臺北市立美術館主辦之2019年「第58屆威尼斯雙年展」台灣館，代表參展藝術家鄭淑麗、策展人保羅‧普雷西亞多偕同北美館團隊，於今日宣布展名「3x3x6」，將展出鄭淑麗以台灣館場域進行全新創作之同名作品，以其專擅的多重媒材創作手法，結合影像、裝置、電腦運算等打造出歷史與當下、虛擬與現實世界互融的情境，集結展呈其三十餘年來藝術生涯的創作脈絡。

鄭淑麗（1954–）成長於臺灣，在西方建構其獨特的藝術觀念，致力於創造當代有關身體、欲望、心理狀態、科技議題的跨文化對話。身為全球當代網路藝術的先行者，其作品探索晚期資本主義及全球化時代下科技與身體之間變動的關係，及其對身體政治所帶來的影響。鄭淑麗結合女性主義及酷兒文化中的批判性及視覺傳統，以尖端的數位/電子科技及電腦運算，於線上及線下創造展演式的作品。她的影像、藝術裝置、互動介面以及現場展演深沉思考影像及虛構敘事之力量，藉以翻轉社會性別、性別取向、以及種族的現行常規。

以威尼斯雙年展台灣館展場普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）曾作為總督宮(Palazzo Ducale)之附屬監獄的歷史出發，本次鄭淑麗創作多重介面的沈浸式裝置作品，探討在當代社會中各式應用於禁錮及控制的科技，從實質的身體監禁以至於無所不在的監視器環伺下形成的監控系統。以十位歷史上及當代由於特殊性別取向而不見容於社會、甚至遭受監禁的個體為靈感，「3x3x6」探詢不同時代下視覺及法治霸權建構、及合理化關於性與性別成規的方式。展覽暨作品名稱「3x3x6」來自可見於全球的新型監獄建築模型，「3x3」指涉九平方米的拘禁空間，而「6」則是不停監看著該空間的六個監視器。「3x3x6」為結合實體空間及監看機制之監禁維度，探討當代民主社會中自由及控制的現狀。本作品邀請觀者想像一個解除身體禁錮的社會，更進而想像一個能夠從既有認知與規範中被解放的社會。

本創作衍生自鄭淑麗受美國紐約古根漢美術館委託創作並典藏之首件網路藝術作品《布蘭登》（BRANDON，1998-1999年）中的全景敞視(panopticon) 介面，將展覽主要場域打造為高科技的監視空間，注入從歷史中取材的真實資料及虛構敘事，以及透過網路進行的即時互動。經由電腦運算，藝術裝置將三個影像來源交織混編進行投影，其中包含徵得現場觀眾同意所截取的觀者群像，以及任何人皆可透過本展覽之手機應用程式上傳的自拍影像。這些真實的影像資訊將經電腦程式數位駭編成跨性別、跨種族的數位影像，作為對於全面監看網絡的反抗與介入。

鄭淑麗針對上述十位角色之人物原型進行縝密的個案研究，包含義大利傳奇情聖傑可莫·卡薩諾瓦(Giacomo Casanova)、法國哲學家米歇爾．傅柯(Michel Foucault)、薩德侯爵(Marquis de Sade)等橫跨古今的案例，分別發展出十段情節虛構的「跨性別-龐克」（transpunk）短篇影片，以科幻及抽象的影像形式呈現。納入真實世界法庭審判資料，夾雜假新聞、歷史報告，傳聞及幻想，作品帶領觀者步入敘事線多重匯流的迷陣，於此，再現者與被再現者、觀看者及被觀看者之間的距離徹底被檢視與挑戰。策展人普雷西亞多評論：「鄭淑麗迫使觀者自我詰問懲戒與歡愉、監視與慾望之間的關係，而我們在面對時時受系統監視的常態之下，同時卻又如何主動參與並享受監視他者的行為。『3x3x6』探索政治懲戒與性愉悅、觀看方式與主體生產過程之間的關係，企圖將當今社會中一覽無遺的監視目光，反轉為參與賦權的共同視野，重新界定主流權力結構定義下的欲望和歡愉。」

鄭淑麗表示：「透過這個展覽，我們探索抵抗高度監控社會的可能策略，主張對抗壓制時、自我堅守的尊嚴，以及無論幸福或不幸、尊重個人追求不同版本人生之權利。」

同日下午2:00於北美館視聽室，以「轉型中的民主：第四次工業革命中的自由、藝術與合作行動」為題，藝術家鄭淑麗、策展人保羅‧普雷西亞多將邀請國際知名社會創新專家、臺灣第一位數位政務委員唐鳳展開對談，從本次展覽概念延伸，討論藝術、行動主義、數位科技、以及批判性的論述，如何相輔相成，以形塑新型態社會實踐與新主體性。

展覽座談簡介

我們所在的星球，正經歷一場轉型。數位科技、「萬物聯網」、3D列印、人工智慧、生產自動化、基因工程等…接踵而來的變化極為複雜，唯有十六世紀印刷術及蒸汽機發明後的轉變可與之比擬。假若過去的工業革命改變的是生產方式，現今的演算法與生物科技革命則徹底扭轉社會再製、通訊與串聯的技術。如何從人類與動物及機器的相互關係來定義人類？

又，從生態及政治的觀點來看，何謂永續生存的社會？我們正值重新協商既有定義的時刻，必須集結眾人之力，共同撰寫新的社會契約。這是一個潛力無窮的時代，但也存在極高的風險。不具話語權的主體（就階級、社會性別、生理性別、性傾向、年齡、社會身份等方面而言）開始要求取得政府及知識生產的技術的權利。在此典範轉移中，我們亟需新的語法與批判性的實踐，以利技術變革應用於社會創新及民主體制。我們的挑戰正是要能夠想像一個基進的改造：政治必須加入藝術的行列。

鄭淑麗與保羅‧普雷西亞多與唐鳳挑戰傳統的性別、性與政治階級制度，他們各自的計畫皆在此行星層次的巨大轉型之際，致力於轉化集體想像並闡述新語言及新型態的實踐方式。歡迎參與這一場由2019威尼斯雙年展台灣館代表參展藝術家鄭淑麗、哲學家暨台灣館策展人保羅‧普雷西亞多以及國際知名社會創新者唐鳳所帶來的精采對談。

via 臺北市立美術館

Thomas Demand 究竟是攝影家、模型家，還是雕塑家？或許都是。他以紙張製作歷史與日常場景的 1：1 模型，卻堅持拍攝後不保留就銷毀，藉此探問我們對歷史的記憶是否真確可靠。他的大型巡迴展《歷史的結舌》即將在臺北市立美術館登場，〈花見〉壁紙滿布一樓展廳入口，似櫻花又非花的錯覺將漫漶觀眾的感官。

生於美術與建築世家，Thomas Demand從小陶養出對藝術與空間的敏銳直覺。他曾在德國著名的攝影家搖籃——杜塞道夫藝術學院就讀，但當時卻以雕塑為主修。他起初只是為了記錄作品而自學攝影，直至1993年，才確立「拍攝紙雕塑」的創作模式。「當我在藝術學校開始製作雕塑時，我並不確定自己要投入這領域多久，所以選擇使用非常輕便、便宜、短暫且普通的材料來創作，這樣即使必須與作品告別也不會讓我心碎或破產。」雕塑的儲存空間令人頭痛，而且他的生涯經常移動，紙在表達理念後即可拋棄，需要時再重新製作，對他而言是輕巧而優雅的作法。

紙是如此容易取得、便宜且無所不在的材料，Thomas形容，「每個人每天手中至少都會有一張紙，有時我們甚至會以雕塑的方式使用它，比如把一封寫壞的信揉成一團丟掉，沒有兩個紙團會完全相同。」紙的質地喚起人們視覺與觸覺記憶中，那份熟悉不過的親切感受。當被問及為何總是在拍下模型後全部銷毀，不嘗試保留並展示時，他反問：「你不需要看到一個魔術師從帽子裡變出白兔的內部過程，對吧？」他相信藝術本就源於想像，攝影留下的雕塑紀念照片，正賦予觀眾想像空間。

以紙模型翻寫歷史與記憶

談到巡迴展《歷史的結舌》(The Stutter of History) 的命名緣起，Thomas說明，就像歷史學家在編纂編年史時，必須銜接各個關鍵事件點，可過程中那些點與點之間，實際上可能什麼都沒發生，而這些空白最後會被新的解讀填補上去。尤其在20世紀後，大眾媒體影像已經揮之不去，人們記憶中的時間是緩慢流動、逐漸褪色的，似乎與全球媒體的快速步調形成對比，創作者面對這樣的歷史張力一時也難以說清。「結舌是無法控制的，唯一能有效對話的方式，就是耐心等待結巴的人把話說完。」重製歷史影像的方式貫穿了他的創作生涯，他著迷於那些表面之下暗藏另一層故事的媒體照片，像是他重現揭露美國政府監視計畫的吹哨人Edward Snowden在俄國尋求庇護時暫時居所的〈避難所〉 (2021)，「這些作品引發我們思考：記憶是如何被保存的？影像如何引導著我們的認知？什麼樣的呈現方式會讓我們覺得一個影像是『真實』的？這些思考又反過來影響我們如何理解和認識這個世界。」

有趣的是，他堅持打造1：1等比例的紙模型。「製作小型模型雖然比較容易，但這會讓你像獨眼巨人或超級英雄般俯視你製作的物件，這就是為什麼玩具屋、建築模型等總是具有誤導性。」在手作過程中，他得以充分運用他對現實世界的全部感知與理解，超越對紙張媒材、藝術形式表面的探索。乍看之下，Thomas的影像彷彿就是那些新聞照片的原樣，然而細看後，會發現他清空人的活動痕跡與特定細節，同時，鉛筆跡、紙張摺痕等痕跡卻被刻意保留，呈現出與真實世界迥異的質地。他倒不是要愚弄觀眾，而是想打造「虛假即真實」的觀看經驗，「我想讓你理解這個世界的某些面向及其被描繪的方式，進而能夠反思自己的經驗、感知與記憶是如何建立的。」

以手作開啟建築與藝術的對話

「隨著社群媒體的發展，我們對攝影媒介的認知有了新的轉變， 人們開始以更為主觀的方式來消費和傳播那些生活瑣事與日常經驗的影像。」Thomas認為，現在人人都能用手機上傳快照，令影像成為浩瀚海洋，帶來了深遠的衝擊。「有趣的是，當數位化讓影像更容易操作時，攝影不僅沒有消亡，反而迎來新的發展。」於是，2008年前後，他開始研究這些個人且私密的日常影像，以自己手機照片為基礎創作《日常》系列。Thomas形容它們就像簡練的日本俳句，所有象徵、意涵都內蘊於影像中，不用更多解釋了，開放給觀眾感受那份詩意。例如〈日常#22〉，「那冰淇淋杯自信地佇立在信箱上，遠比一次性容器該有的樣子更顯堅實，引人注目的紫色和綠松石色顏色組合在夕陽下散發著獨特的光彩。」他認為日常片段就存在於歷史事件的縫隙之間，正如法國作家普魯斯特從中提煉出深刻的記憶與感受，這些看似微不足道的片刻，就是人們所擁有的一切。

靜態影像無法表達的，他則陸續製作12部動畫和短片，這次展出的其中兩部作品不乏幽默詮釋。 《太平洋豔陽號》（2012）的靈感來自一則YouTube上廣為流傳的，遊輪因暴風雨劇烈擺盪、桌椅物品左右亂移的監視器錄影，「我被它彷彿精心編排過，卻又充滿隨機性的畫面深深吸引，讓我聯想到迪士尼早年的動畫特效，就像《魔法師的學徒》中掃帚走下樓梯的經典一幕。」至於《氣球》（2018）飄蕩的影片，則是受一段美國加州生日派對的Instagram短片啟發。對Thomas而言，他虛構的攝影創作是現實的影子，「《氣球》完美解釋了柏拉圖洞穴寓言的概念，只是以更貼近日常生活的方式呈現。」

在建築與藝術的邊界游移

Thomas觀察到，一些建築師對電腦渲染出的完美演算感到倦怠，轉而關注手作過程中的激盪，正好與他產生對話。他早在2010年就跨足建築領域，與倫敦建築事務所Caruso St John在瑞士蘇黎世構思〈釘子戶〉(Nagelhaus)公共裝置，到了2022年他們順利在丹麥完成以紙製品為靈感的「三重狂想」(TheTriple Folly)展館。2011年，他也在洛杉磯蓋蒂研究所駐留期間，開始拍攝美國建築大師John Lautner的建築模型，後來更與Rem Koolhaas、SANAA等建築名家合作，發展為 《模型研究》系列。

他強調：「那些不是為展示給客戶而精心製作的完美模型，而是他們在內部溝通和設計過程中使用的粗糙模型。」他更感興趣的是發掘建築師的思考軌跡。近年Thomas也善用大型壁紙與展場空間對話，像是滿盈北美館一樓展廳入口的〈花見〉(2014)、鋪滿展牆成為其他作品背景的〈圓管〉(2018)，真實與虛幻交錯的視覺效果模糊了展間之間的界限，「這樣的空間設計既能讓觀眾沉浸其中，體驗影像的人為建構感，又能清楚理解各個元素是如何交織在一起的。」

然而，科技不斷迭代，Thomas是否曾擔心過紙張「承載內容」的功能會被新科技取代，像是AI生成影像？這讓他想起數位攝影剛出現時，許多人也預言那將是攝影的終結。他不否認AI令人著迷的一面，但也指出其局限。由於AI的運作機制，它將不斷自我複製，「AI非常無趣，就像在迴聲室裡待上一週，它既無法賦予藝術真正的意義，也無法與人類的核心情感產生共鳴。」可AI透過整合龐大的人類資料庫，卻也揭示許多人類認知上想像不到的複雜性。他坦言，這樣的科技終將顛覆人類仰賴長期積累與激盪的藝術創造過程。不過，正如他從與建築師的對話中得到啟發，「我們或許還有一線希望，就是重新反思什麼是奢侈品的意義，並透過影像創作，讓手作的價值比起量產化的影像更受青睞。」

Thomas Demand

1964年生於德國慕尼黑，現居柏林與洛杉磯。自2011年起擔任德國漢堡美術學院(HFBK)雕塑系教授。經常從歷史或社會事件取材，以紙張和硬紙板製作實物尺寸模型場景，拍攝後再將模型銷毀，探討攝影的客觀性與現實重現之間的張力。曾於紐約現代藝術博物館、東京國立近代美術館、柏林新國家美術館等國際重要美術館舉辦個展，並代表德國參加2004年聖保羅雙年展。

《托瑪斯．德曼：歷史的結舌》

展期｜2025.01.18－05.11

地點｜臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室

《草間彌生》原書由頂尖藝術出版社PHAIDON及草間彌生工作室共同打造，以25*29公分的精裝大開本，收錄草間80年創作生涯、近200張作品彩圖；本次授權為增修新版，新增對草間彌生21世紀作品的回顧專文，以及展覽和創作計畫。

你對草間彌生的印象是什麼？是作品中的南瓜和無限圓點？是作風狂放不羈的前衛女王？還是那個總是堅持不斷手繪重複圖案的刻苦藝術家？打開由一卷文化出版的《草間彌生》這本書，就像擁有一座隨時為你敞開的草間彌生美術館。

「時間終於向我投來善意的目光。但這已不再重要，因為我正奔向未來。」 ——草間彌生

收錄近兩百幅代表作

本書收錄草間彌生近兩百幅代表作，範圍涵蓋雕塑、拼貼、平面畫作、乍現行動、環境藝術、裝置藝術、時尚設計等多種表現形式；然而本書卻不只是一本作品集或圖錄，透過藝術史學者、藝評家、藝術家的側寫及對談，讀者得以綜覽草間彌生近八十年的創作生涯，從創作的動機、過程、風格、手法，一直到草間如何一次次震撼世人，成為世界的草間。

一探草間彌生文字創作

其中既有第三人稱視角條理分明的論述，也有來自草間第一人稱的真情流露。更加難能可貴的是，書中還收錄臺灣出版市場少見的草間文字創作，包含新詩、小說、乍現行動新聞稿，文字與圖像互相參照，草間的內心世界更加立體——於是本書的企圖心不言可喻：所有你知道與不知道的草間彌生，都在這裡。

綜覽近80年的創作生涯

〈訪談〉為草間與大阪國立美術館館長建畠晢的對談，草間自述如何因童年創傷及幻覺經驗走上創作之路，以及早年在紐約艱苦的創作生活；〈概述〉為藝術史學者蘿拉・霍普曼撰寫的專文，以兩萬字篇幅，回顧草間彌生於五零至九零年代的創作軌跡，以草間的重大人生事件，如移居紐約、重返日本為軸，搭配「無限之網」和「積累」系列、〈聚合：千船展〉、〈草間的偷窺秀〉、〈自戀庭園〉、「解剖爆炸」等指標性作品及乍現行動（happening），分析草間的創作動機，呈現草間在不同時期的創作風格及關注面向的流變。

〈焦點〉針對草間1966年於德國展出的環境作品〈壓迫意象〉進行小篇幅特寫，這是草間進入歐洲大眾視野的代表作，也是她在環境藝術上的一大突破；〈詩選〉精選六首草間喜愛的日本詩人石川啄木之作，可一窺草間與石川創作心境的互相映射；〈書寫〉收錄較少見於臺灣的草間文字創作，包含5篇小說節錄、23首詩作，以及7篇乍現行動新聞稿，讀者得以展望草間的不同面向；〈補遺〉同樣是長篇幅專文，更新草間彌生進入二十一世紀後的創作，及又一次的風格轉向。

正文結束後的「附錄」，則收錄超過500則與草間相關之專著、訪談、研究題名，收藏草間作品之博物館清單及全書作品圖片索引，最重要的是草間彌生的完整年表，詳列超過400件草間作品創作年份及展覽名稱地點，創作歷程一次掌握。

最終，闔上這本書，你會發現，這些都是草間彌生——或許也都不是，因為她從不願被定義、拒絕被貼上任何標籤；也許她仍是當年那個初次見到幻覺的小女孩，只想擺脫眼前的一切。而就在這不斷創作、不斷逃離又復返的過程裡，她早已為自己打造出一個可以忘卻肉身、拋開世俗羈絆的空間；她就像乘著一艘美麗的小船，緩緩駛向永恆，而我們只是幸運的站在岸邊，驚鴻一瞥。

「我為了活下來所追求的自我革命，實際上是走向死亡的手段。 我現在正處於為了讓靈魂安息而進行藝術創作的階段，而我擁抱這一切。」

草間彌生最完整回顧專書購書連結請點此

_{資料提供｜一卷文化、文字整理｜Adela Cheng}