全球規模最大且備受推崇的國際攝影競賽 「索尼世界攝影大獎」（Sony World Photography Awards） ，2020年全新一屆賽事共募集超過34萬件作品 (含專業賽/公開賽/青年賽/學生賽)，而當中公開賽就囊括了超過19萬件，今日世界攝影組織也揭曉公開賽10項投稿類別之得獎者與入圍名單，各類別得獎者不僅能獲得Sony最新攝影器材捕捉未來更精彩的創作視野，更將角逐2020公開賽年度攝影師的殊榮。

▶2020索尼世界攝影大獎國家獎出爐！台灣在地原住民人像作品《傳承》、海獅獵食畫面《注視》獲肯定 

今年因應肺炎疫情考量，配合英國當地政府建議取消原定於倫敦舉辦的2020 索尼世界攝影大獎展覽及頒獎典禮；精彩作品以及更進一步的介紹與訪談，仍將公開發表於世界攝影組織官網，提供全球的攝影迷們一同共襄盛舉；而眾所矚目的專業賽得獎名單及各賽別的年度攝影師優勝得主將在6月9日公布於官網，究竟哪些攝影師能從多達34萬件作品中脫穎而出，敬請拭目以待！

公開賽10類別優勝者作品

建築

Rosaria Sabrina Pantano (義大利) 

作品《Emotional Greography》

以黑白影像呈現由雕塑家Mauro Staccioli 所創作、坐落於義大利北緯38度所經過之金字塔造型地標。

創意

Suxing Zhang (中國)

作品《Knot》

女子肖像中拼貼象徵性元素的黑白影像創作，為作者《花》系列作品之一，其中「花」隱喻著女人味。

文化

Antoine Veling (澳洲)

作品《Mark 5:28》

攝於2019雪梨歌劇院所舉辦的Iggy Pop演唱會；描繪歌手被圍繞在人群中，一位女性試圖伸手觸摸Iggy而舞台助理將人群阻擋在外。畫面彷彿卡拉瓦喬的畫作，令人聯想到在聖經馬克福音中一段話「只要摸到祂的衣服，我就痊癒了！」。

風景

Craig McGowan (澳洲)

作品《Ice Reflections》

孤獨的冰山倚靠在格陵蘭國家公園的峽灣上，冰山和周圍的風景完美的映照在清澈的河水中，形成了如畫一般的抽象作品。

來自台灣的攝影師Stanly Lin以作品《Field of Dreams》獲選公開賽風景類別的入圍名單，拍攝於日本著名景點福島五色沼，火山噴發而形成的多個沼澤，因蘊含不同礦物質經陽光反射讓沼澤呈現翠綠、湛藍或淡紅等各種色彩，秋天湖岸紅葉點綴的美景讓人彷彿置身夢境。精彩入選名單攝影作品點此

動態

Alec Connah (英國) 

作品《Going Down!》

紀錄位於英國施羅普郡鐵橋鎮發電廠的四座冷卻塔在2019年12月被拆毀的瞬間。

自然生態與野生動物

Guofei Li (中國)

作品《Tai Chi Diagram》

攝於非洲波札那，兩匹獵豹經歷了一場成功的獵食後，正在將彼此舔拭乾淨；在畫面中的姿勢彷彿形成了東方的陰陽太極符號。

肖像

Tom Oldham (英國)

作品《Black Francis》 

黑白肖像作品。本作品原先是替MOJO雜誌拍攝美國知名歌手Charles Thompson IV（Black Francis主唱）的專案。攝影師請被攝者表現出對於整個拍攝過程的挫敗感，而最後獲得了這幅將雙手埋入臉中，展現出完美詮釋的作品，也成為了當時文章中所使用的主圖。

靜物

Jorge Reynal (阿根廷) 

作品《A Plastic Ocean》

一條死去的魚似乎正掙扎著在塑膠袋中呼吸，這幅作品是為了能讓人們意識到塑膠汙染對於海洋造成的危害。

街拍

Santiago Mesa (哥倫比亞) 

作品《Colombia Resiste》

這幅影像紀實了在哥倫比亞-麥德林這個城市的抗爭行動，防爆隊伍正在驅離參與抗議的工人及路邊攤販，這樣的抗爭活動近年來在拉丁美洲相當氾濫，主要是抗議生活物價高漲以及不平等的待遇。

旅行

Adrian Guerin (澳洲) 

作品《Riding a Saharan Freight Train》

作者搭乘非洲茅利塔尼亞一輛乘載鐵礦的火車，從後方車廂上往前方望去的視野。這是一趟自首都 Nouadhibou 前往北部的Zouérat，距離遠達700公里的旅程，號稱全世界最長的火車，總長2.5公里，由200多節裝滿著石子的車廂組成。

更多精彩攝影作品可點此

via / Sony Taiwan

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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