踏入由黑白無聲影像、過渡至二十四位合聲鳴唱的入口作品，比利時當代藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）的「片刻冥想」展覽，從一開始，就打算從不同元素的對立與共存，掀起看似冷靜平和卻伏流深刻撞擊性的思索巨浪，帶領觀者在獨特挑高的沉浸場域，穿越六件不同時期、潜匿事物歧義性的影像作品。

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曾於2004年參與第4屆台北雙年展，這次比利時當代藝術家大衛．克拉耶伯在北美館的首次個展，也以他擅長平和靜心的影像表象，轉化歷史與文明背後的深切議題；在墜入靜觀冥想的時空之際，挑起觀者不同面向的提問。從1996年藝術家早期、隱藏在展場最深處梯間的《安然共處的貓與鳥》作品，到去年創作、也是本次唯一一件有配樂的作品《巷弄內》，皆重建了藝術家過去25年藝術創作生涯最重要的本質。

所謂的「歷時性」

具備深厚繪畫底蘊的大衛．克拉耶伯，以精細手繪稿為基礎，結合攝影、電影、聲音、數位技術及電腦影像生成（CGI，Common Gateway Interface）為聞名，擁有巴黎龐畢度藝術中心、德國漢堡車站美術館、美國密爾沃基美術博物館等豐富國際參展經歷。大衛．克拉耶伯說：「在我放棄這些紙上作畫的作品後，我才真正找到救贖，利用影像及它的『歷時性』（diachronic）來雕塑作品。」這也是為什麼大衛的創作，從不僅止於攝影和電影之間，而是運用動態模擬技術，創造時間的可塑性，以歷時性改變觀者感知。

正因為這層對歷時性的思辯，藝術家在視覺畫面操控影像的靜與動、連續與靜滯或聲音的有無，都反饋出一種無限的感知張力，消弭觀者對於時空、記憶及現實的既定視角。我們問大衛如何在作品中拿捏電腦特效的比例或完成度？他回答：「一般來說，我們看到商業裡蔚為奇觀的影像，其實是昂貴也需要人力與時間的；因為成本高，所以也需要考慮投資報酬率；可是我做的事，卻是完全相反。我創造的這些影像雖然也投入大量金錢，卻沒有要它充滿戲劇效果或湧現某種奇觀、故事。我想要呈現的，是時間創作出來的作品。」他更說道：「在我的影像裡，不需要有開頭與結尾；時間並不是像箭頭一樣，要一直往前；時間應該是循環週期性的，這也是我作品一直在陳述的重點。」

用六件作品窺探大衛．克拉耶伯

而在諾大展間呈現的六件影像作品，不僅以「聲音」扣合「片刻冥想」的主軸，更呼應著藝術家大衛．克拉耶伯的不同創作時期。從1996年拍攝自家貓與鳥開始的《安然共處的貓與鳥》，直截帶出大衛對於對立與共處的創作核心概念；曾經於台北雙年展登台的《越南，1967年，德富縣臨近地區〈以峯弘道拍的照片修相而成〉》和介於2015～2021年完成的《飛機（最終組裝產線）》，則是以大衛喜愛的創作主題「飛機」作為詮釋。前者挪用真正在越戰中失速、失重下的墜機拍攝照片，以處理後的隱約光影，撫摸著機身、機翼和周圍山谷，用看似靜止卻有變化的美感，撫慰過去傷痛；後者則是以1950年代的黑白照片為靈感，在實景舊工廠裡，以精密3D建模數位技術混合出全新飛機，通過守衛迴盪場域的腳步聲，帶出虛實的感知體驗。採訪中，大衛更引用法國哲學家布魯諾·拉圖爾（Bruno Latour）對於飛機的釋義，認為飛機在空中，既沒有到達目的地、也不在出發點，僅是懸浮於那樣的狀態，沒到未來、也沒在過去。這些哲思，呼應著他建構虛擬影像的感受—雖然在真實世界並不存在，但就像在空中的飛機一樣，不在過去也不在未來。

另外，展場中高高豎立的《野火（觀火冥想）》與《純粹的必要性》，則是分別運用3D動畫、電腦計算和拍攝技術構築戲劇性的森林大火，以及移用1967年經典迪士尼動畫電影《森林王子》，協力與動畫師讓角色們卸下擬人化個性、回歸原始習性。而以1910年電影萌芽年代作為黑白無聲序幕的《巷弄內》，亦在畫面刻意鋪陳當時沒有話語權的市井小民，以影像技術將紀錄影片的歷史街景、與實景片場拍攝的演員影像相容，帶出第二段環繞拍攝虛擬建模的孩童，以極具天使之籟的六聲道合聲鳴唱《請賜平安》（Da Pacem Domine），疏解凝聚情感與感官的獨特體驗。

由影像鋪陳、佐上歷時性，再使觀眾成為作品的一部分，大衛．克拉耶伯嘗試發展影像哲學與作品親近度的兩個端點。誠如藝術家所說的：「電影講的第四道牆，通常指的是製作過程或團隊；對我來說，我的第四道牆就是觀眾。」在虛實幻變、打開觀「影」感受的創作裡，大衛鬆動傳統視覺媒介的界線，並且試圖消除敘事表現，讓觀者一次次跨越時序藩籬，在多層次的時間裡，跳躍提問。

–「大衛．克拉耶伯：片刻冥想」–

展期：2023.03.31-2023.06.25

地點：臺北市立美術館 1B展覽室

從長居花蓮、對地震的感知記憶出發，台灣藝術家邱承宏用403花蓮大地震的斷垣殘壁，及其他震災後留下的建築遺構為材料，重構了書櫃、螺旋樓梯等生活物件，試圖在崩壞後，以物質材料為媒介、自身經驗為見證，建構一種生活新秩序。這片由災後廢墟重生的風景，現正於台北耿畫廊旗下藝術空間TKG+《柔韌之餘》展覽展出中。

為何以震災遺構為材？

台灣島位處環太平洋火山帶，地震等天災對生活在這座島上的人們並不陌生——從經歷震盪時的不安、面對生死的苦痛，到災後如何面對、感受、記憶那破碎後的日常，是伴隨台灣人成長經歷的個人和集體經驗。《柔韌之餘》主角藝術家——邱承宏，生於花蓮，現也在花蓮居住和工作，對此感受尤為深刻。

考古藝術家的記憶修補術

邱承宏的創作過程，如一場又一場「修補記憶」的歷程。他常以「考古探險」般的姿態，潛入時空縫隙，挖掘那些曾經存在的身影和軌跡，並將這些細膩觀察，透過裝置、雕塑生動地重塑，藉此發展一套獨到的「記憶修補術」。在《柔韌之餘》展覽中，邱承宏從長居花蓮的經驗出發，以地震倒塌建築中回收的鋼筋、磚瓦與混凝土為材料，重構出旋轉樓梯、櫃體結構、燈具等雕塑，這些作品悄然佇立展間，彷彿在災難崩壞後形成一種生活新秩序。

斷垣殘壁重生後的生活場景

展間內，〈失衡的螺旋〉像是一座扭曲的螺旋階梯，其造型取法自然界生命生成與自我複製的基本法則——以0、1、1、2、3、5、8……為節奏的費波那契數列，以及DNA雙螺旋結構。然而在此，螺旋不再穩定向上、循環不息，而是帶著偏斜與裂縫，顯露出斷裂、錯置與再生的痕跡。每一階梯面承載來自不同災難場域的殘片，表面以磨石子封存時間與磨損的痕跡，像是將強烈的地質運動，凝結為一種看似建構、實則失衡的螺旋結構。

而在作品〈夜與靈魂〉中，邱承宏將地震災後遺留的鋼筋與混凝土，轉化為書櫃與書本雕塑，構築出一座承載記憶的微型圖書館。邱承宏提及，這件作品揉合了他在高壓狀態下反覆出現的夢魘，以及2024年403花蓮大地震中倒塌建築所留下的斷垣殘壁。他將扭曲的鋼筋，重構成書櫃的骨架，把碎裂的混凝土、混合水泥重新鑄造成書本的形體，交織創傷、夢境、物質，與工作燈投射出的微光，讓空間迷漫著一股幽謐、近乎潮濕的氣息，彷彿某段被覆於瓦礫之下的時間重新滲出表層。

回到《柔韌之餘》這一題目，邱承宏作品之「柔韌」不只是以人本出發所展現的堅韌，更是關於材料作為一種見證，也關於雕塑作為一種當代紀錄，側寫下了這個時代人類、物質與自然之間依存又緊繃的關係。

回顧更多邱承宏的「記憶修補術」

《柔韌之餘》是一場邱承宏對於災難的「記憶修補」，再回溯他的其他作品，主題更為廣泛。如雕塑作品〈繡燕〉，源自2020年他在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎……出自不知名工匠之手，外表粗糙滑稽，用料和比例缺乏考究，在70年代的台灣蔚為流行，常見於校園或遊樂空間。

邱承宏對這些動物雕塑的缺口、風蝕痕跡等「傷口」進行掃描，並利用3D列印將其放大200倍，做成磨石子雕塑，表面以混凝土、礦物、銅線縫補點綴，讓缺陷再次豐盈，令人工雕塑以「石」的形態回歸自然。在〈繡燕〉當中，邱承宏是穿梭回70年代台灣搬運記憶的時空行者，也是用雕塑重構記憶的工藝家。

雕塑是「經修補後的圓滿」

隨時代演變，雕塑早已不像在古典藝術中，單純作為紀念碑或宗教、英雄史觀的載體，而從「崇高」象徵逐漸轉向對現實處境的回應，開始觸及勞動、性別、族群與記憶等具體而微的生命經驗；媒材也從講求「永恆」的大理石、不鏽鋼等，擴延至工業材料、現成物等，甚至引入聲音和行動。

邱承宏的雕塑也是如此，他不用雕塑重現某種形體、指涉特定事件，並將金屬工具、災難遺跡、吊車等素材融入創作，以作品作為回應時間、空間、身體的媒介，具象化自身抽象意念的視野。對他而言，雕塑是「經由修補後的圓滿」，無論是將缺口與殘片重新修復，或是讓缺口透過藝術的形式獲得美學上的新生——這樣如日本「金繼」工藝中對「碎片與缺失的關懷」，貫穿了邱承宏的創作價值觀。

《柔韌之餘 — 邱承宏個展》

展期 | 2026.03.07－04.25

地點 | TKG+（台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

國家兩廳院首度製作數位導覽《廳院顯影》，攜手「在地實驗」與兩廳院駐館藝術團隊「僻室 House Peace」，利用 AR 擴增實境與互動介面，將戲劇院和藝文廣場的「空間記憶」數位化，導覽自4月20日至8月31日啟動試營運，開放免費報名，邀請大眾走進場館，共同創造屬於當代的劇場集體記憶。

作為亞洲具指標性的當代劇場，即將滿40歲的兩廳院推出全新的導覽系統《廳院顯影》，期待透過虛實整合的技術，觀眾得以由淺至深，理解空間承載的歷史時刻，並藉由科技體驗在觀眾眼前逐層「顯影」，讓劇場不再只是定格的空間，而是能與觀眾即時互動的時空現場。

《廳院顯影》採用 AR 技術，讓觀眾跳脫單向接收資訊的被動模式，獲得主動探索場域的沉浸遊玩感受。觀眾在導覽員的帶領之下，操作專用平板電腦，探索戲劇院一樓大廳的場域細節與歷史時刻。在導覽中更可看見京劇女王魏海敏、歌仔戲國寶唐美雲、臺灣鼓王黃瑞豐、鋼琴家許郁瑛、兩廳院駐館藝術家王宇光及馬戲藝術家陳星合等各界大師共同參與，讓觀眾在數位探索中與國寶級藝術家跨時空交會。

時刻｜走過廣場與劇場的歲月

導覽以長約兩分鐘的影像作品拉開序幕，並透過導覽員輕快的講述，帶領導覽觀眾「從廣場走進劇場」。此導覽環節分為「歷史篇」與「生活篇」。歷史篇以劇院及廣場空間的重大事件、時代節點為主，映照出兩廳院見證臺灣社會變遷的歷史定位；而「生活篇」則轉向劇場的日常溫度，呈現兩廳院如何從嚴肅的藝術殿堂轉變為大眾共享的文化空間，並透過各項共融行動，讓劇場成為每個人都能自在參與的日常場域。

時差｜穿透虛實的劇場探索

第二部分為導覽的核心互動環節，由導覽員引領觀眾遊走於戲劇院一樓前台空間，透過專用平板與互動探索，觀眾不但可化身舞監操作舞臺燈光特效，還能透過場館知識的快問快答與舞臺地板木雕作品《時時。刻刻》的限時小遊戲，在趣味氣氛當中認識戲劇院。觀眾亦將在此觀賞由魏海敏、唐美雲及陳星合等各界名家跨界合作的多媒體影像，共同見證舞臺上的魔幻時刻。

時常｜劇場人與物的日常炫技

最後一站聚焦於舞臺機關的無限可能。現場透過影像作品，搭配鼓手黃瑞豐、鋼琴家許郁瑛的音樂創作，與馬戲藝術家陳星合和兩廳院駐館藝術家王宇光精彩的動作設計，在舞臺機關變幻間的精彩共演；觀眾更能藉由平板翻閱技術手冊來了解舞臺機關的硬體奧秘，一窺國家級劇場設施的科技之美。

透過數位導覽推廣劇場文化

參與《廳院顯影》多媒體創作的藝術家們，皆與兩廳院有著深厚的情感連結。國家兩廳院藝術總監劉怡汝表示：「這項計畫是兩廳院多年數位基礎建設的階段性總結，科技為表演藝術創造更深邃的敘事維度，讓劇場成為社會集體記憶與未來創意交匯的起點。我們想打破劇院高聳的圍牆，用數位互動讓大家以最輕鬆的方式走進藝術，不論什麼背景的觀眾，都能在這次探索中，找到自己與這座劇場的專屬連結 。」

京劇藝術家魏海敏與兩廳院的緣分始於 1987 年，不僅參演了國家戲劇院的開館首檔節目《句踐復國》，此後數十載更持續在戲劇院舞臺上推出無數經典作品。此次參與演出，魏海敏表示，回望當年能演出開館首作，感到無比榮幸；而多年來見證兩廳院從傳統走向多元、從單一走向開放的轉變，更令人由衷欣慰。

歌仔戲表演藝術家唐美雲多年來致力於精緻歌仔戲的創新與傳承，並多次與兩廳院攜手推動共融計畫。唐美雲分享，過去與兩廳院共創了許多溫暖的共融作品，觸及了許多不同的群眾；期許這次的數位導覽能讓劇場文化再度『破圈』，讓更多人在數位世界中接觸表演藝術。

兩位表演大師本次以「影像主演」的身分參與計畫，對兩廳院作為表演空間之外的公眾文化角色深有感觸，期待透過科技讓每一位參與者都能成為劇場的一份子。

從廣場走向劇場，實踐「人人劇場」參與精神

《廳院顯影》不僅是一套多媒體導覽，也保有擴充內容與形式的空間，未來將能在此基礎之上新增媒體內容與互動玩法，隨著觀眾需求與媒體型態的演變一同成長，並對參與者展現兩廳院場館與歷史的更深層次與多重面貌。導演吳子敬認為：「在劇場出現之前，戲劇的開端都是把眾人聚集在一起，而廣場正是眾人聚集的所在。戲劇與空間同樣是需要大家一起參與才能發展成長的。」他據此脈絡將「廣場」與「劇場」兩種場域相互連結，也呼應兩廳院成為「人人劇場」的核心理念。長期致力於技術創新的數位娛樂領導品牌鈊象電子股份有限公司，亦認同兩廳院以創新方式升級文化服務、打造友善觀演環境的努力，並秉持著支持藝文永續的精神，贊助兩廳院 2026 年度營運，攜手深化表演藝術與大眾的連結。

透過《廳院顯影》，兩廳院將場館的歷史積累轉化為輕盈且具啟發性的數位體驗，重新顯影對劇場空間的深刻感動。全新導覽系統自4月20日起正式啟動試營運，並將持續至8月31日止。試營運期間特別開放民眾免費報名體驗，導覽時間定於每月隔週的一、二上午 10 時。為提供多元視角，週一場次將以「歷史篇」為主題，週二則為「生活篇」。歡迎大眾把握試營運期間先行預約，體驗難得的數位探索之旅。

AR數位導覽《廳院顯影》

導覽時間｜每月週一、二上午 10 點（週一場導覽內容為「歷史篇」、週二場為「生活篇」）

導覽地點｜國家戲劇院（臺北市中正區中山南路21-1號）

即日起至 8月31日 試營運期間免費，報名請點此