因應疫情，原訂2021年9月舉辦的桃園地景藝術節（Taoyuan Land Art Festival），延至今年3月登場，並改名為「2021+桃園地景藝術節」，以加號延續展期活動，主軸設定「都市綠洲 親山近水」，時間於3月11日至3月27日，共計為期17天，採線上及實體並行，部分作品將延展至5月1日，地點於桃林鐵路、南崁溪畔、虎頭山創新園區、虎頭山公園等桃園市區域展出。

一直以來桃園地景藝術節就是桃園市重要大型藝文活動之一，自2013年開辦至今，活動大受好評，被譽為猶如將桃園之美濃縮的微型生態瓶，處處皆精采，這次成功推廣桃園獨有的自然環境及人文特色，將在地多元內涵表露無遺。

河流的形狀 水流形塑不斷變化

出生墨西哥的新銳藝術家里維拉，作品〈河流的形狀〉是為織品裝置，她認為許多原始河流在過往都是充滿角度和線條，卻被城市征服、被人類馴化，使河道失去了曲線，水域也變得平坦無奇，更因人類所打造的水道，直接限制人們進入水域的機會，分離人與河流之間的密切接觸，因而產生靈感創作出此作品。

築一個巢 落地生根以桃園為家

桃園區的小檜溪社區早年有「斗笠庄」之稱，家家戶戶都在做斗笠，許多長輩的手藝仍十分精湛。這次藝術家林純用由社區記憶發想，設計「築一個巢」，並由藝術家羅元鴻及小檜溪社區居民共同完成。傳達所有的生命都需要一個家，一種延伸歸屬感與在地認同的感受，期許觸動人們，對土地、藝術與生命的反省，進而友善環境。

川流不息 光影營造幻彩炫爛

「川流不息」是由煙霧及幻彩燈光所打造，在南崁溪河道兩側以藝術品姿態挺立於大地之上，營造出渲染的南崁溪岸。當夜晚來臨時，流線型的光脈為潺潺溪水，打造夜間也能看見的水流，襯托出溪水微小卻偉大的美麗，隨著燈光週而復始的變化，飄渺雲霧讓人彷佛置身在雲中，呈現幻彩炫爛之感。

生命之河 熱愛生命關心土地

丁壩是一種河道整治、保護堤岸的水利工程建造物，可防止天候遽變導致淺水域魚群死亡，也可產生回流區營造魚群避難空間，穩定河床、減緩流速，讓水生昆蟲有棲息空間，提供魚群良好的棲地環境。撒部•噶照作品風格多呈現海洋波浪的線性流動感，蘊含熱愛土地的情感。此次創作「生命之河」，設計鞦韆相鄰丁壩工程的河道，宛如水的流動與動植物的蜿蜒生長、洄游之路，不只是魚群，更是萬物安身立命的方向。

守護之眼 循環生命生生不息

今年作品「守護之眼」猶如一隻溫婉狹長的眼睛，透過編織的色彩與溫度，賦予這隻眼睛曼陀羅般的瞳孔，不斷循環的圓象徵生命的無窮無盡、生生不息。此創作展出於青溪橋體，是由藝術家楊海茜所設計，其擅長各種纖細複雜的手藝，展現旺盛的藝術張力。

生機盎然 體現生命交會真諦

作品「生機盎然」以南崁溪周邊生態進行設計，由夜鷺作為開端，並以魚尾將大家的目光自然帶到南崁溪中，提醒在日常生活中我們也能親近水岸，觀察到許多生命在交會，進而維護友善生命的環境，每個人都可以盡一份心力。

鐵龍長鳴 涓涓童年 與環境共生共榮

新創作〈鐵龍長鳴 涓涓童年〉是由法國雕術家史蒂夫．席厄．克魯托（Stéphane CIES Cloteau），在疫情中跨國聯合共同創作完成，藉此傳達對於文史的嚴謹與藝術的熱忱。史蒂夫因具有建築師背景，這回創作元素由鋼構製成，將雕塑、建築與自然環境，流暢的呈現在作品當中，串連已逐漸被埋沒的月台、軌道、標記點石樁與桃林鐵馬路，展現都市綠廊新面貌。造型採用接近原來行駛於桃林鐵道之一的機型R64柴電機車頭，保留部分細節，並適當的藝術化，將虛實、輕重、繁簡、自然環境與工業材質的比例拿捏得宜，透過設計讓月台與周圍環境合而為一，帶出曾經乘載桃園經濟發展的重要時代，以及社區民眾對桃林鐵道沿線故事的集體記憶。

我的秘密基地 打造樹屋與民共享

藝術家黃文淵出生於嘉義農村，運用樹木與草地創造出「我的秘密基地」，三座圓形樹屋宛如秘密城堡，穿梭的廊道充滿探險的氣息，更與藝術家劉瑋英進行社區共創，打造一座可以共享秘密的城堡。大檜溪社區全體總動員參與打造樹屋，居民發揮創作天份，秘密基地內展示20多件居民作品，充滿在地故事。遊客來訪時，或許會聽到正在導覽說故事的長輩哦。

補開箱桃園

《開箱桃園 時光足跡》以四大區來講述桃園移民的故事，《追憶軌跡》以物品為主軸核心，從各式可能看似不起眼的物品，講述小人物的遷居故事與記憶。《聲符印記》運用聲音帶領觀眾領略多元族群在桃園落地生根的生活痕跡。《桃園站，到了》設置在遺留的鐵軌，透過車站意象象徵不同族群遷居抵達桃園。《穿行天際》推著機場行李箱推車駛向天際為概念，象徵桃園人齊心邁向多元包容的未來，共創美好的桃園生活。

鹿與鹿的對話 展現多元族群融合性

王偉權藝術家以漂流木實踐環境藝術，將素材用最簡單、環保的方式，讓漂流木重生，再次回到自然界中。木雕鹿被樹上的鹿角蕨吸引而停留，牠神情專注，彷若兩隻鹿正在深度對談，不遠處也有鹿隻正在跳躍，引起其他鹿抬頭張望。這裡有自由生活的狗兒，不時能瞥見夜鷺松鼠相伴，漂流木與鹿角蕨也加入這生機蓬勃的大家庭，一場自然間的對話，就在這裡悄然響起。讓我們一起關心大地迎向更美好未來！

「桃園市政府文化局 廣告 」

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}