫真》演出硬體架構進駐，再經Benji Reid掌鏡的那雙手，用逐幀敘寫的真情在90分鐘內將其填滿。

我們都將走過新生、壯盛與垂危

「攝影不是要去呈現它看起來像什麼，而是它經歷過什麼。」結合攝影、舞蹈及戲劇，《即席寫真》（Find Your Eyes）以交錯堆疊的現場投影和預錄口白鋪陳多段故事章節。Benji親自掌鏡捕捉3名舞者從最初近乎定格的肖像，漸發展成時而和自己對話、時而與他者產生關係的流動形體，勾連出一條起承轉合的「虛線」，提示生命的壯盛到垂危，並由或迷幻或清新的氣味加成嗅覺沉浸感，潛入人們的無意識層調動深刻情感投射。

快門的重量，影像飽含的故事重量

誘發感官的舞台美學、精準到位的技術執行，可謂本作兩大看點：影像全面數位化的時代，事後得以「萬中挑一」的風氣使按下快門的瞬間不再被珍重，然《即席寫真》演出中無數次喀嚓聲響後到銀幕顯影前的時間差，劃開供觀者自由想像的空白；眾人和藝術家相同或相異的視點，數秒內即能確認或校正的過程極富趣味，舉凡與白色粉末共舞的橋段本帶有頹靡氛圍，一夕之間卻迸發彷如被攝者展翅般的意象，衝起向死而生的力量。

後記：面對私密揭露，觀眾位置將發生變化？

原為知名樂團首席舞者的Benji，經歷人生低潮後轉藉攝影為療癒工具，通過鏡頭在黑暗中尋光，彰顯其藝術觀和生命哲學。故可理解弱化的表演性意味著真誠揭露，但也無可避免地讓這段90分鐘持續往復於「未完成↔完成↔未完成」的創作，比起舞作或劇作（當然實務上它還是較被歸類為舞作），更像從私密工作室挪移到公共場域的動態攝影展，挑戰「劇場」構成要件。相對地，承Benji所言，「觀眾不再只是觀看者，而是影像發生的一部分，與角色共享同一個凝視」，強化的實驗性引人期待它臻於完整，明確擊打觀眾心門，（縱使這可能是封箱演出）。

2025 Camping Asia，兩年一度、為期12天在台北舉辦的全球性舞蹈營圓滿落幕。La Vie集結演出和課堂活動精彩片段，並訪談此次與會的跨領域、跨文化、跨世代藝術團隊，以回顧報導記錄下表演藝術之於當代生活別具啟發性的瞬間。

「跳兩個小時之後，你已經累死了，那是什麼在帶領你？是『靈魂』驅使你繼續往前走。」由排灣族編舞家布拉瑞揚・帕格勒法（Bulareyaung Pagarlava）和其舞團主導的大堂課，帶領學員們重新認識舞蹈，回到每個人都擁有的「動身體」能力。編輯親臨現場，一探他「異於常規」的創作脈絡，以及台灣、日本、新加坡學員的感想。

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重新長成當代身體

早晨，北藝中心2樓的落地玻璃窗如常映入靜謐光線，數十人齊聲踏地，三兩下便將空間喚醒。布拉瑞揚繼2019年工作坊後，再攜布拉瑞揚舞團成員擔任本屆Camping Asia大堂課講師，分兩場次牽起學員和民眾的手進入原住民祭典，藉由看似簡單、重複，實則需要專注融會口中吟唱與足間踩步的傳統樂舞，觸動另一層次的感官。

「如果你願意『參與』進來，那份快樂在一般課程裡不一定能獲得。」布拉瑞揚說，正因自己身處失語年代，他返鄉成立舞團至今10年，已行遍全台55個有原住民居住的鄉市鎮。於此尋根過程中，重新編織曾斷裂的文化精神，試圖為飽經訓練的現代舞者帶來相對陌生、卻足以震撼靈魂的直覺感受。同時他致力透過部落巡演創造共同經驗，「讓和我當年一樣的小朋友得以勇敢追尋夢想。」不限發展舞蹈志業，只願埋下一株「渴望」的火苗。

洗去內化為身體記憶的標準

臺北藝術大學舞蹈系畢業後加入雲門舞集，布拉瑞揚一路師從林懷民快步實踐兒時夢想。直至2015年創團的「反芻」，他毅然放下對與錯的絕對判斷，隨非科班出身的台東孩子上山勞動，再回頭將土地裡生出的原始身體慢慢兜進劇場形式，最終構成《我・我們》等代表作品。他坦言教學遠比創作還要更難，「你在教他，其實就在教自己；你看到他長的樣子，就是你所教內容的整體。」但與團員的切磋相長，終究扭轉他「舞蹈就該怎樣」的思考邏輯，也才有機會發掘不同可能，進而建立新的平衡。

請讓自己被看見

「只有當你是你自己的時候，你的存在才有價值和意義。」走過自卑畏縮的布拉瑞揚，不斷強調主體性，鼓勵個人流露「真」的一面，更以甫落幕的《一點點厲害》迎向下個10年，「希望還有無可取代的厲害，到最後叫世界級的厲害，一直延續下去。」他身上既跳脫，又仍深情擁抱藝術的平和與熱烈，就像這一點點厲害，撐起無限展望。

同場加映：海內外學員視角

Camping Asia/布拉瑞揚舞團大堂課，與過去所受訓練有何異同？

• 台灣學員 - 當我們從頭到尾牽在一起，除了照顧自己之外，也需要照顧身邊的夥伴，並且一直去觀察這個圓的走向，不管身體、心理都感覺更緊密。
• 日本學員 - 藝術性與身體性的融合，是我渴望在此吸取到的——感受到一種「只有這裡才存在的藝術性」，我希望能將它與自己的身體連結。
• 新加坡學員 - 這裡聚焦「社群」，不那麼著重我們在學校裡學習的技術，更像是在思考我們如何聚在一起，沉浸於（團隊的）文化之中。

布拉瑞揚・帕格勒法（Bulareyaung Pagarlava）

排灣族編舞家。畢業於臺北藝術大學舞蹈系，任雲門舞集舞者多年，亦曾在歐洲與多個國際舞團合作。2015年返回台東家鄉成立布拉瑞揚舞團，編舞風格自由奔放、充滿能量，以融合原住民美學的當代表演藝術聞名。富人文精神的作品常自身體記憶、部落故事和儀式汲取靈感，致力探索身體、土地與文化間的連結，備受海內外獎項肯定。他不僅藉由舞蹈為台灣原住民發聲，更持續推動文化認同與跨文化對話。

布拉瑞揚舞團（Bulareyaung Dance Company, BDC）

由藝術總監布拉瑞揚帶領一群舞者，透過走進山裡勞動、臨岸吟唱、田野踏查，不斷挖掘己身承載的傳統與文化，並從此重新出發，發展出獨特的身體語彙。

Camping Asia大堂課

營隊期間週五上午於北藝中心2樓太陽廳舉辦、全體學員得以共同參與的通識課程。旨在引導來自不同文化、不同背景的學員體驗另一種舞蹈可能，開啟更多對身體的想像。本屆課程布拉瑞揚和其舞團成員分享原住民傳統歌謠，與學員手牽手唱歌跳舞，探索自我與他人的關係。下午課程則向公眾開放。