瑞士雕塑家 Ralfonso 為動態雕塑的代表人物，長期在世界各地展出的豐富作品即是最佳例證。Ralfonso遊走於工程與藝術邊界，讓雕塑藝術不再流於傳統，並將動能融入作品中，打造出「動態藝術」！

MB&F M.A.D. Gallery台北瘋狂藝廊很榮幸能引進這位雕塑大師的作品，於 2019 年 5月份起展出Ralfonso 「動態藝術」限量作品中一系列的小型雕塑。

動態雕塑

風力、水流、光能，加上時間元素，賦予了Ralfonso 的動態雕塑饒富趣味的四維面向。自然環境帶動了動態雕塑的流暢動作，在大地之母的鼓舞下，激盪出動感滿溢且出乎意料的互動火花。

Ralfonso 指出：「我的作品融入了時光以及歲月更迭的元素，所以不再僅侷限於 3D 的外型。」

Ralfonso 無與倫比的想像力以及賦予藝術動能的精熟手法，使他成為動力雕塑藝術的大師級人物。他的天賦異稟也展現在名「KARO」的作品中。Karo 是「菱形」的德文，此作品限量 10 組，若仔細觀察這座 120 公分高的藝術品，16 塊自我平衡的菱形零件隨即映入眼簾，並進一步變幻為更大型的菱形結構。只要微風吹拂而過或以手輕輕觸碰，俐落吸睛的線條便充滿生命力，每塊菱形零件前後搖曳，幻化為難以計數的圖騰組合。

展覽中另有一組名為「驚嘆（EXclamation）」的雕塑。此款隨著風力緩緩傾斜的巨型驚嘆號看似隨時都將倒地不起，所幸精巧的重量平衡系統讓它始終能維持在立起的狀態。想像如此情景：出自 Ralfonso 之手的驚豔雕塑或其他巧妙作品，在花園中與群木共舞，或是在屋頂上隨著微風律動，畫面多麼美好。「驚嘆（EXclamation）」高度 90 公分，限量 33 組。

創作過程

從 15 公尺長的大型戶外裝置藝術「TUBUS」，到只有 45 公分的小型雕塑，Ralfonso 從周遭的自然環境汲取靈感，世界各個角落都是他的工作室。

創作過程需時四個月至一年不等，依作品規模而異。Ralfonso 的設計靈感首先經由畫筆草擬出雕塑結構及其中蘊藏的機械技術，藉此決定要以水平軸心或是重量裝置打造出動力機制。「我致力在設計、機械與科技之間找到絕佳平衡點，並打造出前所未見的『動態藝術』作品」，Ralfonso 如是說。

接著透過迷你模型將草圖轉化為 3D 版本，有時需使用數套電腦輔助設計軟體測試並微調結構。最終階段則是建造作品，採用的技術包括雷射、高壓水刀、CNC 切割、3D 列印等。當作品達到理想尺寸並經過測試後，即準備開始進行最後裝置。

Ralfonso 的作品十分貼近收藏家的心，為眼光獨到的客戶量身打造出融入特定地點的「單一」專屬設計。藏家可以根據作品最終落腳處，選擇要使用何種材質，其中包括 316L 精鋼、玻璃纖維、鋁，甚至克維拉（Kevlar）纖維等；最後的表面處理也可從上色、鏡面或霧面拋光中作選擇。組合可能性無窮無盡。Ralfonso 的作品最近在蘇富比紐約「Contemporary Curated」拍賣活動中取得相當亮眼的成績。

背景

Ralfonso 於 1999 年起開始創作大型的公共動態藝術作品，如今已是享譽盛名的大師級人物。其作品遍布於世界各地的公開與私人收藏和博物館藏品之中，足跡從他的家鄉瑞士出發，遍及荷蘭、俄羅斯、中國、德國、香港、阿拉伯聯合大公國、法國與美國。

相較於多數藝術家，Ralfonso 在雕塑藝術這條道路上，採取逆向操作的方式，於藝術生涯開展初期即直接從事大型公共裝置藝術；事實上，他的第一個作品「Moving on UP」，即為俄羅斯聖彼得堡甫落成的 New Star 大樓所委託之公共裝置藝術。此後，Ralfonso 便開始積極擴展他的作品系列，主攻小規模且限量的動能雕塑。

2015 年 1 月，美國 CNN 國際新聞為 Ralfonso 製作了一部名為《動態藝術 － 受自然啟發的風力雕塑》的紀錄片，紀錄他在世界各地的動能藝術作品。隨後，美國商業雜誌《富比士》也針對他的小型雕塑刊出一篇深度報導，標題為「藝術家 Ralfonso 推動國內動能藝術潮流」。

Ralfonso 更於 2001 年與其他藝術家共同創辦「動能藝術組織（Kinetic Art Organization, KAO）」，進一步為動能藝術付出一己之力，此組織現已有來自超過 60 個國家的 1000 名成員。

via/Ralfonso

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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