與臺灣互動密切，法國蒙彼里埃國家編舞中心 (ICI—CCN Montpellier) 藝術總監––克里斯汀．赫佐(Christian Rizzo)，甫結束新加坡國際藝術節演出，旋即來臺宣傳10月在歌劇院的《伊恩症候群》(le syndrome ian)。赫佐創作的《伊恩症候群》與《依據真實》(d après une histoire vraie, 2013) 及《朝黑暗趨近》(ad noctum, 2015) 同為大眾舞蹈（danse anonyme）三部曲系列，並於2016年榮獲梵克雅寶集團贊助的費朵拉年度芭蕾製作獎 (FEDORA -Van Cleef ＆Arpels Prize)。

今日歌劇院藝術總監王文儀介紹赫佐作為臺中的新朋友，從10月的《伊恩症候群》，到明年以「連結— CONNECTION」為主題的2018年NTT-TIFA節目演出，可以看見鬼才藝術哲學家赫佐，獨具全球與當代的視野。透過這些藝術家的作品，結合藝術與科學，傳達對世界無限的好奇，並企圖追求真實、尋找成長的答案。

赫佐表示他總是不斷提問，企圖打破疆界的限制與觀眾相遇。王文儀提到夜店的紙醉金迷是一種獨特文化，赫佐則認為紙醉金迷這詞彙相當迷人，創造一種反差的詩意，也開啟與觀眾對話的媒介。而這次與歌劇院合作，赫佐對歌劇院的勇氣與企圖心印象深刻，因歌劇院是座新場館，可以大膽探索這座城市的特質。他認為劇場的魅力在於「暗示」，如同畫家筆觸，或作曲家的音符，因此2018年NTT-TIFA赫佐將透過科技、數位、物件與觀眾進行連結，這些作品猶如宣言，是藝術家表達當下創造力的嘗試。

赫佐也分享領導者與文化之間的觀點：他表示領導者的決策十分重要，如密特朗任職總統時期，興建了許多文化藝術場館，讓表演藝術有場域發揮，可以被觀眾看見，這是場館的使命，也是他希望為臺中帶來冒險、追尋的思維。現場赫佐親切用中文打招呼，邀請臺中及全臺灣的觀眾，在今年十月至明年NTT-TIFA走進歌劇院，享受一場想像力的冒險！

自身經驗觀察大眾流行音樂與夜店文化共通點，創作對時代的詩意回應

《伊恩症候群》的命名，赫佐刻意選擇「症候群」這個詞彙，雖然這種病症根本就不存在，但他相信熱愛舞蹈、相信舞蹈價值、想要一直跳舞的人都染上了一種「症候群」，它無法治癒，只有一直跳舞才能獲得紓解。

這支舞編創源自他青少年時期自身的舞廳經驗，探討人類身體姿態：觀察迪斯可舞步旋扭身體的動作，發覺流線型身體律動，與夜店人們慾望竄動、感官刺激互為呼應。1979年，赫佐見證迪斯可與新浪潮舞蹈在夜店相遇，當時英國雖經歷首波經濟危機，但倫敦的夜生活依舊歌舞昇平。另外，近年歐洲恐攻事件不斷，舞蹈來自略為暴力的能量撞擊，也在表達人和人親疏相處改變的探問，反思身體舞動的本質，提問舞蹈是什麼？

《伊恩症候群》於2016年蒙彼里埃舞蹈節演出後佳評如潮，更受巴黎、瑞士的劇院邀請共同製作。赫佐以迪斯可和新浪潮兩種音樂的共同點─低音貝斯的變化，邀請「棺材樂團/紫褐色時刻樂團」(Cercueil / Puce Moment)用充滿現代性的聲音效果，將當代音樂符號帶回80年代環境之中。

赫佐認為振奮人心音樂下的群舞營造出一種天真、歡樂的氛圍，不論是曾經經歷過紙醉金迷的80年代，或是現在年輕人，都能快速在流行音樂的節奏找到共鳴的語彙，輕鬆進入他的創意舞蹈表達的意涵。然而，即使面對這種純真歡樂氛圍，我們卻無法擺脫恐懼的感受，赫佐認為35年後，觀察兩種相異的身體狀態，在體驗龐克搖滾下的強烈感官刺激中，尋找藝術家的浪漫與詩意，顯現生命力可以省視過去也可以眺望未來。

多方嘗試跨界合作，藝術哲學家––克里斯汀．赫佐

赫佐自1990年開始嘗試跨界創作，成立搖滾樂團、創立自己的服裝品牌，並且與不同編舞家合作，也接受包含舞蹈、歌劇、時尚圈以及視覺藝術界的委託創作，作品極為豐富。2007年第一次來臺駐村創作，感受到臺灣藝術圈的熱情與溫暖。赫佐曾表示，他的編舞風格有兩種特色：早年強調舞者怎麼站起來，作品經常出現各種走路的姿勢，並且從制式的配置空間做為舞台空間。這幾年開始討論身體脫離地面的關係，探討更多關於速度、群體的問題，加入了螺旋、圓形等概念。

2015年接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監，繼續推動藝術教育工作，培養舞者和觀眾。蒙彼里埃是法國舞蹈發展的重要城市，每年六月舉辦蒙彼里埃舞蹈節，整個城市隨處可見各種舞蹈發生，是全球傑出編舞家重要舞作的發表時刻。而法國蒙彼里埃國家編舞中心更是不可或缺的合作夥伴，不僅提供場地，同時也讓藝術家發表新作，《伊恩症候群》便是他2015年，接任蒙彼里埃國家編舞中心藝術總監後發表的作品。不僅再次讓各界看見他源源不絕的創意，更展現藝術哲學思維的時代探問。陸續受到巴黎市立劇院、世界各大藝術節邀請演出。

2018年NTT-TIFA的策展，向世人提問數位時代的科技帶給人的影響

赫佐同時身為2018年NTT-TIFA的策展人，歌劇院首次舉辦全球性節目甄選，以「連結— CONNECTION」為主題。全球性甄選計畫從今年初開始收件，針對跨領域（表演藝術、視覺藝術、新媒體等）、跨產業（製造業、工業、數位科技）及科學（天文、物理、生物等）運用結合的作品，廣邀國內外表演團隊遞案，共收取來自28個國家，147件提案，將於九月宣告最後獲選的節目，並於NTT-TIFA演出。他認為優秀藝術家會看見世界的可能性，並會從中改變，發揮更多創意，所以雖然創作時間橫跨了1979年至2018年，有些歷史性的作品，但在主要節目的選擇上扣合主題，並以過去為基礎希望能找到未來，相當精彩。

克里斯汀．赫佐也將在明年帶來大眾舞蹈三部曲的第二部曲《朝黑暗趨近》，與探討舞蹈關係，結合影像的劇場新作《依據自然》(d‘apres nature)。與歌劇院聯手策劃2018年NTT-TIFA的演出，由全球甄選脫穎而出的作品，將世界大師作品帶到臺灣，也藉由這些作品讓臺中表演藝術有機會與國際連結。

via / 臺中國家歌劇院

圖 /  Marc Coudrais、Mario Sinistaj

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在台灣音樂產業裡，音樂祭往往被視為一次性的絢爛煙火：陣容密集、話題快速堆疊， 然後在社群聲量退去後迅速消散。1 月 11 日 在臺北流行音樂中心舉辦的《龍虎門247音樂日》，睽違兩年後重啟，由「嘻哈龍虎門」和「我的檔期」強強聯手，想用更卓越的製作規格、更具視覺敘事的影像呈現， 試圖回答：台灣究竟還需不需要一個純正的嘻哈音樂祭？

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

「你現在還有文化使命感嗎？」當嘻哈龍虎門Podcast《沒在宣傳的時候》邀來謝乾乾作為首集嘉賓，卻被反客為主，乾乾追問：「還要做《龍虎門247》嗎？」，國瑞則回：「那你還要做《大嘻哈時代3》嗎？」

嘻哈熱潮冷卻？不能只服務特定圈層

聊起當初是如何「入坑」成為苦主？乾乾坦言：「我本來沒有要做事，只是覺得這麼有趣的活動，沒再辦很可惜，單純想『丟一點錢看看』。」他笑說從出錢到出人，沒料到後來會捲進這麼深的製作。事實上，過去也曾有人想投資《龍虎門247音樂日》，但國瑞認為，要打造一個有別於台灣既有的音樂節，若沒有共同承擔體力、時間與風險的決心，絕對不會成功。

在這次《龍虎門247》並肩籌措資源、調度人力之前，兩人逐漸變熟，是因為國瑞深耕嘻哈文化、懂脈絡，被乾乾邀請加入《大嘻哈時代2》助理導演組，「沒有人比他更適合。」後來，《夜市王》在高雄夢時代舉辦總決賽，國瑞說：「我剛好人在附近，點的牛肉麵還沒來，就被急call去現場當導播助理兼計分員」。然而，這種「太好了，你來你上」的信任，足以克服所有《龍虎門247音樂日》遭遇的困難嗎？

洛杉磯啟示：音樂節應該成為「被記住的一天」

國瑞透露，247停辦期間，他參與過不少令他為之驚艷的海外音樂節，包括在洛杉磯Camp Flog Gnaw Carnival中，看到Tyler, the Creator、Doechii的演出，當時Doechii還只是樂壇新人，卻完成了整套高度完整、極具能量的表演。「她炸場後，隔天全美國人都知道她是誰。」國瑞形容那是一整天被精心編排的文化體驗，「無論是氛圍、質感、畫面都讓我反思，哇，是不是這輩子台灣都不會出現這種等級的現場。」

視角拉回國內，台灣為什麼沒有「純嘻哈音樂祭」？答案可能很殘酷。

國瑞表示，現有的大型活動，多半仍隸屬於廠牌或以藝人作為延伸，例如本色音樂《本色祭》、玖壹壹《南北貳路音樂節》等，「247更想讓『任何世代、任何位置的饒舌歌手，都能被完整閱讀』。」

OG 回歸、世代串聯

國瑞和乾乾私下探究：「台灣市場真的不夠大嗎？」棘手的是，這次247試著做得更「純嘻哈」，公布演出陣容後，卻可能讓不那麼熟悉饒舌的觀眾卻步。國瑞回想：「以前我辦，很常被圈內人批評，說怎麼找這些人啊、根本不夠嘻哈啊。這次沒被罵，會不會是嘻哈圈覺得沒問題，可是大眾看不懂？」乾乾則指出，有被看見、被討論、被傳播出去的內容，必會伴隨質疑，「所以被罵可能才是對的！」

今年除了金曲得主熊仔、新科金曲歌王呂士軒、J.Sheon、美麗本人，滿人Manchuker的名號格外引人矚目。國瑞認為，滿人所象徵的是華語饒舌歷史的關鍵位置，若場域本身 不夠成熟，反而會顯得突兀。

針對台饒現狀，乾乾提出自己獨到的比喻——嘻哈像異國料理，有空會想去吃，但要每週都把它當主食，並不實際。「這是全球都在發生的，2025年告示牌百大熱門榜裡，嘻哈其實比以往少很多。嘻哈是否變大眾或主流，不是一個音樂節就能扭轉的事。」

Full Set 火力全開，人海戰術不如打造個人專場

要定義什麼是成功的音樂節，兩人的標準是聲音、舞台、燈光與觀眾狀態，缺一不可。

這次247最有野心的企劃，是新增被喻為「職業運動聯盟」的「龍虎門狀元」選拔。「演出陣容裡的藝人都是Pro級如名人堂的存在，在247現場迎接新的Rookies。」國瑞描述這是介於音樂節、頒獎典禮與電視節目之間的機制：參賽者先經過觀眾投票，再進入錄音室由業界前輩評分，最後站上音樂節主舞台，接受現場觀眾的即時反應。

「你站在那裡唱2、30分鐘，所有人都會知道，你有沒有準備好要成為一名職業饒舌歌手。」國瑞認為拼盤秀早已失去「被需要的理由」；但一個音樂節若不斷產出明日之星、甚至成為台灣嘻哈某種在現場被見證的「起點」，那它才有可能「長」出自己的必要性。

乾乾回應，好看的嘻哈表演要讓表演者獨自站在最前面，樂團藏在後方，「那種張力才是嘻哈最帥的時刻吧。」這次247舞台做成狹長延伸台，不僅考驗體力，藝人更貼近觀眾，意味著必須把個人魅力開到最大。

「一般音樂祭大概會用到150盞燈，我們用了750 盞，遠高於常規。」為了降低LED螢幕的存在感，不願一直投放藝人特寫、動畫素材， 他笑稱：「舞台上已經有人在演唱、講話，旁邊又放火、水、龍、地獄之類的畫面，炫目到不知道要看哪裡，這種現場會讓我『ADHD』（注意力不足過動症）發作。」

比照專輯錄音規格的音樂節現場

視覺以外，乾乾也在乎聽感。「如果我們願意為畫面花這麼多力氣，更沒有理由在聲音上退讓。」過去台灣長期存在一種慣性工作邏輯——錄音室是一套標準，外場演出是另一套標準，而音樂節現場，往往又被默認可以再更鬆。「但對我來說，聲音沒有這麼多妥協的藉口，」他並不認同「外場本來就不可能跟錄音室一樣好」這種說法。

在他的理解裡，嘻哈演出高度仰賴人聲的清晰度、低頻的控制與節奏的動態層次；如果外場聲音糊掉，歌詞不復存在，表演者的技術與情緒也會一併被吞掉，「連聽都聽不清楚，要怎麼被作品打動？」他指出，如今硬體持續進化，已有工具可以對應所有場景需求，關鍵在操作的人懂不懂、敢不敢要求。

他和我的檔期團隊，這次在247中這樣思考：「如果當作在錄一張專輯，這個音質我能不能接受？」從PA系統、混音到現場監聽，都要讓饒舌歌手在台上輸出的，是一個「可以被當成作品聽」的狀態。

「現場 x 線上」共存 247 延伸彩蛋！

《龍虎門247音樂日》將被國瑞和乾乾打造成一個「線性」節目，從下午一點到晚上十點，換場時觀眾才會被告知接下來要幹嘛，音樂節將變成可以被「導演」、被節奏控制的「長篇敘事」。

更瘋的是，乾乾還打算把我的檔期另一個全新節目IP的「試播集」直接在247現場錄製——首屆全國剪刀石頭布「世界拳王大賽」！所有參與《龍虎門247音樂日》的現場觀眾， 入場即可參戰，當日決選出的冠軍將獲得獎金十萬元，「接下來我們要從22個縣市，包含連江縣，繼續打到全台拳王總冠軍，這是一套人人都會的世界古拳法，也可以把它想像成『成功學』真人秀，那些『從來沒輸過』的人會怎麼解釋自己的勝利邏輯、心理策略？怎麼用猜拳講出一 套人生哲學？」

沒賠錢，才有下次

ㄎㄧㄤ的講完了，眼下無法忽視的卻是贊助難找、現金流吃緊。若票房與贊助未能達標，「就算大家玩得很開心，身為主辦的我們也不會開心。」

乾乾道破，整個247成本約莫1,200萬，現金流450萬，票賣光的話能回收800萬，但業務從暑假開始籌贊助，截至12月還沒有任何廠商點頭。他和國瑞對此毫不避諱地說：「絕對不要幻想賠錢還可以覺得很浪漫，賠過的人都知道帥不起來。」

國瑞回想前兩屆247都得自己背鍋、扛壓力，這次多了乾乾一起討論、消化外界的聲音，乾乾則說：「檔期像工廠，做完產品就丟出去看反應；龍虎門必須把『丟出去之後』的那段路走完，才會發生票房、口碑，反映市場現實。」從售票系統、宣發節奏，到對外溝通，他向國瑞學到很多原本不熟悉的任務，「每次開會，只要把『嘻哈』烙出來說服國瑞，他就會瞬間腦衝：『幹，好啊做啊！』可說是理性談判、感性投降啊。」

休息兩年後，以更成熟且野心勃勃的姿態回歸，國瑞期待有朝一日247能被觀眾認證是一個值得信賴、值得回來的現場，不用公布卡司、票就賣光！他和乾乾一致認為：「如果市場願意接受，它就留下來；如果不被需要，也沒有非存在不可的理由。」所以「台灣究竟還需不需要一個純正的嘻哈音樂節？」這考題，也只能交給下個有志之士來作答了。

🎧️ 耳機糾察隊　我最近在聽的嘻哈

國瑞
1. 謝乾〈剪接〉
2. 黃金年代〈十年〉
3. Multiverse〈恨帥潮〉

謝乾
1. J.cole〈Wet Dreamz〉
2. Saba & no ID〈How To Impress God〉
3. Logic〈Never Been〉

郭國瑞

嘻哈龍虎門主理人，品牌誕生於2021年，台灣第一個嘻哈推廣平台，致力於推廣嘻哈音樂和文化，並打造影音創作、音樂媒體、龍虎門247音樂節，致力於用音樂連結所有人，打造台灣的音樂場景，是目前Instagram有逾13萬人追 蹤、YouTube高達14.5萬人訂閱的新生代社群品牌。

謝乾乾

我的檔期負責人，曾任知名製作人阿弟仔的行政助理，期間接觸音樂執行製作，也曾為前饒舌廠牌南門音樂及饒舌樂團逃生口THEXIT成員，並擔任音樂製作人。2016年成立我的檔期有限公司，經手近200支MV以及廣告，近年任《大嘻哈時代2》製作人及導演、《夜市王》製作人，後者於第60屆金鐘獎榮獲「節目類節目創新獎」。

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜我的檔期有限公司、嘻哈龍虎門}

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被法國媒體喻為「一根驕傲高舉的中指，對著世界的崩壞」、「真正屬於21世紀的嶄新舞作」，法國編舞團體 (LA)HORDE 由 Marine Brutti、Jonathan Debrouwer 與 Arthur Harel 組成，2019年起接任馬賽國立芭蕾舞團藝術總監，此次於2025 Camping Asia 帶來《崩世光景》（Room With A View），構築出一個既像白色立方體、又彷彿廢墟與未來之間的空間，邀請觀眾直視世界各種光怪陸離。首度來台的 Jonathan、Arthur，以及隨著舞團返國的台灣舞者嚴龍賜，與我們暢談他們如何在崩解失序的時代中，聚集、呼吸，並共同前行。

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《崩世光景》誕生於 2020 年，那是一個全球共同經歷斷裂與不安的時間點。這件作品並非描述單一事件，而是試圖捕捉一種集體狀態： 世界正在崩塌， 但人們仍試圖在混亂中找到光的方向。

Jonathan 描述，「你可以看到一群人從各自的位置出發，慢慢走向同一個方向。」Arthur 則表示：「我們並不是要給出一個明確的答案，而是邀請觀眾感受『一起行動』本身的力量。」

對 (LA)HORDE 而言，群體不是壓抑個體的結構，而是讓個體得以被看見的場域，有人衝在最前方，也有人退到邊緣；有人承擔重量，有人短暫失衡⋯⋯，這些不穩定的關係，構成了作品最真實的情感核心。

肢體革命，讓差異並存

熟悉表演藝術的觀眾也許有察覺，當代舞蹈中，身體除了是個體的展示，也可以作為政治、社會與情感的承載容器。《崩世光景》共18位舞者未被整齊編排，
他們來自多個國家，在舞台上奔跑、跌落、支撐彼此，形成既混亂又高度凝聚的運動狀態。

「差異本身就是一種禮物。」Arthur 指出，不同性別與文化背景的舞者，對同個動作、主題，往往有完全不同的理解，「我們不追求動作完全一致，也不要求舞者複製一樣的情緒。」

音樂在《崩世光景》中亦扮演極其關鍵的角色，電子音樂製作人 Rone 以電子節拍雕塑音場地景，他與 (LA)HORDE 反覆調整節奏和密度。Arthur 回憶，一開始的音樂版本過於飽滿、接近夜店或俱樂部的強烈質感，但他們很快意識到，舞者需要空間。Jonathan表示，「音樂塑造了群體的時間感與呼吸的力量，但我們需要讓身體有呼吸的地方，讓光、舞台與陰影也能進入。」於是音樂被削減、拉開、留白，最終成為一種既推動集體、又允許停頓的節奏結構。

舞蹈，集體之凝視

表演開場，「大理石採石場」兀自矗立在舞台上，房間裡躁動的身體隨之失神跳動，觀眾看到青春的挫敗、哀傷與憂鬱，恍惚與痛苦，《崩世光景》同時存在關於和平、性別、慾望、集體、恐懼與希望的線索，觀眾只需要一起經歷。Arthur 笑稱：「我們從來不擔心觀眾是否『看懂』，那不是我們的工作。」作品一旦完成，它便不再屬於創作者，而是屬於觀眾的經驗。

Jonathan 進一步說明，「我們關心的是情感是否被觸動，而非訊息是否被正確解碼。」《崩世光景》不試圖說教，有人在其中看到革命與希望，有人感受到焦慮與失序；有人被集體能量震撼，也有人注意到個體在群體中的孤獨—這些都是作品所允許、甚至歡迎的觀看方式。

打開感知，你我都有舞動的能力

Camping Asia 致力於「讓任何人都能進入舞蹈」，正與 (LA)HORDE 的教育理念高度契合，「技術固然重要，但它不是唯一路徑。」Jonathan 和 Arthur 認為，「一個跳躍、一個滑行，都必須與作品的提問有所關聯。沒有意識的技巧才會成為問題。」

在 YouTube、網路自學盛行的時代，「我們更相信『傳承』（transmission），而不是單一系統的訓練。」Arthur 還提及，「我們與香奈兒共享一種『House』的概念—照顧創作者、重視技藝和集體關係。」無論是高級時裝或舞蹈創作，本質上都仰賴長時間的身體勞動與無限耐心。

嚴龍賜：被允許衝撞，是自我療癒的開始

嚴龍賜最早會接觸舞蹈，不是命中注定的天啟，是因為學校才藝練習可以在午休時間進行。看似輕巧的起點，後來一路延伸成他跨越台北、荷蘭、歐洲自由接案生活，再抵達法國馬賽的路。如今，他成為 (LA)HORDE 所領導的馬賽國立芭蕾舞團新加入的台灣舞者，並在《崩世光景》中登台。

母親是阿美族的嚴龍賜，真正被「身分」這件事觸動，是在參與布拉瑞揚舞團作品《勇者》及《拉歌》的過程。那段經驗給了他很大的力量，不只是讓他確定「我想繼續跳舞」，也讓他開始追問：我是原住民嗎？我的文化是什麼？多年後，他也學會用更鬆的方式回答自己，「身分不是考核，而是慢慢長出來的自我理解。」

某天深夜，他的 Instagram 收到私訊，對方正是 (LA)HORDE 團隊，邀請他參與舞者徵選，當時他十分訝異，「我好像沒有那麼酷可以加入他們？」自2024年加入後，他密集參與多個計畫。這次《崩世光景》中，段落動作強烈直接，如暴力與衝突，排練時，他常被觸動，甚至會不自覺掉眼淚，「那是一種身體把過往經驗翻出來的反應」，他心疼生命裡發生過的事，也心疼那些曾被忽略的感受，並在其中找到被治癒、被釋放的出口。

在外界的想像中，國際舞團常被貼上菁英、高壓、競爭的標籤，但嚴龍賜卻在 (LA)HORDE 這個大家庭裡感受到「愛」，舞者彼此支持、互相包容，也願意給彼此空間。他至今最難忘的，是一位 48 歲的日本資深女舞者在排練《崩世光景》時，一邊強烈拍擊自己一邊望向他，彷彿用身體鼓勵他：「勇敢一點，沒關係！」強大的能量傳遞，把「不要怕」直接撞進他的身體。

嚴龍賜想起亞洲人在表達上往往相較安靜、克制，而當有人用這麼直接的方式提醒你「可以更放開、更為自己對抗」，那一刻，他感受到自己在集體中被看見、被允許。

「台北的高密度建築、自然景觀、城市與山林的交錯，讓我們想到《崩世光景》中介於文明與崩解之間的狀態。」

訪談最後，Jonathan 與 Arthur 不忘強調：「這個世界充滿噪音、資訊超載與集體焦慮，能夠花1個小時，與大家一起靜靜地看向同個方向，本身已是極其珍貴的事。」《崩世光景》不斷叩問：在崩塌的時代，我們是否還願意一起走？而 (LA)HORDE 的答案，始終寫在那些奔跑、跌倒、再次站起來的身體之中。