瑞士雕塑家 Ralfonso 為動態雕塑的代表人物，長期在世界各地展出的豐富作品即是最佳例證。Ralfonso遊走於工程與藝術邊界，讓雕塑藝術不再流於傳統，並將動能融入作品中，打造出「動態藝術」！

MB&F M.A.D. Gallery台北瘋狂藝廊很榮幸能引進這位雕塑大師的作品，於 2019 年 5月份起展出Ralfonso 「動態藝術」限量作品中一系列的小型雕塑。

動態雕塑

風力、水流、光能，加上時間元素，賦予了Ralfonso 的動態雕塑饒富趣味的四維面向。自然環境帶動了動態雕塑的流暢動作，在大地之母的鼓舞下，激盪出動感滿溢且出乎意料的互動火花。

Ralfonso 指出：「我的作品融入了時光以及歲月更迭的元素，所以不再僅侷限於 3D 的外型。」

Ralfonso 無與倫比的想像力以及賦予藝術動能的精熟手法，使他成為動力雕塑藝術的大師級人物。他的天賦異稟也展現在名「KARO」的作品中。Karo 是「菱形」的德文，此作品限量 10 組，若仔細觀察這座 120 公分高的藝術品，16 塊自我平衡的菱形零件隨即映入眼簾，並進一步變幻為更大型的菱形結構。只要微風吹拂而過或以手輕輕觸碰，俐落吸睛的線條便充滿生命力，每塊菱形零件前後搖曳，幻化為難以計數的圖騰組合。

展覽中另有一組名為「驚嘆（EXclamation）」的雕塑。此款隨著風力緩緩傾斜的巨型驚嘆號看似隨時都將倒地不起，所幸精巧的重量平衡系統讓它始終能維持在立起的狀態。想像如此情景：出自 Ralfonso 之手的驚豔雕塑或其他巧妙作品，在花園中與群木共舞，或是在屋頂上隨著微風律動，畫面多麼美好。「驚嘆（EXclamation）」高度 90 公分，限量 33 組。

創作過程

從 15 公尺長的大型戶外裝置藝術「TUBUS」，到只有 45 公分的小型雕塑，Ralfonso 從周遭的自然環境汲取靈感，世界各個角落都是他的工作室。

創作過程需時四個月至一年不等，依作品規模而異。Ralfonso 的設計靈感首先經由畫筆草擬出雕塑結構及其中蘊藏的機械技術，藉此決定要以水平軸心或是重量裝置打造出動力機制。「我致力在設計、機械與科技之間找到絕佳平衡點，並打造出前所未見的『動態藝術』作品」，Ralfonso 如是說。

接著透過迷你模型將草圖轉化為 3D 版本，有時需使用數套電腦輔助設計軟體測試並微調結構。最終階段則是建造作品，採用的技術包括雷射、高壓水刀、CNC 切割、3D 列印等。當作品達到理想尺寸並經過測試後，即準備開始進行最後裝置。

Ralfonso 的作品十分貼近收藏家的心，為眼光獨到的客戶量身打造出融入特定地點的「單一」專屬設計。藏家可以根據作品最終落腳處，選擇要使用何種材質，其中包括 316L 精鋼、玻璃纖維、鋁，甚至克維拉（Kevlar）纖維等；最後的表面處理也可從上色、鏡面或霧面拋光中作選擇。組合可能性無窮無盡。Ralfonso 的作品最近在蘇富比紐約「Contemporary Curated」拍賣活動中取得相當亮眼的成績。

背景

Ralfonso 於 1999 年起開始創作大型的公共動態藝術作品，如今已是享譽盛名的大師級人物。其作品遍布於世界各地的公開與私人收藏和博物館藏品之中，足跡從他的家鄉瑞士出發，遍及荷蘭、俄羅斯、中國、德國、香港、阿拉伯聯合大公國、法國與美國。

相較於多數藝術家，Ralfonso 在雕塑藝術這條道路上，採取逆向操作的方式，於藝術生涯開展初期即直接從事大型公共裝置藝術；事實上，他的第一個作品「Moving on UP」，即為俄羅斯聖彼得堡甫落成的 New Star 大樓所委託之公共裝置藝術。此後，Ralfonso 便開始積極擴展他的作品系列，主攻小規模且限量的動能雕塑。

2015 年 1 月，美國 CNN 國際新聞為 Ralfonso 製作了一部名為《動態藝術 － 受自然啟發的風力雕塑》的紀錄片，紀錄他在世界各地的動能藝術作品。隨後，美國商業雜誌《富比士》也針對他的小型雕塑刊出一篇深度報導，標題為「藝術家 Ralfonso 推動國內動能藝術潮流」。

Ralfonso 更於 2001 年與其他藝術家共同創辦「動能藝術組織（Kinetic Art Organization, KAO）」，進一步為動能藝術付出一己之力，此組織現已有來自超過 60 個國家的 1000 名成員。

via/Ralfonso

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？