專訪 / 紐約解剖大師Jason Freeny創作之路！氣球狗、冰雪Elmo詮釋「逆向解剖」藝術沒有極限

Jason Freeny，來自紐約的解剖大師，當玩具到了他手中，通通有了另一個模樣，從海綿寶寶、探險活寶老皮到DC超級英雄，無論哪個經典人物，在他的精心解剖下，我們得以窺探角色深藏不露的內在。如今這位有著玩具界怪醫黑傑克之稱的解剖大師，帶著大型展覽《玩具解剖展 JASON FREENY ASIA》來到台灣，La Vie相當幸運的能夠訪問到Jason Freeny本人，除了得以品嘗這些玩具公仔在創作上的艱辛外，也能夠細細「解剖」Jason的創作之路。

Jason Freeny從這裡開始！

Jason Freeny的第一個解剖系列就是氣球狗（Balloon Dog Anatomy），粉紅色的外型再搭配俏皮的氣球大便，立刻就能被它的特別而吸引目光。我們好奇地問，「為什麼會是氣球狗做為開端？」Jason笑著說，「其實是無心插柳柳成蔭，當初僅是做出一個機器人玩具造型，但在創作的同時就想著不如給它一個寵物吧，會選擇氣球狗則是因為牠能夠在天空自由的飛、自由的翱翔」。

有趣的是，這不僅僅只是一個寵物搭配的概念，更像是Jason在傳遞著自己的意識象徵，希望自己能夠無拘無束，自由自在的思考，因此Jason並不認為氣球狗是沒有生命的，反倒認為牠就是一個活生生的寵物，這也讓Jason決定必然要給予氣球狗體內一副存在的骨架、賦予牠一個真正活著的靈魂。

就像許多熱血沸騰的大男孩一樣，Jason為了完成心中的創作想法，開始自學法醫學和解剖學，找到氣球狗真正的身體結構，接著製作出真正的成品，而在這之後，更多的解剖作品也陸續問世，如我們印象深刻的薑餅人、小熊軟糖以及Elmo等等，讓Jason逐漸打開知名度。
 

 

 

 

 

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RepostBy @kaku0304: "搶先看的概念 #taipei #taiwan #jasonfreeny #玩具 #toy #instadaily #instalife #elmo #mightyjaxx #inception_co

Jason Freeny（@gummifetus）分享的貼文 於 PDT 2019 年 6月 月 20 日 上午 4:51 張貼

藝術創作之路艱辛也有趣

雖然Jason生長在藝術家庭背景，但打從一開始並沒有想過自己會走上創作一途，因為他認為藝術創作並無法養活自己。不過，由衷散發出的熱情與真心總是騙不了人的，即使Jason的人生過程中曾經做過書店的理貨員，甚至經歷了窮困潦倒的生活，但對解剖、雕刻真心喜愛的Jason仍踏上了藝術創作之路，並堅持到了現在。 

「並不是每個人對雕刻都輕而易舉，我自己就下了不少苦工」，但Jason認為自己其實還算是幸運的，「好在父親雕刻師的背景之下，使我在創作上方便不少，就是發現了這點，才毅然決然投入了雕刻工作」；另一點則是現實層面，得益於科技的進步，讓雕刻的成本不像90年代初期一般，「現在有了大量的製作技術出現了，才能結合自己的藝術創作，去大力發展」，可以說是在天時、地利、人和的完美配合下，才得以看到Jason創作出一系列驚艷的解剖作品。

Jason甚至和我們解釋，自己走得並非正統的解剖，更像是反向的法醫解剖學，「像一般的解剖學觀點是由我們的外型取決於我們內在的骨骼內臟，但我的反向則是由它的外型來去想像內部構造該是什麼樣子」，這也是為什麼Jason的解剖作品總是能比我們想得更細、更深入，甚至一般人根本不曾想像過這些經典角色遭到解剖後的樣子，但Jason的作品卻完整了我們的拼圖。

這些Jason Freeny最常被問到的問題

一但作品被大量製作成商品後，許多疑問便接踵而來，好比「拿這些卡通人物來創作究竟有沒有版權問題？」Jason坦言，「其實一開始將創作好的作品放上網時，真的只能祈禱不要被報導，但實際上將玩具買回後，不要修改外型而是進行裡頭創作的話，至少從美國法律來看是沒有問題的。」當然，若要進行大量量產的話，那些作品目前也已經取得授權。

另外，從Jason的作品來看，絕大多數都是經典卡通人物，這些深受小朋友喜愛的形象，有一天變成了解剖的樣子來面對他們時，會不會害怕破壞了原本的感受？Jason逗趣地拿自己的故事當例子，「我曾在孩子還小時，做了一個解剖狗給他們小兒科醫生看，並告訴他，『這擺在你的桌上應該會很吸引小朋友』，當時醫生的反應並沒有讓人出乎意料，是同意且開心的。」

也就是說，Jason從未認為自己的作品會給孩子帶來恐懼，反倒覺得另類的解剖創作將會給他們全然一新的感受，Jason真誠地說，「恐懼是家長、大人教的，孩子反而常常都是為解剖公仔感到驚奇」，以這段話為自己的觀點做出最佳詮釋。

Jason Freeny：我的創作從來不設限！

專訪當天初見到Jason時，他穿了一雙夾腳拖，相當隨性的帶著我們逛展場，一邊解說一邊又像個大男孩一般把玩展中的作品，其實，從這些小地方就能感受到Jason不受拘束的性格，是由裡到外自然而然地散發出來，而這也和他的創作理念一樣，從來不受侷限且沒有盡頭。

展場中我們可以看見有別於一般塑料的木頭作品以及透明系列，這讓Jason的作品看起來不單一且更豐富。Jason和我們解釋，其實絕大部分的作品還是以塑料居多，而那些比較量產的玩具都是藉由3D掃描，在電腦修整進行輸出，但如果是手工雕刻的話每一尊就得花上一到兩個月的時間製作，一年僅能產出7個左右，在量產上比較有難度。

當我們驚訝Jason的作品中不僅以塑料作為創作時，Jason說，「這些解剖作品當然很受歡迎也能立刻抓到大眾的目光，更是我的創作樂趣之一，但嚴格來說這只佔了我創作的一半左右」，因為他認為，身為一個藝術家對於創作與發想從來不設限，好比他特別喜歡解剖「無生命物體」，以及那些身型古怪、異於常人的身體角色，這些就是Jason讓創作自由翱翔的最佳證明。

有趣的是，看Jason的創作之路一路走到現在，作品中多了許多亞洲的卡通人物，使他成功地在亞洲市場闖出一番名堂來，但Jason並非為了市場而刻意去做，他坦言，「我在創作時並不會去管角色的來源或背景，甚至寧願去找比例差距更大的作品來進行解剖，只因為享受創作的過程、創作起來也更加有趣。」

至於未來有沒有想合作的藝術家或創作家？Jason表示，他保持著開放的態度，就像此次在《玩具解剖展Jason Freeny Asia》台北首展登場的魯夫，就是兩年前的一個契機之下，把這系列成功製作並創作出來給大家；而在這次的台灣場當中，我們甚至可以看到Jason 與台灣品牌STAYREAL合作，讓「鼠小小」登上手術台，對於這些源源不絕的合作，Jason開心的說，「有任何機會都會把握！」

《玩具解剖展 Jason Freeny Asia》

展覽地點：華山 1914 文化創意園區／東2C館

展覽日期：2019/6/29（六）～2019/9/22（日）

售票連結

Text：Stephanie Hung

All Images by 啟藝 、Stephanie Hung

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23