百貨裡的精品皮件「沙伯迪澳SOBDEALL」常讓人誤認是國際的時尚品牌，其實幕後是來自彰化的一群皮件工匠職人。創辦人何偉新當年為了生計在皮件工廠擔任學徒，經歷產業困境後因緣際會承接老闆原先的工廠。一次義大利的學習參訪過程，深受義大利皮件產業的環境洗禮，他發現每一件精緻的作品都誕生於浪漫的工作氛圍，與傳統代工思維裡的成本考量，截然不同。

回國後，何偉新開始思考每一件皮件背後的職人價值，進口義大利手工刷染的天然植鞣革，以縫線、裁切到成品的慢工細活深耕臺灣皮件產業，並在1993年創立「SOBDEALL ‧ 沙伯迪澳」品牌，長年培育五十多位工匠師，綜合老師傅的工藝傳承與年輕一代的創意設計，成為臺灣皮件職人的孕育溫床。

隨著近年人們開始注重生活美學，沙伯迪澳不單只是生產包款和鞋子，而是從生活的共感出發，將皮革材質融入在居家擺飾、品酒提袋和文具配件等，甚至在彰化的鄉間小路成立路思大(Rootstock)新創園區，著重營造革物的溫潤氛圍，透過餐酒館的形式展示皮件放在空間的感受度，不同於百貨公司裡的銷售導向。

庭院種植一百五十年歷史的銀葉橄欖樹，標誌著這裡的平和與榮耀。兩層樓的玻璃建築，一樓提供下午茶與餐點的義式餐酒館；二樓則是皮革美學課程的體驗教室和沙伯迪澳全系列商品的形象店，致力從義式精神的養分裡，長出臺灣最道地的人文樣貌。

致敬歐洲菜系的義式餐酒館

Rootstock是「根」的意思，象徵著從彰化長出的枝枒，但考量名字可以更容易被口耳相傳，便將園區直翻「路思大」稱之。一樓大門的把手，便是一個「根」的字樣意象，歡迎眾人推開門感受裡頭的文化盤繞。

迎面而來的是挑高吧檯和旋轉樓梯，因園區不定期推出餐酒會，空間隨處可及美酒擺放。義式餐酒館除了正餐時段提供料理，下午也會提供咖啡和甜點，週末的晚餐時段偶爾會有限定的駐唱活動；也會舉辦義大利的食材講座或是松露節等生活美學講座，藉由活動活絡場域的可能性。

為了讓客人更熟悉皮件的觸感，義式餐酒館從菜單、餐墊到杯墊皆是皮革材質；抬頭一望，側邊的牆壁按照沙伯迪澳發展的時間軸，從下而上依序擺放不同時期的經典包款，只要是營業時間都可以在這裡找到一角窩著，邊享受眼前稻浪的美景或是夜晚的閒致，邊感受空間內的工藝溫度。

義式餐酒館每半年會更新一次菜單，在致敬歐洲菜系的架構下結合臺灣在地季節食材，推出排餐、義大利麵和燉飯等餐桌美味。坦都里風味燉烤豬膝棒是經典開胃菜，選用台東以海藻飼養的海藻豬，含有高單位的Omega-3多元不飽和脂肪酸、膠原蛋白和蛋白質，搭配主廚秘製的香料配方，直接手拿沾浸薄荷塔塔醬，爽口無負擔。有些項目是火紅不敗款，像是西西里燉烤海岸章魚義大利麵，可以同時吃到大章魚和小章魚，義大利麵條選用百年歷史的品牌茉莉，麵體表面紋理較深，可以飽滿吸附番茄醬汁，因料理過程不加一滴水，全盤鮮味十足。

皮革生活美學的領路人

路思大新創園區坦言，今日潮流的快時尚品牌如此多，很多配件包款只要有一點脫皮就會淪為汰換的命運，但可能該物品的九成都還是完好的樣貌，怎麼樣都有點浪費。所以他們致力讓更多族群知道皮件的美好，突破過往認為穩重皮件是偏中高齡客群的框架，讓更多人認同只要把預算集中在好的材質上，就能讓一件東西陪伴一個人很久，細心感受物件在各個使用時期帶來的美好回憶。

二樓的手作職人工坊提供專屬皮件體驗，除了含義式餐食的一日皮革職人的手作外，這裡還提供首創九十天的手作包款課程，平均一個包款製程時間約四十個小時，參與者選定款式後，可以在九十天內自由安排課程時間，近距離跟著園區工匠師親手製作自己獨一無二的真皮包款。

隱身在彰化與臺中交界處的皮件秘境，專屬大人的革物學旅，不論是用一頓餐的時間，還是目睹一個包的誕生，這裡終於從職人的掌溫間，茁壯出產業的層次。

路思大新創園區

彰化市中山路三段714巷70-2號

週日～週四：11:00-21:00，週二公休

週五～週六：11:00-21:00 

文、圖｜下港女子

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}