2022花蓮城市空間藝術節將於12月2日～4日登場，今年以《內行花蓮》為策展主題，從清茫的天至暖盈的地、巍峨大山到壯闊太平洋海濱，建構出羅列近百個在地景點的「內行路徑」，並串連2大展區——位在市區日出大道的「花蓮舞台」與太平洋公園南濱段的「日出舞台」，獻上橫跨劇場、相聲、舞蹈、音樂等類型的表演藝術，也邀請人們在第一道晨光的照耀下，開啟一場爵士與海浪交織的日出饗宴。

梳理花蓮5大塊面

今年，花蓮城市空間藝術節延續去年的策展團隊，由林昆穎擔任藝術總監、藝外創意為執行統籌、顏伯駿出任品牌總監。之所以將《內行花蓮》定為本年度主題，林昆穎解釋：「從腳下到頭上，從地下到宇宙，花蓮的氣息是與天地相合的呼吸，來過的人都知道，生活在這裡的人更清楚。」因此，策展團隊梳理花蓮土地、族群、產業生活、文化技藝、信仰共5大面向，藉由路徑之間的串連、點位之間的共振，邀請人們走進花蓮，一起成為內行人，為在地創造出新的語境。

2022花蓮城市空間藝術節4大亮點

亮點01. 花蓮舞台｜表演藝術綻放的城市大道

「花蓮舞台」以日出大道為據點建構獨特的環形舞台，形形色色、風貌繁多的在地表演者輪番上陣，演出形式涵蓋戲劇、舞蹈、音樂、⺠俗技藝、原⺠藝術、跨域等，主題更橫跨山海、族群、產業、文化與信仰，共同交織屬於花蓮的故事。（註：完整表演團隊名單附於文末。）

亮點02. 日出舞台｜晨光相伴的自然舞台與聲音劇場

「日出舞台」於南濱海邊舉行，是一場與自然相約的儀式，邀請⺠眾在天光潮汐中棲石而坐，以光、樂器、吟唱、身體、聲響迎接並感受東臺灣最早與最暖的太陽光。現場演出由山東野表演坊、TAI身體劇場、High FLY豎笛四重奏、曼波魚爵士樂團共4組表演團體組成，藉由海的傳說故事引導，利用樂器、肢體擺動、自然景致的串連，迎接第一道晨光。

亮點03. 內行路徑｜搜羅上百個在地景點的線上互動地圖

策展團隊今年特別打造線上互動地圖「內行路徑」，在網站上羅列近百個景點，以及本屆藝術節參展團隊的日常地點，參與者可選擇依照推薦路徑遊走或自由探索，並透過景點任務，感受虛實交錯的城市遊走體驗，同時在探索過程中成為推薦路徑的一份子，共譜內行路徑。

亮點04. 主視覺設計｜以花朵意象呼應花蓮精神

今年主視覺由長期以花蓮為題創作的藝術家吳致怡攜手三頁文設計共同創作，畫面以花蓮豐碩的自然環境為背景，藉足跟長出的花蓮縣縣花——「蓮花」，代表城市空間藝術節的能量從花蓮的土地開始積累，足跡間綻放出的各式獨特花朵，則象徵表演者向內探尋的過程，最終總能堅定地走出自信的路。

2022花蓮城市空間藝術節《內行花蓮》

展期｜2022年12月2日～4日

⭔ 花蓮舞台

時間｜五 16:30～22:00／六 13:30～22:00／日 12:30～17:30

地點｜花蓮日出大道主要活動區域為花蓮市自由街與重慶路靠東大門夜市入口，建議抵達市區後步行參與。

⭔ 日出舞台

時間｜六、日 05:00～06:30

地點｜太平洋公園南濱段

交通方式｜

一、自行開車 北往南：國道5號蘇澳交流道下－省道臺9線－縣道193線

二、大眾運輸：搭臺鐵至花蓮站，轉搭花蓮縣公車301至「南濱公園站」下（註：南濱公園進行部分工程整修，抵達後，請依循現場指標前往舞台。）

表演團隊名單（依筆畫順序）｜

FLAVOR HUALIEN 文化推廣工作室、High FLY豎笛四᯿奏、Knsuyang文化樂舞團、POD 地方滑手、TAI身體劇場、曼波魚爵士樂團、山東ᰀ表演坊、手作故事團、台玖線樂團、冉而山劇場、朱德剛相聲社(八斗喜說演班)、艾麗莎國際標準拉丁舞團、阿睞卡閧木箱鼓擊樂團、奇萊山藝術團、花蓮合唱團、什麼樂團對丫、花蓮漢聲北管八音團、花蓮縣花漾亮麗舞蹈協進會、洄瀾境⺠俗技藝團、洪武雷鳴醒獅戰鼓團、原鄉舞蹈團 、根Biyax 樂舞團、唯舞中東舞團、街頭靈魂舞蹈團、蓮極緻創意舞蹈團、聲子樂集、魔法DJ藝術表演坊

資料、圖片｜藝外創意、三頁文設計

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}