光影，既是攝影的靈魂，也是構築建築量體裡最輕盈的介質；通過光影詩意穿梭的軸線，觀者能感受到一股超脫虛實的靜謐，也能用雙眼，見證凝鍊於設計中隱晦不揚的意涵。這次，當手中多汁美味的大麥克幻化為光影，除了裝置美學的藝術，乘著時光的城市記憶，也隨著再平凡不過的漢堡，潛入日常。

光陰與光影的城市記憶

也許是世界慢了下來，所以我們開始有機會向這座生長的島嶼和城市探索，向那些最細微的請益。像是街邊的窗花、花磚，或是手上的大麥克。

穿越歷史彼端來到台灣的1980年代，浮現的，可能都與台灣經濟奇蹟與國家建設有關；事實上，在這條時光軸線上，還有隨著當時政府推動經濟自由化、國際化經濟新主軸而登台的「麥當勞」。回溯1984年，麥當勞在台灣成立第一家分店、隨即締造品牌單週營業額的世界紀錄，也使得麥當勞每年持續在台灣擴點，與這座島嶼同行，見證了台灣自由成長、競生，從舊時代過渡到現代的發展歷程。而身為麥當勞永遠的一號餐，全球狂熱50年的「大麥克」，更是裡頭充滿極致麥式DNA的漢堡，經濟學家甚至還以「大麥克指數」，向這只傳奇漢堡致敬。 

「除了人與城市，食物與這座島嶼，還能維繫出什麼樣的迷人關係？」這個答案，在這次麥當勞於松山文創園區展出的《城市印象大麥克》裝置作品中，給了最精闢的解答。承襲大麥克漢堡的特質，《城市印象大麥克》將這個擁有雙層純牛肉、淋上招牌醬料與生菜、起司、洋蔥、酸黃瓜豐富配料的漢堡，激盪出一座光陰與光影的城市解讀。它擷取了貫穿台灣城市精神的建築部件，以60年代前後大量運用於建築物裝飾上、兼具美學與安全的傳統技法鐵花窗，與同年代的建材壓花玻璃及花磚作為媒材，將時代元素與見證台灣生活進程的大麥克，轉化為記憶載體，讓大時代美學攝入流動光影與光陰所構築的創作內。

大麥克的光影美學

看似純粹剝離漢堡的結構，其實宏觀地將漢堡以三部分的抽象概念，分別勾勒芝麻麵包、雙層純牛肉、生菜和吉事，再拼整出台灣城市起飛的繁華記憶。這座裝置藝術，把台灣城市記憶裡信步其中的元素隱藏其中。於是，一幅鐵窗花、斑斕花磚與壓花玻璃，都成了陳述生活軌跡的養分，而日常所帶來的哲思，更是透過光影轉換透明、顏色、實體、靜止、流動等穿梭交錯的細微變化，帶出大麥克獨有的台灣故事。

這次於松山文創園區展出的《城市印象大麥克》裝置藝術展，觀者除了能飽覽白天日光下的光影層次之外，更能透過夜晚燈光的照耀，用另一種綺麗視角，溫和介入作品；你更可以在工匠重組記憶製成的媒材裡，找到大麥克的花磚！激發你對生活眼界和城市場景的能量。另外，2月27日起至3月1日，每日下午1點起至晚間9點止，只要與《城市印象大麥克》裝置藝術合照，上傳到個人Facebook或Instagram，並加入Hashtag #城市印象大麥克 #麥當勞，並設為「公開」分享，就能獲得大麥克買1送1券一張！趁著連假走春，別讓相機錯過最潮的打卡新地標。

－「大麥克買1送1兌換券」發送時間：2月27日至3月1日，13:00至21:00。

－大麥克買1送1券每日限量發送2,000張，送完為止。

－大麥克買1送1券兌換時間為2021年3月10日至2021年3月30日。該券不可兌換無敵大麥克或培根大麥克。

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展覽資訊：

《城市印象大麥克》裝置藝術展  

地點：松山文創園區 文創大街東側 (台北市信義區光復南路133號) 

展期：2021年2月27日至3月1日，11:00至22:00。

主辦單位：麥當勞

合作藝術創作團隊：步里赫森工作室

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文 | Qbee Shao 圖片提供 | 麥當勞

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？