瑞士藝術家Ralfonso互動式動態雕塑展！台北MB&F M.A.D.Gallery瘋狂藝廊迷幻登場

瑞士雕塑家 Ralfonso 為動態雕塑的代表人物，長期在世界各地展出的豐富作品即是最佳例證。Ralfonso遊走於工程與藝術邊界，讓雕塑藝術不再流於傳統，並將動能融入作品中，打造出「動態藝術」！

MB&F M.A.D. Gallery台北瘋狂藝廊很榮幸能引進這位雕塑大師的作品，於 2019 年 5月份起展出Ralfonso 「動態藝術」限量作品中一系列的小型雕塑。

動態雕塑

風力、水流、光能，加上時間元素，賦予了Ralfonso 的動態雕塑饒富趣味的四維面向。自然環境帶動了動態雕塑的流暢動作，在大地之母的鼓舞下，激盪出動感滿溢且出乎意料的互動火花。

Ralfonso 指出：「我的作品融入了時光以及歲月更迭的元素，所以不再僅侷限於 3D 的外型。」

Ralfonso 無與倫比的想像力以及賦予藝術動能的精熟手法，使他成為動力雕塑藝術的大師級人物。他的天賦異稟也展現在名「KARO」的作品中。Karo 是「菱形」的德文，此作品限量 10 組，若仔細觀察這座 120 公分高的藝術品，16 塊自我平衡的菱形零件隨即映入眼簾，並進一步變幻為更大型的菱形結構。只要微風吹拂而過或以手輕輕觸碰，俐落吸睛的線條便充滿生命力，每塊菱形零件前後搖曳，幻化為難以計數的圖騰組合。

展覽中另有一組名為「驚嘆（EXclamation）」的雕塑。此款隨著風力緩緩傾斜的巨型驚嘆號看似隨時都將倒地不起，所幸精巧的重量平衡系統讓它始終能維持在立起的狀態。想像如此情景：出自 Ralfonso 之手的驚豔雕塑或其他巧妙作品，在花園中與群木共舞，或是在屋頂上隨著微風律動，畫面多麼美好。「驚嘆（EXclamation）」高度 90 公分，限量 33 組。

創作過程

從 15 公尺長的大型戶外裝置藝術「TUBUS」，到只有 45 公分的小型雕塑，Ralfonso 從周遭的自然環境汲取靈感，世界各個角落都是他的工作室。

創作過程需時四個月至一年不等，依作品規模而異。Ralfonso 的設計靈感首先經由畫筆草擬出雕塑結構及其中蘊藏的機械技術，藉此決定要以水平軸心或是重量裝置打造出動力機制。「我致力在設計、機械與科技之間找到絕佳平衡點，並打造出前所未見的『動態藝術』作品」，Ralfonso 如是說。

接著透過迷你模型將草圖轉化為 3D 版本，有時需使用數套電腦輔助設計軟體測試並微調結構。最終階段則是建造作品，採用的技術包括雷射、高壓水刀、CNC 切割、3D 列印等。當作品達到理想尺寸並經過測試後，即準備開始進行最後裝置。

Ralfonso 的作品十分貼近收藏家的心，為眼光獨到的客戶量身打造出融入特定地點的「單一」專屬設計。藏家可以根據作品最終落腳處，選擇要使用何種材質，其中包括 316L 精鋼、玻璃纖維、鋁，甚至克維拉（Kevlar）纖維等；最後的表面處理也可從上色、鏡面或霧面拋光中作選擇。組合可能性無窮無盡。Ralfonso 的作品最近在蘇富比紐約「Contemporary Curated」拍賣活動中取得相當亮眼的成績。

背景

Ralfonso 於 1999 年起開始創作大型的公共動態藝術作品，如今已是享譽盛名的大師級人物。其作品遍布於世界各地的公開與私人收藏和博物館藏品之中，足跡從他的家鄉瑞士出發，遍及荷蘭、俄羅斯、中國、德國、香港、阿拉伯聯合大公國、法國與美國。

相較於多數藝術家，Ralfonso 在雕塑藝術這條道路上，採取逆向操作的方式，於藝術生涯開展初期即直接從事大型公共裝置藝術；事實上，他的第一個作品「Moving on UP」，即為俄羅斯聖彼得堡甫落成的 New Star 大樓所委託之公共裝置藝術。此後，Ralfonso 便開始積極擴展他的作品系列，主攻小規模且限量的動能雕塑。

2015 年 1 月，美國 CNN 國際新聞為 Ralfonso 製作了一部名為《動態藝術 － 受自然啟發的風力雕塑》的紀錄片，紀錄他在世界各地的動能藝術作品。隨後，美國商業雜誌《富比士》也針對他的小型雕塑刊出一篇深度報導，標題為「藝術家 Ralfonso 推動國內動能藝術潮流」。

Ralfonso 更於 2001 年與其他藝術家共同創辦「動能藝術組織（Kinetic Art Organization, KAO）」，進一步為動能藝術付出一己之力，此組織現已有來自超過 60 個國家的 1000 名成員。

via/Ralfonso

一間不賣鮮花的花店，竟能巡迴紐約、墨爾本、香港、新加坡等大城市，所到之地皆掀起排隊熱潮，這到底是怎麼一回事？原來這是澳洲當代藝術家Cj Hendry策動的「Flower Shop」藝術計畫，她以絨毛為材質，重新演繹各形各色的花卉，從莖葉到花瓣都細膩還原！

在開花店之前，「色鉛筆」超寫實畫作就引發社群討論

早在「Flower Shop」爆紅之前，Cj Hendry就以高超到得以「掩人耳目」的畫技為藝術迷熟知——閃閃發亮的迪斯可球、揉皺的塑膠袋、黏稠未乾的顏料、輕盈閃著幻彩的泡泡、盤中渾圓美味的魚子醬……，她不靠多樣媒材堆疊創作，就憑「色鉛筆」調色繪出！每道如顏料質地反射的光、彷彿立體物件自帶的影，都靠她巧手創造。看著這些巨幅超寫實畫作，不說還以為是攝影作品。

「Flower Shop」專賣永不凋零的花

近年，Cj Hendry將創作領域從超寫實畫作，拓展至大型藝術裝置和體驗，讓藝術以更可親的方式靠近大眾。2024年，她在紐約首度推出「Flower Market」，販售一系列以織品和泡棉製作而成、永不凋零的絨毛花朵，沒想到活動大受歡迎，最後快閃甚至演變為一間位於紐約SoHo區的永久性花店。其後，Hendry將計畫更名為「Flower Shop」並帶著作品去往世界各地。

為何以花為創作載體？Hendry認為，花是一種「人人都懂的語言」，無論是慶祝、道歉或單純想為日常製造浪漫，人們都會買花；不過可惜的是，鮮花總敵不過枯萎的命運。她想將這件事反轉，藉由永不凋零的花朵，讓心意得以永遠綿延。此外，Hendry希望透過Flower Shop讓人們知道，藝術不一定高冷艱澀，也能是觸手可及、可以輕鬆和親朋好友分享的。

「Flower Shop」8/28登台北微風廣場

巡迴紐約、新加坡、香港和澳洲多座城市後，Flower Shop今年夏天來到台北，8/28起於微風廣場快閃登場。這座露天花店將佈置如溫室，讓人們有造訪花市的實感，現場集結100種絨毛花卉，其中包含7款以台灣花卉為靈感的作品。想為自己或所愛之人挑一束永生花束，別忘了把這行程加上行事曆！

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）