2019「第58屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館「3x3x6」！藝術家鄭淑麗展開探討監控與解放的創作計劃

臺北市立美術館主辦之2019年「第58屆威尼斯雙年展」台灣館，代表參展藝術家鄭淑麗、策展人保羅‧普雷西亞多偕同北美館團隊，於今日宣布展名「3x3x6」，將展出鄭淑麗以台灣館場域進行全新創作之同名作品，以其專擅的多重媒材創作手法，結合影像、裝置、電腦運算等打造出歷史與當下、虛擬與現實世界互融的情境，集結展呈其三十餘年來藝術生涯的創作脈絡。

鄭淑麗（1954–）成長於臺灣，在西方建構其獨特的藝術觀念，致力於創造當代有關身體、欲望、心理狀態、科技議題的跨文化對話。身為全球當代網路藝術的先行者，其作品探索晚期資本主義及全球化時代下科技與身體之間變動的關係，及其對身體政治所帶來的影響。鄭淑麗結合女性主義及酷兒文化中的批判性及視覺傳統，以尖端的數位/電子科技及電腦運算，於線上及線下創造展演式的作品。她的影像、藝術裝置、互動介面以及現場展演深沉思考影像及虛構敘事之力量，藉以翻轉社會性別、性別取向、以及種族的現行常規。

以威尼斯雙年展台灣館展場普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）曾作為總督宮(Palazzo Ducale)之附屬監獄的歷史出發，本次鄭淑麗創作多重介面的沈浸式裝置作品，探討在當代社會中各式應用於禁錮及控制的科技，從實質的身體監禁以至於無所不在的監視器環伺下形成的監控系統。以十位歷史上及當代由於特殊性別取向而不見容於社會、甚至遭受監禁的個體為靈感，「3x3x6」探詢不同時代下視覺及法治霸權建構、及合理化關於性與性別成規的方式。展覽暨作品名稱「3x3x6」來自可見於全球的新型監獄建築模型，「3x3」指涉九平方米的拘禁空間，而「6」則是不停監看著該空間的六個監視器。「3x3x6」為結合實體空間及監看機制之監禁維度，探討當代民主社會中自由及控制的現狀。本作品邀請觀者想像一個解除身體禁錮的社會，更進而想像一個能夠從既有認知與規範中被解放的社會。

本創作衍生自鄭淑麗受美國紐約古根漢美術館委託創作並典藏之首件網路藝術作品《布蘭登》（BRANDON，1998-1999年）中的全景敞視(panopticon) 介面，將展覽主要場域打造為高科技的監視空間，注入從歷史中取材的真實資料及虛構敘事，以及透過網路進行的即時互動。經由電腦運算，藝術裝置將三個影像來源交織混編進行投影，其中包含徵得現場觀眾同意所截取的觀者群像，以及任何人皆可透過本展覽之手機應用程式上傳的自拍影像。這些真實的影像資訊將經電腦程式數位駭編成跨性別、跨種族的數位影像，作為對於全面監看網絡的反抗與介入。

鄭淑麗針對上述十位角色之人物原型進行縝密的個案研究，包含義大利傳奇情聖傑可莫·卡薩諾瓦(Giacomo Casanova)、法國哲學家米歇爾．傅柯(Michel Foucault)、薩德侯爵(Marquis de Sade)等橫跨古今的案例，分別發展出十段情節虛構的「跨性別-龐克」（transpunk）短篇影片，以科幻及抽象的影像形式呈現。納入真實世界法庭審判資料，夾雜假新聞、歷史報告，傳聞及幻想，作品帶領觀者步入敘事線多重匯流的迷陣，於此，再現者與被再現者、觀看者及被觀看者之間的距離徹底被檢視與挑戰。策展人普雷西亞多評論：「鄭淑麗迫使觀者自我詰問懲戒與歡愉、監視與慾望之間的關係，而我們在面對時時受系統監視的常態之下，同時卻又如何主動參與並享受監視他者的行為。『3x3x6』探索政治懲戒與性愉悅、觀看方式與主體生產過程之間的關係，企圖將當今社會中一覽無遺的監視目光，反轉為參與賦權的共同視野，重新界定主流權力結構定義下的欲望和歡愉。」

鄭淑麗表示：「透過這個展覽，我們探索抵抗高度監控社會的可能策略，主張對抗壓制時、自我堅守的尊嚴，以及無論幸福或不幸、尊重個人追求不同版本人生之權利。」

同日下午2:00於北美館視聽室，以「轉型中的民主：第四次工業革命中的自由、藝術與合作行動」為題，藝術家鄭淑麗、策展人保羅‧普雷西亞多將邀請國際知名社會創新專家、臺灣第一位數位政務委員唐鳳展開對談，從本次展覽概念延伸，討論藝術、行動主義、數位科技、以及批判性的論述，如何相輔相成，以形塑新型態社會實踐與新主體性。

展覽座談簡介

我們所在的星球，正經歷一場轉型。數位科技、「萬物聯網」、3D列印、人工智慧、生產自動化、基因工程等…接踵而來的變化極為複雜，唯有十六世紀印刷術及蒸汽機發明後的轉變可與之比擬。假若過去的工業革命改變的是生產方式，現今的演算法與生物科技革命則徹底扭轉社會再製、通訊與串聯的技術。如何從人類與動物及機器的相互關係來定義人類？

又，從生態及政治的觀點來看，何謂永續生存的社會？我們正值重新協商既有定義的時刻，必須集結眾人之力，共同撰寫新的社會契約。這是一個潛力無窮的時代，但也存在極高的風險。不具話語權的主體（就階級、社會性別、生理性別、性傾向、年齡、社會身份等方面而言）開始要求取得政府及知識生產的技術的權利。在此典範轉移中，我們亟需新的語法與批判性的實踐，以利技術變革應用於社會創新及民主體制。我們的挑戰正是要能夠想像一個基進的改造：政治必須加入藝術的行列。

鄭淑麗與保羅‧普雷西亞多與唐鳳挑戰傳統的性別、性與政治階級制度，他們各自的計畫皆在此行星層次的巨大轉型之際，致力於轉化集體想像並闡述新語言及新型態的實踐方式。歡迎參與這一場由2019威尼斯雙年展台灣館代表參展藝術家鄭淑麗、哲學家暨台灣館策展人保羅‧普雷西亞多以及國際知名社會創新者唐鳳所帶來的精采對談。

via 臺北市立美術館

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23