專訪 / 紐約解剖大師Jason Freeny創作之路!氣球狗、冰雪Elmo詮釋「逆向解剖」藝術沒有極限

紐約解剖大師Jason Freeny的創作之路!

Jason Freeny,來自紐約的解剖大師,當玩具到了他手中,通通有了另一個模樣,從海綿寶寶、探險活寶老皮到DC超級英雄,無論哪個經典人物,在他的精心解剖下,我們得以窺探角色深藏不露的內在。如今這位有著玩具界怪醫黑傑克之稱的解剖大師,帶著大型展覽《玩具解剖展 JASON FREENY ASIA》來到台灣,La Vie相當幸運的能夠訪問到Jason Freeny本人,除了得以品嘗這些玩具公仔在創作上的艱辛外,也能夠細細「解剖」Jason的創作之路。


 

Jason Freeny從這裡開始!

Jason Freeny的第一個解剖系列就是氣球狗(Balloon Dog Anatomy),粉紅色的外型再搭配俏皮的氣球大便,立刻就能被它的特別而吸引目光。我們好奇地問,「為什麼會是氣球狗做為開端?」Jason笑著說,「其實是無心插柳柳成蔭,當初僅是做出一個機器人玩具造型,但在創作的同時就想著不如給它一個寵物吧,會選擇氣球狗則是因為牠能夠在天空自由的飛、自由的翱翔」。

 

 

有趣的是,這不僅僅只是一個寵物搭配的概念,更像是Jason在傳遞著自己的意識象徵,希望自己能夠無拘無束,自由自在的思考,因此Jason並不認為氣球狗是沒有生命的,反倒認為牠就是一個活生生的寵物,這也讓Jason決定必然要給予氣球狗體內一副存在的骨架、賦予牠一個真正活著的靈魂。

 

就像許多熱血沸騰的大男孩一樣,Jason為了完成心中的創作想法,開始自學法醫學和解剖學,找到氣球狗真正的身體結構,接著製作出真正的成品,而在這之後,更多的解剖作品也陸續問世,如我們印象深刻的薑餅人、小熊軟糖以及Elmo等等,讓Jason逐漸打開知名度。
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

RepostBy @kaku0304: "搶先看的概念 #taipei #taiwan #jasonfreeny #玩具 #toy #instadaily #instalife #elmo #mightyjaxx #inception_co

Jason Freeny(@gummifetus)分享的貼文 於 張貼

 

藝術創作之路艱辛也有趣

雖然Jason生長在藝術家庭背景,但打從一開始並沒有想過自己會走上創作一途,因為他認為藝術創作並無法養活自己。不過,由衷散發出的熱情與真心總是騙不了人的,即使Jason的人生過程中曾經做過書店的理貨員,甚至經歷了窮困潦倒的生活,但對解剖、雕刻真心喜愛的Jason仍踏上了藝術創作之路,並堅持到了現在。 

 

「並不是每個人對雕刻都輕而易舉,我自己就下了不少苦工」,但Jason認為自己其實還算是幸運的,「好在父親雕刻師的背景之下,使我在創作上方便不少,就是發現了這點,才毅然決然投入了雕刻工作」;另一點則是現實層面,得益於科技的進步,讓雕刻的成本不像90年代初期一般,「現在有了大量的製作技術出現了,才能結合自己的藝術創作,去大力發展」,可以說是在天時、地利、人和的完美配合下,才得以看到Jason創作出一系列驚艷的解剖作品。


 

Jason甚至和我們解釋,自己走得並非正統的解剖,更像是反向的法醫解剖學,「像一般的解剖學觀點是由我們的外型取決於我們內在的骨骼內臟,但我的反向則是由它的外型來去想像內部構造該是什麼樣子」,這也是為什麼Jason的解剖作品總是能比我們想得更細、更深入,甚至一般人根本不曾想像過這些經典角色遭到解剖後的樣子,但Jason的作品卻完整了我們的拼圖。

 

這些Jason Freeny最常被問到的問題

一但作品被大量製作成商品後,許多疑問便接踵而來,好比「拿這些卡通人物來創作究竟有沒有版權問題?」Jason坦言,「其實一開始將創作好的作品放上網時,真的只能祈禱不要被報導,但實際上將玩具買回後,不要修改外型而是進行裡頭創作的話,至少從美國法律來看是沒有問題的。」當然,若要進行大量量產的話,那些作品目前也已經取得授權。


 

另外,從Jason的作品來看,絕大多數都是經典卡通人物,這些深受小朋友喜愛的形象,有一天變成了解剖的樣子來面對他們時,會不會害怕破壞了原本的感受?Jason逗趣地拿自己的故事當例子,「我曾在孩子還小時,做了一個解剖狗給他們小兒科醫生看,並告訴他,『這擺在你的桌上應該會很吸引小朋友』,當時醫生的反應並沒有讓人出乎意料,是同意且開心的。」

 

也就是說,Jason從未認為自己的作品會給孩子帶來恐懼,反倒覺得另類的解剖創作將會給他們全然一新的感受,Jason真誠地說,「恐懼是家長、大人教的,孩子反而常常都是為解剖公仔感到驚奇」,以這段話為自己的觀點做出最佳詮釋。

 

Jason Freeny:我的創作從來不設限!

專訪當天初見到Jason時,他穿了一雙夾腳拖,相當隨性的帶著我們逛展場,一邊解說一邊又像個大男孩一般把玩展中的作品,其實,從這些小地方就能感受到Jason不受拘束的性格,是由裡到外自然而然地散發出來,而這也和他的創作理念一樣,從來不受侷限且沒有盡頭。

 

展場中我們可以看見有別於一般塑料的木頭作品以及透明系列,這讓Jason的作品看起來不單一且更豐富。Jason和我們解釋,其實絕大部分的作品還是以塑料居多,而那些比較量產的玩具都是藉由3D掃描,在電腦修整進行輸出,但如果是手工雕刻的話每一尊就得花上一到兩個月的時間製作,一年僅能產出7個左右,在量產上比較有難度。


 

當我們驚訝Jason的作品中不僅以塑料作為創作時,Jason說,「這些解剖作品當然很受歡迎也能立刻抓到大眾的目光,更是我的創作樂趣之一,但嚴格來說這只佔了我創作的一半左右」,因為他認為,身為一個藝術家對於創作與發想從來不設限,好比他特別喜歡解剖「無生命物體」,以及那些身型古怪、異於常人的身體角色,這些就是Jason讓創作自由翱翔的最佳證明。

 

有趣的是,看Jason的創作之路一路走到現在,作品中多了許多亞洲的卡通人物,使他成功地在亞洲市場闖出一番名堂來,但Jason並非為了市場而刻意去做,他坦言,「我在創作時並不會去管角色的來源或背景,甚至寧願去找比例差距更大的作品來進行解剖,只因為享受創作的過程、創作起來也更加有趣。」


 

至於未來有沒有想合作的藝術家或創作家?Jason表示,他保持著開放的態度,就像此次在《玩具解剖展Jason Freeny Asia》台北首展登場的魯夫,就是兩年前的一個契機之下,把這系列成功製作並創作出來給大家;而在這次的台灣場當中,我們甚至可以看到Jason 與台灣品牌STAYREAL合作,讓「鼠小小」登上手術台,對於這些源源不絕的合作,Jason開心的說,「有任何機會都會把握!」


 

《玩具解剖展 Jason Freeny Asia》

展覽地點:華山 1914 文化創意園區/東2C館

展覽日期:2019/6/29(六)~2019/9/22(日)

售票連結

 

Text:Stephanie Hung

All Images by 啟藝 、Stephanie Hung

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專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
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❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
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❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
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❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
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❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
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Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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