也許你仍然沉浸或懷念2018年，不過無論去年你過得快樂還是悲傷，且讓我們持續往前，眼朝前方明亮的康莊大道昂首闊步邁進。然而計畫還沒排，甚至不知從何下手嗎？若你是位藝術迷，那可千萬別錯過台北市立美術館今年預計推出的多元展覽！

2018年經歷9個月休館的北美館，這幢裝載滿滿藝術能量的白色方盒子，跨過2019年後正式邁入35歲，近日也搶先公開2019年度展覽計畫，規劃包含兩大重量級藝術家回顧展、數檔中堅藝術家個展及新銳藝術家申請展、兩大國際機構交流展、一檔東亞繪畫史研究展，以及2019年的全球藝壇盛事「威尼斯雙年展台灣館」，展現北美館全方位重啟續航的飽滿力量。

大師回顧與藝術史策展

首季延續「2018台北雙年展」與「2018臺北美術獎」兩大當代藝壇關注展覽，揭開年度序幕。緊接摺，兩大重量級藝術家回顧展與東亞繪畫史研究展覽無疑是眾所期待的亮點，兩大回顧展分別在安排在年初及年末，《行者．天上．人間—于彭回顧展》將接棒台北雙年展在3月底展開，年中7月由台灣策展人王品驊與南韓策展人文貞姬（MOON Chung-Hee）合作策展《她的抽象—戰後東亞缺席的女性抽象藝術史》， 12月則將有董陽孜回顧展，期望透過大師回顧與藝術史的系列策展，為台灣的藝術書寫留下檔案、立下里程。

藝術家于彭生於1955年、於2014年辭世，在近60年的人生歲月中留下大量的創作、留給人們無盡的懸想。于彭回顧展將由策展人吳超然操刀策劃，展名引自李後主《浪淘沙》詞句中「天上人間」之慨嘆，結合于彭自詡為「行者」的生命期許，貫穿策展命題。7月檔期將展出《她的抽象—戰後東亞缺席的女性抽象藝術史》，由南韓策展人文貞姬與台灣策展人王品驊共同策劃，聚焦二戰後東亞女性藝術家抽象繪畫，補寫近現代藝術史中女性藝術家篇章的缺頁，展出台、日、韓三地各大重要藝術機構典藏女性藝術家抽象繪畫作品，鋪陳東亞繪畫藝術中缺席多年的觀點與脈絡。

身為台灣書法大師的董陽孜，即使已年過70載，但其持續展現驚人的豐沛創作動能，不停在水墨筆意與書寫媒材上探索更多可能。本展極為難得首次以回顧展的形式呈現董陽孜作品，藝術家創作的歷程與轉變將完整呈現在國人面前。本次展覽北美館將展出珍藏多年的重要館藏《九歌》；《九歌》完成於1993年，作品全幅橫寬超過12米，磅礡氣勢鉅作將顛覆觀眾對於水墨的既定想像。

國際藝壇中堅交織多元豐富創作語彙

除了重量級前輩藝術家回顧展，北美館也策劃了多檔中堅世代藝術家個展與策展交流，包含來自盧森堡的藝術家謝素梅（Su-Mei TSE）、日本視覺聲光藝術家池田亮司（Ryoji IKEDA）、泰國錄像藝術家阿比查邦．韋拉斯塔古（Apichatpong WEERASETHAKUL），共同交織開放語境的展覽場域。盧森堡藝術家謝素梅創作歷程穩健、創作成果質量兼具，包含錄像、繪畫、雕塑、裝置等多樣媒材均為她所擅長的創作語彙。謝曾在歐、美、亞洲各地舉辦過多次個展，更曾多次獲得國際大獎與重要展覽的肯定。

2019年4月展出《謝素梅：安棲》，以個展形式展出她多年創作研究的成果，並將帶來她為本次展覽創作的全新作品。日本藝術家池田亮司是活躍於國際藝壇的知名電子作曲家與視覺藝術家，其創作運用數位演算法融合聲音、視覺、物理現象，打造感染力強烈的音像場域。

泰國藝術家個展「阿比查邦．韋拉斯塔古：狂中之靜」由資深泰國策展人Gridthiya Gaweewong為國際獨立策展人協會（ICI, Independent Curators International）策畫，展出泰國導演／錄像藝術家阿比查邦錄像作品。阿比查邦被譽為「東方第一魔幻寫實名導」，2010年以作品《波米叔叔的前世今生》榮獲第63屆坎城影展金棕櫚獎。本次展出其10件錄像裝置、7部影片，以及相關系列作品共20餘件，以強烈的影像敘事風格帶來獨特的展覽呈現。

跨國機構交流

北美館的國際交流除了引介重要藝術家來台展出，與海外藝文機構及策展交流互動亦高度密切：2019年將先後於4月與法國里昂國立音樂創作中心（Centre National de Création Musicale, Lyon, France）、11月與澳洲博斯當代藝術中心（PICA, Perth Institute of Contemporary Arts, Australia）合作展覽。本次與里昂國立音樂創作中心合作展覽《樂動：光與聲的詩》，由該藝術中心總監詹姆斯吉魯東（James Giroudon）策劃，集結24位國際藝術家，展出音像裝置作品，透過聲響與影像的結合呈現，將帶給觀眾視覺與聽覺共感共構的獨特體驗。

11月與澳洲博斯當代藝術中心的合作計畫緣起於台北市與博斯市1999年締結的姊妹市盟約，2019年雙城友誼正式邁入第20年，台北與博斯的兩座市立美術館將在此難得機會展開策展交流，兩座美術館將指定策展人代表館方前往友館進行在地研究，並將在當地汲取的研究成果帶回館內進行策展，運用觀點的交流，取鏡不同脈絡視角照見自身文化熟悉卻陌生的再詮釋。 

揮灑海內外藝壇舞台

今年北美館國際交流的最大重點「第58屆威尼斯雙年展台灣館」將在義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸舉行。代表參展藝術家鄭淑麗、策展人保羅‧普雷西亞多（Paul B. Preciado），選定展名「3x3x6」，展出鄭淑麗以台灣館場域進行全新創作之同名作品，以其擅長的複合媒材創作手法，結合影像、裝置、電腦運算等跨域創作語彙，打造出歷史與當下、虛擬與現實世界互融的情境，聚焦探討藝術家與策展人共同關注多年且近年受到社會廣泛討論的網路與性別議題。

未來一年也是台灣新銳藝術家各擅勝場的一年，北美館內將有張碩尹、李明學、侯怡亭、倪灝、黃華真、吳權倫、張般源、陳郁文共8位藝術家先後在館內展出個展。此外，2016年臺北美術獎首獎得主黨若洪將於2019年8月重返北美館舉辦個展，與各界分享他在得獎後兩年來的創作歷程與收穫。

2019北美館展覽亮點

行者．天上．人間—于彭回顧展

2019.03.30－06.30 【2樓2A、2B展區】

藝術家于彭出生於1955，過世於2014。在短短不到六十年間，他留下了大量的作品與令人無盡的懷念。「行者．天上．人間—于彭回顧展」自2014年于彭辭世之後開始發想籌備，迄今開展將近五年。策展人吳超然為了籌備本展拜訪超過五十位于彭生前的友人、收藏家，精選于彭的素描、水彩、油畫、版畫、書法、水墨與陶瓷的將近150件作品展出，以不同主題結合時間軸的概念將全展分為八大主題，呈現于彭的藝術生涯與歷程。

于彭在世時作息日夜顛倒、布衫草履打扮，身居鬧市裡的庭園古宅，過著近乎傳奇式的生活。然而，策展人吳超然特別強調，本次展出並非企圖突顯于彭的傳奇色彩，而是希望透過藝術史內部傳統與藝術史傳統之外的影響，來理解于彭的創作意識來源，真切地認識這位藝術家與他的創作脈絡。

樂動：光與聲的詩 Musica Mobile, the Poetics of Sound and Movement

2019.04.13－07.14 【1樓1A、1B展區】

《樂動》由臺北市立美術館與法國里昂國立音樂創作中心共同合作，策展人詹姆斯‧吉魯東（James Giroudon）所策畫，集結二十多位國內外當代藝術家，數十件音像與音像裝置作品，探討「行動」（movement）如何透過「時空」的遞嬗與過渡，展現當代藝術的可能性。「樂動」取自皮耶-亞蘭．傑夫荷努（Pierre Alain Jaffrennou）的同名裝置作品，展覽回應今日行動世界的變幻莫測，它嘗試啟用跨平台、實驗性的影音裝置，借助各種姿勢及行動的流動轉變，推動著樂音在變幻不停的空間中跌宕行進。它們時而低吟呢喃、時而雄偉壯闊，伴隨著彷彿具有生命般的影像躍動眼前，讓我們沉浸於無所不在的流動音聲中，震撼著想像，開啟全新的感官世界。

謝素梅：安棲 SU-MEI TSE：NESTED

2019.04.20－07.21 【地下樓D、E、F展區】

因著亞歐混血的學養及對世界性音樂的興趣，謝素梅的藝術實踐融合了諸如時間、記憶、音律、身分和語言等主題。她的藝術創形式多樣：雕塑、影像、攝影、裝置，並在空間中靈活的調和不同的類型，諸如聲音與圖像、音樂與空間、自然與文化、心理空間與感官體驗，藉此探測圖像、物體和聲音觸發觀眾想像力的可能性。謝素梅細心經營作品中意義的逐漸顯現及其消逝，簡潔的形式與其散射出的多重閱讀層次，形成對比。本次展覽彙集大量近作與新作。新的創作方向明顯聚焦在包括靜觀、人與植物和礦物間的關係，多樣性的存在模式，以及與過往間敏感關係的對應。

106年申請展：張碩尹、李明學、侯怡亭、倪灝

2019.04.27－07.21 【3樓3A、3B展區】

臺北市立美術館「106年申請展」首度透過線上系統公開徵件，共有125件展覽計畫提案完成報名。透過內、外部共七位評選委員遴選出4位優秀藝術創作者及其展覽計畫（依姓氏筆畫排序）：倪灝「伏擊」、張碩尹「北冥有魚．其名為鯤」、侯怡亭「時間/影像─繡場計畫」、李明學「在放鬆的多數的陽光中」。獲選4件計畫將安排於北美館3樓A、B展區同時展出，刺激展覽之間的交織對話及集體行銷，支持臺灣新銳藝術家發展。

「第58屆威尼斯雙年展」台灣館鄭淑麗《3x3x6》

2019.05.11－11.24 【威尼斯普里奇歐尼宮邸  （Palazzo delle Prigioni）】

2019年《第58屆威尼斯國際美術雙年展》台灣館，由鄭淑麗出線為參展代表，為台灣館推舉單一藝術家參展以來首位女性藝術家。以威尼斯雙年展台灣館展場普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）曾作為總督宮（Palazzo Ducale）之附屬監獄的歷史出發，本次鄭淑麗創作多重介面的沈浸式裝置作品，探討在當代社會中各式應用於禁錮及控制的科技，從實質的身體監禁以至於無所不在的監視器環伺下形成的監控系統。

以十位歷史上及當代由於特殊性別取向而不見容於社會、甚至遭受監禁的個體為靈感，《3x3x6》探詢不同時代下視覺及法治霸權建構、及合理化關於性與性別成規的方式。展覽暨作品名稱「3x3x6」來自可見於全球的新型監獄建築模型，「3x3」指涉九平方米的拘禁空間，而「6」則是不停監看著該空間的六個監視器。《3x3x6》為結合實體空間及監看機制之監禁維度，探討當代民主社會中自由及控制的現狀。本作品邀請觀者想像一個解除身體禁錮的社會，更進而想像一個能夠從既有認知與規範中被解放的社會。

她的抽象—戰後東亞缺席的女性抽象藝術史

2019.07.20－10.27 【3樓3A、3B展區】

本展邀請南韓策展人文貞姬與台灣策展人王品驊共同策劃。針對二次戰後，東亞的日本、韓國與台灣三國，進入現代國家、民主社會與經濟蓬勃發展的共同趨勢，促使東亞文化圈成為亞洲區域在全球化結構中的重要版圖。本策展之研究起點在於提出「抽象藝術」加上引號的概念，意味著開放性的當代視點，藉由展覽的女性藝術家在戰後橫跨迄今的努力所鋪陳出的抽象藝術歷史軌跡回顧，探究「抽象藝術」於今如何定義？

此語詞足以連結亞洲與西方文化對話歷程的東亞現代性意涵，以及戰後在地藝術生態現代藝術的轉譯，此種進入當代繪畫後的發展，究竟是一種對於抽象藝術的重寫、或另類變奏？東亞現代性如何接受西方文化衝擊又同時保有獨特的自我解讀？均成為此展關切的課題。預計展出12位至15位東亞的日本、韓國與台灣三國的女性藝術家及相關抽象作品，並向國際重要機構與私人借藏。

池田亮司展

2019.08.10－11.17 【1樓1A、1B展區】

在法國定居及工作的池田亮司已是國際知名電子作曲家和視覺藝術家，作品長年在歐美發表。池田亮司受量子物理學啟發，運用演算法創造出一個融合了聲音、視覺、物理現象、觀眾參與不斷疊加訊號與訊息的音像場域。通過現場表演、裝置、出版和CD持續發展系列性作品如：《數據》（2006-），《測試模式》（2008-），《光譜》（2000年），與Carsten Nicolai合作「cyclo」，《疊加》（2012-），《超對稱》（2014-）和《微觀｜宏觀》（2015-）。在AI人工智慧進展迅速、人類社會生活倚賴數位科技進行溝通、消費與行動的當下，本次池田亮司個展，將邀請藝術家針對本館創作現地製作作品並延伸相關議題。

臺北獎首獎展—黨若洪個展

2019.08.17－11.10 【地下樓D、E展區】

黨若洪，2016年臺北美術獎首獎得主。當屆評審團主席林宏璋評論首獎藝術家黨若洪作品：「黨的『畫面裝置』組裝各樣的美學風格，錯落援引各式文化象徵，其視覺性的紛亂分裂，崩解頹塌的人物聖像，以及身體感的筆觸肌理，讓碎裂、多元、離散的挪用著過往藝術史及文化史素材形成特定特質的美學策略，不僅僅是個人生命傳記的書寫，更是一個屬於在地的文化政治寓言，讓繪畫本身在意大利『超前衛（trans-avant-garde）』及美國『新表現主義（neo-expressionism）」之『外』的在地美學姿態。」2019年黨若洪個展，藝術家將帶來其持續累積創作的成果，用獨特的美學語彙分享的他的創作歷程。

107年申請展

2019.08.17－11.03 【3樓3A、3B展區】

臺北市立美術館「107年申請展」經過為期二個月線上系統公開徵件，共95件展覽計畫提案完成報名。經館內外評選委員薛保瑕、賴純純、胡坤榮、黃建宏、蘇匯宇、余思穎、張芳薇共七位共同評選，遴選出四位優秀藝術創作者及其展覽計畫（依姓氏筆畫排序）：吳權倫「無國之犬」、張般源「解散之物件及其遺產」、陳郁文「日常的虛擬重建—虛與實的感知體系」、黃華真「曠野的溫柔」。2019年8月起將於北美館3樓展出獲選計畫。

臺澳交流展

2019.11.16－2020.03.29 【2樓展區】

臺北市與澳洲博斯市1999年締結的姊妹市盟約，2019年雙城友誼正式邁入第20年，臺北與博斯的兩座市立美術館也將藉此難得機會展開交流。為歡慶雙城友誼邁向嶄新篇章，本館特與澳洲博斯當代藝術中心(Perth Institute of Contemporary Arts)共同合作，通過策展交流模式，由兩座專業美術館指定策展代表前往當地進行訪問研究，並藉由主題式的策畫及展出，將成果鋪陳於觀者眼前。通過雙城歷史為主軸，結合兩地藝術家的在地觀點，本展試圖以不同脈絡視角照見自身文化熟悉卻陌生的再詮釋，在自我、他者的交互對話中，消弭彼此間的物理距離，共構出多元豐富的傾聽與凝聚。

阿比查邦．韋拉斯塔古：狂中之靜 Apichatpong Weerasethakul: The Sernity of Madness

2019.11.30－2020.03.08 【3樓3A、3B展區】

泰國導演/藝術家阿比查邦．韋拉斯塔古（ Apichatpong Weerasethakul ），在拍攝影片時因獨到的神秘主義演繹手法，達到極高的藝術表現，深獲國際影壇的好評，而有「東方第一魔幻寫實名導」的聲譽，並多次得到國際大獎的肯定，最具代表者如他在2010年憑《波米叔叔的前世今生》，獲得了第63屆坎城影展金棕櫚獎。本展是資深泰國策展人Gridthiya Gaweewong 為國際獨立策展人協會（ICI, Independent Curators International）所策劃的展覽。

展覽內容涵蓋阿比查邦從1993-2016所創作的作品，包括：10件錄像裝置作品、7部影片，以及平面作品與一系列檔案（包括影片、輸出、拍立得系列、電影腳本、書籍、漫畫、插畫、電影海報等）。展出內容亦涵蓋極少曝光的實驗短片，除了對泰國社會政治現況的批判外，亦包含他所關心的種族、權力、科學、勞工、性別與靈性等主題。這個展覽的幾個重要單元如：私人的世界，到人與其至親好友與長期合作的伙伴；再到公眾面，他藉由抽象的經驗向度、利用光、記憶與詩意，讓空間與個人精神產生錯置。

董陽孜展

2019.12.14－2020.03.29 【1樓1A、1B展區、2樓202至204展區】

董陽孜生於1942年，以獨特書法著名。早年國立師範大學畢業，赴美國麻州大學取得藝術碩士後返臺。其書法歷程獨特，始於傳統書法筆法的訓練，底子深厚，復融合西畫與西方造型藝術的訓練，使其書法始於傳統，超越傳統而於現當代藝術發展中獨樹一幟。董陽孜稱她的書法「書畫」，書法前輩臺靜農與藝評人漢寶德則認為她做到了書與畫融合。

在高速科技發展與變遷下的當代社會，中國獨特的書法到底扮演什麼角色? 藉由梳理書法家董陽孜幾十年的書藝歷程，希望能尋索出當代水墨重新定位的線索。此次個展將回顧並探討董陽孜的「書畫」歷程與其在現當代社會與藝術發展的可能涵義。

文字整理：Ian Liu

via 北美館

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」