Berluti 家居及辦公系列

Berluti 攜手一眾久負盛名的歐洲家居大師打造全新的家居及辦公系列，合作夥伴包括 Werkstätte Carl Auböck、San Lorenzo Silversmiths 和 Simon Hasan。該系列的靈感除來自上世紀 50 年代至 20 世紀末期各 階段由 Afra 和 Tobia Scarpa、Carl Auböck 二世和三世分別設計的標誌性作品以外，還包括出自 Simon Hasan 的新式作品。

創立於 19 世紀晚期的 Werkstätte Carl Auböck 是一家位於維也納的黃銅工坊，從上世紀 20 年代開始，在 Carl Auböck 二世的帶領下發展壯大。Carl Auböck 二世是德國威瑪包浩斯學校的首批學子。San Lorenzo 於 1970 年由 Ciro Cacchione 創立以來，一直堅持與蜚聲國際的設計大師和建築大師合作打造現代風格的 銀製品，其中包括 Franco Albini 和 Franca Helg、Antonio Piva、Afra 和 Tobia Scarpa 以及 Lella 和 Massimo Vignelli。Simon Hasan 畢業於倫敦皇家藝術學院，專門從事皮革設計與製作，精通一種起源於中世紀名 為 Cuir Bouilli 的硬皮甲工藝，該工藝通過水煮皮革原料的方式來打造有機而抽象的造型。

Berluti 家居系列中的雜誌架與開信刀源自 1950 年，通體採用生黃銅材質，表層覆以 Berluti 標誌性的Venezia 皮革；另外一組圓弧邊角的矩形收納盒，全部由 Venezia 皮革手工縫製而成，是 Carl Auböck 二 世於 1951 年製作完成的。他的兒子 Carl Auböck 三世於上世紀 60 年代創作出辦公桌墊、筆筒、筆架、 文具收納盒和廢紙簍，同樣全由 Venezia 皮革手工縫製而成。

Afra 和 Tobia Scarpa 於 1972 年創作的長形盒與方形盒，有著完美的黃金分割比例，標準純銀材質的盒體 經切割後折疊，採用銅材與鉚釘飾面，內裡則由 Venezia 皮革打造。果盤三件套組為 Afra 和 Tobia Scarpa 於 1996 年設計而成，模擬手捧紙張時自然形成的輪廓與皺褶，完美呈現 999 純銀的特質，新版設計在 外部包裹了精巧的 Venezia 皮革。

Simon Hasan 設計創作的花瓶五件套組採用了 15 世紀工藝技術，即將植物鞣製的皮革在水煮後套放於木 模具表面。身為一名設計師，Hasan 的風格獨樹一幟，他從 2008 年開始一直致力於該工藝的傳承。接 縫採用不銹鋼五金，內部以樹脂密封，隨後在 Berluti 工作室以標誌性的 Patina 古法染色技藝進行最後的 處理。

該系列不僅代表了自 1950 年至 2020 年 70 多年間的設計傑作與 400 多年來集結智慧的結晶，也展現出 Berluti 皮革工藝與這一眾銀匠、木匠、金屬工匠、設計師與手工匠心的完美融合。Berluti 創意總監 Kris Van Assche 表示，與這些深諳傳統工藝的資深匠人合作奠定了這一個高端系列的至高起點。這些橫跨 70年的設計傑作與 Berluti 的歷史傳承不謀而合，是品牌與幾代匠人匠心的世紀對談。這些作品中有很多 已經停產，卻仍受到收藏家的青睞，具有經受時間考驗的永恆魅力。雖非新作，卻煥發新生。「在進行這個合作項目的時候，我延用了在 Berluti 所採用的設計手法，除了融入 Simon Hasan 的新理念，Carl Auböck 的傳統經典，還有 San Lorenzo 純銀作品的奢華質感。Berluti 這個系列的所有單品都要做到三種 元素兼容並蓄。」

2019 年 12 月巴塞爾藝術展期間，這批作品與 17 件修復的古董家具於邁阿密拉法努爾中心畫廊同台展 出。這些家具經由 François Laffanour 修復，外飾 Venezia 皮革，最初是瑞士建築師 Pierre Jeanneret 於上 世紀 50 年代為印度昌迪加爾首府大廈而量身定製的。「通過 Jeanneret 項目，我可以盡情地在家居作品上揮墨添彩，而不僅僅局限於時裝的色彩。這無疑是解放的一步，也將是我們的下一步。」Van Assche從 1931 年和 1959 年 Le Corbusier 創作的兩個色彩系列著手，同時汲取了在昌迪加爾所領略到的燈光、 建築、景觀與植物的斑斕色彩，創新大膽的色調包括皮恩喬雷花園綠、枇杷橙、烏托邦藍、蘇克納日落紫、薔薇粉、西馬爾紅、阿馬爾他黃以及 Berluti 的標誌性煙草色，而品牌的 Patina 手工古法染色工藝更 為每一抹色調增添了質感與深度。

這一全新系列將於 11 月起在全球精選店舖限量發售。為慶祝台北 101 周年慶，此全新系列於 9 月 11 日 在台灣 Berluti 專門店全球搶先展出。

Via / Berluti

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。