睽違三年終於帶來全新專輯《孫燕姿NO.13作品：跳舞的梵谷》的天后孫燕姿，這次回歸歌壇除了讓大家再度聽見熟悉的嗓音外，更讓歌迷見識到她繪畫的長才。搶在專輯問世前夕，唱片公司也選在信義誠品舉辦《孫燕姿NO.13作品：跳舞的梵谷》特展，藉由繪畫藝術結合音樂概念，讓大家在聽見新專輯之前，搶先了解新專輯10首歌曲意境，展覽不僅有孫燕姿手繪的3幅畫作首度亮相，極為私密的13件私人物品同樣曝光，此外，更攜手台灣新銳藝術家打造一場極具視覺、聽覺的藝術饗宴！

就讓理智與瘋狂並存，從最初水彩開始，到後來油畫、素描創作，近年來孫燕姿對畫畫產生濃厚興趣，在不斷作畫的過程中，她對「先有陰暗處，才會有明亮面」有了更深刻的感悟，並對自己最熱愛的音樂有了新的想法。她試著從最暗處尋找光亮，抓住漂浮在空氣中的色彩，哼著內心的瘋狂，這些靈感及想法最終幻化成《孫燕姿NO.13作品：跳舞的梵谷》專輯的概念，而此次特展則是專輯的最佳延伸，策展團隊INCEPTION啟藝為此也邀請藝術家紀人豪、陳青琳、徐薇蕙，3人分別以新歌為出發點，透過不同藝術家的詮釋，感受音樂與視覺結合後所「再生」的創作能量。

談及學畫的起源，她害羞笑稱起因是新加坡政府給25歲以上的國民每人500元新幣(約台幣11000元)學習任何想學的金額補助，但學習後發現自己也漸漸愛上畫畫這件事。對於自己的畫首度在眾人前亮相，她表示剛開始知道要展出自己的畫，其實有些害羞，但整個過程非常的開心，希望大家喜歡。至於有否最喜歡的主分，她回答最喜歡畫人，「因為畫人，就像是畫一個精神，以畫梵谷來舉例，他就是有特別的神韻。」。

此次《孫燕姿NO.13作品：跳舞的梵谷》展覽整體空間以繪畫基礎的幾合形狀，及梵谷畫中常用顏色做為設計發展概念，每個展區都別具特色。在第一個「千姿百態」展區，層層疊疊吊掛著350公分高的孫燕姿巨型照片，利用網紗印刷技術，歌迷們可以穿梭其中，與天后來場藝術級的合影；「畫中燕姿」展區，原創畫作結合油墨導電藝術家曾偉豪的技術，藉由觸碰畫作，聆聽燕姿傳遞《跳舞的梵谷》旋律。而展區的第一幅油畫，正是看著梵谷的人像照片所畫的；也有在拍攝《跳舞的梵谷》MV時，燕姿嘗試演出不同的角色，多面的層次帶給她巨大的挑戰，回家後靈感來了，創作出一張筆觸簡約，卻十分傳神的自畫像。

「日常姿味」展區則經選自她日常生活中的13樣選品，像是老公為了鼓勵她而送的床頭書、覺得舒服所以穿了10年的睡衣、環保餐盒和水壺等等，歌迷都可透過這些物品的呈現讓歌迷們能夠一探燕姿日常生活的樣貌。展覽中也暗藏一道門，高度特別設定為孫燕姿身高162cm，將她的畫作手稿，以及陪她遊歷世界的行李箱放置於小房間內，讓歌迷走入燕姿的世界。

「記憶拼圖」展區，則邀請歌迷一同參與數位互動創作，回憶跟孫燕姿之間過往的美好故事，利用現場iPad選擇回到某年某月，留下想對偶像說的話，現場也設有QR code提供手機掃描留言，都會變成日曆投影在展區裡的白色風衣，而此區的靈感來自於新歌《風衣》，特別的是展區的風衣更是由孫燕姿與妹妹一同構思設計。「一姿獨秀」區則重新剪輯新專輯中的MV，利用大型牆面投影，讓歌迷們身歷其境。

另外，預購歌迷到現場除可兌換限量版「跳舞的梵谷」手動樂章小卡入場參觀，更可持票卡到「音姿」展區，透過手搖式音樂盒機芯與燕姿互動，聆聽她要送給歌迷們一段最狂、最美的旋律！凡是預購新專輯的歌迷即可入場參觀，於11月4日至9日在台北誠品信義店6樓展演廳舉辦的《孫燕姿 No. 13作品：跳舞的梵谷》特展。
 
 

Via / 環球音樂

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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