從對立、共存到和解，比利時當代藝術家大衛．克拉耶伯以虛實梭織影像，深度重擊觀者感知！

踏入由黑白無聲影像、過渡至二十四位合聲鳴唱的入口作品，比利時當代藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）的「片刻冥想」展覽，從一開始，就打算從不同元素的對立與共存，掀起看似冷靜平和卻伏流深刻撞擊性的思索巨浪，帶領觀者在獨特挑高的沉浸場域，穿越六件不同時期、潜匿事物歧義性的影像作品。

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曾於2004年參與第4屆台北雙年展，這次比利時當代藝術家大衛．克拉耶伯在北美館的首次個展，也以他擅長平和靜心的影像表象，轉化歷史與文明背後的深切議題；在墜入靜觀冥想的時空之際，挑起觀者不同面向的提問。從1996年藝術家早期、隱藏在展場最深處梯間的《安然共處的貓與鳥》作品，到去年創作、也是本次唯一一件有配樂的作品《巷弄內》，皆重建了藝術家過去25年藝術創作生涯最重要的本質。

所謂的「歷時性」

具備深厚繪畫底蘊的大衛．克拉耶伯，以精細手繪稿為基礎，結合攝影、電影、聲音、數位技術及電腦影像生成（CGI，Common Gateway Interface）為聞名，擁有巴黎龐畢度藝術中心、德國漢堡車站美術館、美國密爾沃基美術博物館等豐富國際參展經歷。大衛．克拉耶伯說：「在我放棄這些紙上作畫的作品後，我才真正找到救贖，利用影像及它的『歷時性』（diachronic）來雕塑作品。」這也是為什麼大衛的創作，從不僅止於攝影和電影之間，而是運用動態模擬技術，創造時間的可塑性，以歷時性改變觀者感知。

正因為這層對歷時性的思辯，藝術家在視覺畫面操控影像的靜與動、連續與靜滯或聲音的有無，都反饋出一種無限的感知張力，消弭觀者對於時空、記憶及現實的既定視角。我們問大衛如何在作品中拿捏電腦特效的比例或完成度？他回答：「一般來說，我們看到商業裡蔚為奇觀的影像，其實是昂貴也需要人力與時間的；因為成本高，所以也需要考慮投資報酬率；可是我做的事，卻是完全相反。我創造的這些影像雖然也投入大量金錢，卻沒有要它充滿戲劇效果或湧現某種奇觀、故事。我想要呈現的，是時間創作出來的作品。」他更說道：「在我的影像裡，不需要有開頭與結尾；時間並不是像箭頭一樣，要一直往前；時間應該是循環週期性的，這也是我作品一直在陳述的重點。」

用六件作品窺探大衛．克拉耶伯

而在諾大展間呈現的六件影像作品，不僅以「聲音」扣合「片刻冥想」的主軸，更呼應著藝術家大衛．克拉耶伯的不同創作時期。從1996年拍攝自家貓與鳥開始的《安然共處的貓與鳥》，直截帶出大衛對於對立與共處的創作核心概念；曾經於台北雙年展登台的《越南，1967年，德富縣臨近地區〈以峯弘道拍的照片修相而成〉》和介於2015～2021年完成的《飛機（最終組裝產線）》，則是以大衛喜愛的創作主題「飛機」作為詮釋。前者挪用真正在越戰中失速、失重下的墜機拍攝照片，以處理後的隱約光影，撫摸著機身、機翼和周圍山谷，用看似靜止卻有變化的美感，撫慰過去傷痛；後者則是以1950年代的黑白照片為靈感，在實景舊工廠裡，以精密3D建模數位技術混合出全新飛機，通過守衛迴盪場域的腳步聲，帶出虛實的感知體驗。採訪中，大衛更引用法國哲學家布魯諾·拉圖爾（Bruno Latour）對於飛機的釋義，認為飛機在空中，既沒有到達目的地、也不在出發點，僅是懸浮於那樣的狀態，沒到未來、也沒在過去。這些哲思，呼應著他建構虛擬影像的感受—雖然在真實世界並不存在，但就像在空中的飛機一樣，不在過去也不在未來。

另外，展場中高高豎立的《野火（觀火冥想）》與《純粹的必要性》，則是分別運用3D動畫、電腦計算和拍攝技術構築戲劇性的森林大火，以及移用1967年經典迪士尼動畫電影《森林王子》，協力與動畫師讓角色們卸下擬人化個性、回歸原始習性。而以1910年電影萌芽年代作為黑白無聲序幕的《巷弄內》，亦在畫面刻意鋪陳當時沒有話語權的市井小民，以影像技術將紀錄影片的歷史街景、與實景片場拍攝的演員影像相容，帶出第二段環繞拍攝虛擬建模的孩童，以極具天使之籟的六聲道合聲鳴唱《請賜平安》（Da Pacem Domine），疏解凝聚情感與感官的獨特體驗。

由影像鋪陳、佐上歷時性，再使觀眾成為作品的一部分，大衛．克拉耶伯嘗試發展影像哲學與作品親近度的兩個端點。誠如藝術家所說的：「電影講的第四道牆，通常指的是製作過程或團隊；對我來說，我的第四道牆就是觀眾。」在虛實幻變、打開觀「影」感受的創作裡，大衛鬆動傳統視覺媒介的界線，並且試圖消除敘事表現，讓觀者一次次跨越時序藩籬，在多層次的時間裡，跳躍提問。

–「大衛．克拉耶伯：片刻冥想」–

展期：2023.03.31-2023.06.25

地點：臺北市立美術館 1B展覽室

以花蓮港口部落為基地的「Makotaay藝術季」，2026年以「海在想什麼？」為主題，結合地景藝術、音樂展演、部落微型影展、美食與手作市集，以及「夠帶種」帶來的表演藝術體驗，帶領每個來到石梯坪海岸的人們感受山海、欣賞藝術、抒展肢體，並在過程中體會港口部落與海共生的智慧，潛心聆聽海的心聲。

打開家園為生態藝術村

港口部落歷經30多年的土地抗爭，在2020年陸續收復部落傳統領域後，決定將家園以藝術展演的形式開放給所有人——這正是「Makotaay生態藝術村」誕生的緣由。6年來，已有超過80位藝術家在此駐村，把他們在這裡聽見的浪聲、踩過的礁岩、學會的算浪與撒網，轉譯成一件又一件的藝術作品。

到石梯坪領會海究竟在想什麼？

2026年中秋滿月下，「Makotaay藝術季」於石梯坪正式開幕。本屆主題「海在想什麼？」源自港口部落已故頭目Lekal Makor（勒加馬庫）常說的一句話：「我每天早上看著海，在想，今天的海在想什麼？」藝術季將這個提問交給今年來到Makotaay的每一個人。

有別於以往，今年Makotaay首次納入地景藝術與「夠帶種」帶來的表演藝術體驗。展演現場由3件大型地景作品先行，帶領訪客從作品感受藝術家焊鐵的火花、敲打木頭的聲響，再與海風、潮汐、日月星辰展開對話；接著隨夠帶種引領，以身體作為媒介打開五感，走入自然，成為自然。

除3件大型地景藝術之外，另有許多精彩藝術作品散落於石梯坪各處，其由9位駐村藝術家在港口部落地主的帶領之下，在部落住上15天，與族人交流、共同生活，並將這段經驗轉化為藝術創作，當中蘊藏著港口部落長久以來與海洋共生的生活哲學。

重現石梯港「Mihoyo」珍貴儀式

開幕當天的「Mihoyo」儀式也展現了海洋民族的珍貴傳統。當日來自全台各地的無動力船隻陸續駛入石梯港，重現曾盛行於1960至1990年代之間的「交換漁貨」儀式。策展團隊邀請從各地來訪的船友與陸地上的部落族人、藝術家們交換禮物，象徵海島民族之間的情誼交流。

當人類建構了一個AI代理（AI agent）控制的小型社會，這社會究竟如何運行？驅動社會前進的能量源自於哪？前進的方向又如何決定？當人類踏入其中，是外部干擾還是另一股融入社會的力量？

這一切在真鍋大度（Daito Manabe）於臺中市立美術館（中美館）舉辦的個展「關係時態」中，透過建築空間、即時運算、聲光影像的交織傳達，有了可以窺探的面貌。不妨踏入展場，看這位享譽國際的媒體藝術家，如何將「人（身體感知）」、「機（AI代理）」及「人機互動」3者置於同一空間，讓它們在保留彼此差異的情況下建立連結、共構一個不斷演化的社會環境。

為中美館量身打造新作

作為真鍋大度首場海外大型個展，「關係時態」的意義不言自明。他原先規劃將曾在大阪展出的作品移展至此，但在親自走訪中美館後，被美術館空間激起靈感，轉念決定帶來3件全新創作，每件都是為展廳空間量身打造。

從「時間」出發，建構不斷演化的人工生命世界

看展之前，得先了解展覽副標「超越模擬的生命形式」意義為何。對此本展策展人鄺佳玲分享，機器能在極短時間內推演無數可能，而人類卻仍需要時間建立信任與記憶，展覽於是由此思考，時間如何在彼此的關係中生成，且作品不再只是用運算模擬生命的樣貌，而是打造一個「讓關係與記憶能隨著時間累積、逐漸成形的環境」——這也就是所謂「超越模擬的生命形式」。

真鍋大度則指出，生成式AI快速發展，開始改變人們對「智能」與「創造」的理解。相較於高速運算的機器，人類擁有自己的身體與感知，也經歷著神經活動、記憶、語言與思考等不同的時間。這些不同的時間尺度，構成人類理解世界、與世界產生關係的方式。他做的並非將這些時間整合為單一系統，而是讓神經系統、身體感知，以及機器運算與生成的不同時間，在保留彼此差異的情況下建立連結，探討當人與機器以不同的速度彼此作用，這些差異又將如何影響人類的感知與創造。 

「關係時態」展出的3件全新創作，分別從人類的身體與感知、包括大型語言模型（Large Language Model, LLM）在內的計算系統，以及記憶與判斷等不同的時間尺度出發，形成持續運作的沉浸式世界。作品讓人、機器與環境持續回應、互動、累積並改變，3個展間也因此以不同方式表現「時間」在感知、運算與創作中的作用，讓作品不再是固定的結果，而是在時間中持續生成的過程。

將AI代理爭辯現場拉到觀眾眼前

展覽室A從單一細胞開始，一個不斷生成的生命世界也由此展開，整件作品就像一個「AI代理建構的小型社會」。在此，觀眾可以從牆面投影、地面的巨幅影像，看見細胞攝取資源、繁殖、突變與死亡的過程。同時，15個AI代理會不斷討論和爭辯，從「資源場」中篩選出理想的育成資源，讓社會得以持續運作，也讓觀眾每次走進展間，都能看見這個動態世界的不同樣貌。

藝術家也推薦，可以仔細看15個AI代理究竟在爭辯些什麼，會更能理解眼前影像如何生成。

觀眾的動態，如何影響人工世界面貌？

展覽室B所創造的人工生命世界讓觀眾不只是旁觀者。作品中的虛擬個體不斷覓食、繁殖、突變與死亡，而觀眾的移動、停留與聚集，也會轉化為作用於這個世界流動場的壓力與偏差，進而影響這個世界的樣貌。在這裡，LLM代理（＊註）會定期解讀這個世界的狀態與過去發生的事件，並在一定範圍內調整環境條件。在這裡，LLM代理（＊註）會定期解讀這個世界的狀態與過去發生的事件，並在一定範圍內調整環境條件。過去事件所產生的影響，也會成為後續變化的條件，讓不同時間來訪的觀眾產生連結。

＊註：LLM，大型語言模型，是一種透過大量文字學習人類語言規律、能生成文字與回答問題的人工智慧模型。

「合成大腦」呈現虛擬生命的思考方式

展覽室C透過一組「合成大腦」，展現虛擬生命的思考方式。裝置中的感應器會偵測觀眾的移動，並將其轉化為刺激，在「合成大腦」的神經網絡中傳遞，進而產生聲音、光和影像。此作延續了真鍋大度長期以來以「神經系統」為創作媒介的實驗，可說是此實驗的集大成之作。

・為讓觀眾即時掌握作品的最新狀態，真鍋大度特別為展覽架設專屬網站，有興趣者不妨點此追蹤作品動態。

真鍋大度：「這是我目前最想呈現的藝術形式。」

這場個展對真鍋大度來說別具意義。近年，他與一線精品如Louis Vuitton及知名音樂人坂本龍一、Perfume、Björk等人合作，也參與奧運、萬博等世界級展會，作品享譽國際。這場個展則讓他重回「純創作」的遊樂場、得以完全照自己的心意創作，他直言：「這是我目前最想呈現的藝術形式。」而展覽所呈現的，即是他口中「只有這個時代才能創造出的作品」，這些作品看似存在近未來，實則回應著當今社會的脈動，探索著人與機器的異同，及兩者各自獨立或共生的社會景象。

「AI讓我有了新的夢想想去達成。」

聯訪時不免聊到AI。從小學因愛打電動接觸程式語言，真鍋大度寫著寫著，至今已近40年，他表示自己對程式一直懷抱熱情，但隨著AI快速發展，心中不免有擔心被取代的憂慮，「現在做媒體藝術的門檻已不若以往高，AI可以協助達成許多事，因此我對自己的定位產生苦惱，思考自己應該以什麼樣的角色、做什麼樣的創作。」此時這場展覽為他解惑，也開啟想像未來的另一條路徑，「我們寫了2100萬行的程式碼，這是以前單靠人力不可能達到的規模，有了AI才得以達成。」自此，AI從某種程度上的競爭者成為合作夥伴，「這讓我有了新的夢想想去達成。」真鍋大度這麼說道。

真鍋大度個展「關係時態—超越模擬的生命形式」

展期｜2026.10.03－2027.01.03

展場｜臺中市立美術館 展覽室 A、B、C

售票資訊｜一般全票100元／臺中市民50元／65歲以上及未滿6歲免費