身為台灣最具代表性的馬戲團，FOCA這回不擔任主秀，而是承擔策展大任。為了2023臺灣文博會，破天荒將兩個馬戲篷都搬到台北市中心，力邀超過30組表演團隊，要以歡樂與野性為空總換上新表情。不過這麼多表演該從何挑選？La Vie精選8大亮點，從演出的獨特性到適合的觀眾類型分門別類，作為前進雙帳篷的行前指南！

文博會在一般人印象中，向來是有點高冷的設計藝術展會，但這一次，主辦方邀請「FOCA福爾摩沙馬戲團」擔綱策展人之一，要在主展區空總臺灣當代文化實驗場（C-Lab），策畫近百場的表演藝術演出。高冷對比於馬戲歡樂的氛圍、表演藝術的熱情野性，聽來相當的反差萌。

「馬戲篷立起來將近4層樓高，放一座在台北市區已經很瘋狂，但這次我們要在空總放兩座。」FOCA福爾摩沙馬戲團團長林智偉透露，今年在台南水交社文化園區成功舉辦「FOCASA馬戲藝術節」不久後，接到了文博會總策展人吳漢中邀約，頻頻力勸「北部民眾也應該感受到這種歡樂的感覺」。

克服萬難，雙篷降臨空總

自從買下第一頂馬戲篷「Village-13」，FOCA就沒想過要到台北辦活動。V13高17公尺、左右寬達40公尺，可以容納多達800人座位，這麼一座有如移動式表演場館的龐然大物，想要立起來，還須打地基、固樁。相較於南部空地多，氣候較穩定；在建築物密集，幾無空地，氣候又多雨潮濕的北部，V13實在難以立足。但林智偉最終不僅應允接下策展大任，還乾脆加碼，訂購新馬戲篷，讓雙篷同時降臨空總。

雖然FOCA並不出團擔綱主秀，但身為策展方，誠意與新意十足。新訂製的「Village-7」馬戲篷是委請設計師繪圖製作，世上獨一無二；寬25公尺，容量略小於V13，高度卻相仿，量體相當可觀。藝評人耿一偉曾評論FOCA的風格是「接納所有的藝術風格」，這一回FOCA也運用馬戲篷獨特的場所氛圍，呈現層次豐富的各類型表演藝術。

 亮點1：大團開演，超近距離的體感刺激！

進入V13這座無比醒目的超大馬戲篷，不但會是許多觀眾的人生第一次；也幾乎是這回所有表演團隊的初體驗。V13節目主要由阮劇團、優人神鼓、布拉瑞揚舞團、蒂摩爾古薪舞集、沙丁龐克劇團等極具號召力的名團領銜競演。為了回應策展主題「野生台灣」，各團都端出代表作，例如阮劇團將演出草根味強烈的全台語喜劇《熱天酣眠》；布拉瑞揚舞團則獻上當年因風災摧毀排練場，全團開拔至東海岸創作、排練而成的《漂亮漂亮》。

「這些大團，在戶外或是劇場演出都經驗豐富，但他們沒試過在馬戲篷裡表演。」FOCA品牌總監張又文指出，270度的舞台考驗著表演團隊如何調整表演佈局；舞台距離第一排觀眾又僅有約1公尺，像是肢體表現強烈的蒂摩爾古薪舞者，「汗可能會甩到觀眾身上。」又或是布拉瑞揚舞團的舞者舞動帆布時，也許會讓篷裡吹起東海岸的風。

阮劇團那無比生動的演員表情，一定會讓大家看到笑嗨嗨；擅長戲劇小丑表演的沙丁龐克這回站上了超廣角舞台，勢必會拿出看家本領與觀眾互動；而在戶外演出時就已經很大聲的優人神鼓，據說要把數十面鼓搬上台，光是想像，就覺得很「爆篷」。

 亮點2：搶先目睹備受矚目的新秀團 

馬戲篷裡，當然有馬戲可看，V13的「曼波計畫」將呈現馬戲新秀舞台。近十年台灣許多新興馬戲團隊，如創造焦點、馬戲之門、紅鼻子馬戲團、優尼克當代馬戲團等，成員多來自台灣唯一馬戲人才培育學校「國立臺灣戲曲學院」。這一次，從習藝多年的在校學生，到備受矚目的新團們都將在此一展身手，讓觀眾一窺馬戲新秀們的無窮潛力。

 亮點3：FOCA帶你逛馬戲篷幕後 

V13難得現身台北，只讓大家看表演和馬戲，那就太可惜了。「篷篷開箱」邀請觀眾直擊篷裡篷外的馬戲人生，「由FOCA主導的開箱，不會只有知識面的介紹。」張又文形容，參與者將化身學員，擁有沉浸式的導覽體驗，要了解戲篷結構，甚至也要學一下拋接球，體會一日馬戲人的滋味。

 亮點4：V7全白馬戲篷初登場！強烈風格表演不可錯過 

純白嶄新的V7馬戲篷初登場，當然要回應FOCA訂製時賦予它的性格，成為創意與實驗性的場所。V7裡的表演，規模不大，卻都風格鮮明，像是剛結束愛丁堡藝穗節的表演，回到台灣的0471特技肢體劇場，以特技堆疊的肢體技術作為敘事方式的表達，相當特殊。看似輕鬆，卻蘊含諸多技術細節與滿滿的團隊默契。

又如以魔術表演起家的Mimofatguy，單人表演就能牢牢吸引觀眾目光，但多年來都在街頭演出的他，這次特地進到V7，走上舞台，重新安排燈光、布景，要帶來長達40分鐘的表演。長弓舞蹈劇場這一回依然要由融合舞蹈、運動、搏鬥等元素的肢體來表現4位親兄弟的關係，但將嘗試穿梭於觀眾之間，讓整座馬戲篷空間都成為舞台。

 亮點5：每個人都可以找到適合自己的工作坊 

V7也將舉辦各式工作坊，「工作坊」一詞聽來頗嚴肅，但實際上這些都是「不流汗不行」的動態體驗。擅長結合小丑表演與特技的Mr.yes小丑劇團，適合親子族群一起手腦並用學雜耍；0471特技肢體劇場、高空馬戲劇場的工作坊，想必能滿足熱愛體操、空中瑜伽的練家子們；若有意體驗蘊含傳統文化的肢體語彙，就不能錯過布拉瑞揚與蒂摩爾古薪所分享的律動與身體技巧；街舞粉絲也有去處，名氣響亮的Formosa Crew要與大家分享霹靂舞在風格上的多元性。

 亮點6：聲音主導的展覽體驗 

馬戲篷裡也能觀賞展覽。《暢響曲》是採集自表演藝術的聲音計畫，策展方FOCA與音樂家蔣榮宗合作，從全台各地蒐集舞蹈、戲劇、馬戲、街頭藝術等不同類型藝術家，在山上、海邊或鐵皮屋內，從事創作與排練時所發出的聲響。藉由這些聲音細節，讓大家聽到不同類型的表演藝術，如何從幕後走到幕前的過程。張又文特別透露，「順著展覽動線，最終大家也會一步步地走到舞台上。」

 亮點7：Yeah趣舞台 讓空總化身為馬戲樂園 

馬戲篷外也沒閒著，戶外舞台區可說是親子同歡的馬戲樂園，9組團隊帶來劍玉、雜耍、小丑、走繩、立方體表演等馬戲小品，以及與觀眾之間的互動樂趣之外；在沒有表演時，許多馬戲遊具如走繩平衡區、高空區，以及雜耍體驗，都可以讓民眾嘗試馬戲的樂趣。

 亮點8：漫遊劇場 以繽紛夢境點亮空總全場域 

夜間限定的漫遊劇場《點亮空總》，策展方邀請日本燈光裝置藝術家高橋匡太，藉由燈光將空總全境包裝為夢境場域，邀請觀眾參與其中，化身為角色，遊走其間。聽來夢幻，參與者實際上穿戴的燈光裝置卻非常可愛，藉由參雜著光影與笑聲的一場場漫遊，可望轉化園區過往肅穆冷僻的空間印象。

「不論是雙馬戲篷，室內或戶外，設計節目的初衷是希望0～99歲的觀眾都可以在其中得到快樂。」張又文形容，進到馬戲篷，就像打開表演藝術的盲盒、驚喜包，帶著好奇心前來，得到了感動，就是最棒的收獲。

FOCASA x 2023臺灣文博會

時間｜9/22～10/1（每日10：00～20：00）

地點｜空總臺灣當代文化實驗場

節目指南｜https://portaly.cc/focasa

售票網頁｜TixFun售票系統：https://reurl.cc/DAzQbN

文｜賴韋廷　圖片提供｜各單位

2024新營藝術季以《水水的起點》為主題，並透過一系列演出、工作坊、講座等活動，讓藝術如水一般融入生活。而La Vie也訪問到臺南市政府文化局局長謝仕淵，以及雙策展人王宇光、李尹櫻，帶你深入此次藝術季的背後故事。另外，擔任「我們從河而來」策展人的龔卓軍，也搶先透露這檔將於暑假登場的大展亮點。

打造全齡式參與的藝術行動

作為大臺南溪北地區藝文盛會的新營藝術季，今年以《水水的起點》為發想，從其名稱便可發現「水」扮演了重要的角色。特別的是，不若常見的藝術季是以展出藝術作品為主，此次新營藝術季以舞蹈、表演藝術、親子樂齡工作坊為主軸，打造一場全齡式參與的藝術行動，並邀請到致力於當代舞蹈創作及「到處跳舞」計畫的微光製造藝術總監王宇光、微光製造團長李尹櫻，首度跨界擔任藝術季雙策展人。

王宇光分享，他在策劃新營藝術季時，去了趟新營，「當我從新營火車站，沿著嘉南大圳的支流——綠川，一路漫步到新營文化中心，看到了溫暖的陽光穿透了樹葉、兩側的阿勃勒樹影婆娑。我那時就想，這真美。」也因為這個包覆著人們的生活、藝文活動與自然關係的「綠川廊道」，促使王宇光開始思考「水」這個議題，也因而有了這次的「水水的起點」。

透過身體來說自己的故事

同樣感嘆於新營文化中心地理位置的李尹櫻說道，「這裡既是嘉南大圳支流流過的地方，也是臺南文化的核心與中心，那藝術，是不是也可以從這裡開始？它可以是水的起點，同時是身體跟藝術的起點。」對李尹櫻而言，水是個擁有無限可能的存在，「那我們的身體，是不是也可以像水一樣有無限可能？」因此，在這次藝術季中，民眾不會只是個觀眾的角色，而是像一直被翻攪與交流的水一樣，能夠透過參與不同年齡層的工作坊、一起動動身體，同時訴說自己的故事。

而這次藝術季規劃了各式與「水」相關的主題工作坊，比如讓家長帶著孩子一起接觸劇場、一同認識自己的身體，就像是從源頭向外發散的「涓流」；透過工作坊的形式，提供青少年們豐富戲劇體驗，同時培養他們對戲劇的興趣與熱忱的「奔流」；由在地秀琴歌劇團與銀齡長者，共同探索肢體運用與開發之不同可能性的「交流」。而在6月9日，更有工作坊的學員們一同呈現的演出，將帶大家看見「匯流」後的老中青幼，一同激盪出的精彩火花。

讓不同年齡層的人有更多的交會

謝仕淵局長表示：「我們非常期待這個新營藝術季，讓全齡的社群彼此參與、溝通，而身體與舞蹈就是一個很重要的媒介，它可以讓不同社群的人，有一個共同對話的語言，同時擁有一樣的感官能力。」他接著補充，「臺南的溪最後都流到西邊的大海，而在溪流與大海的交界處，所形塑出來對於自然的影響，乃至於人文風貌，其實各有不同。我是在這片海從小釣魚長大的人，在海裡面，會讓我們去觀察很多事情，也會更重視身體感官與環境之間的關係。我覺得所有面對大海的人，待久了後，就跟會跳舞的人一樣，會在舞蹈之中，看見彼此的關聯。我期待在這個藝術季，能夠看到不管是銀齡或孩童的舞者，經由身體、舞蹈，彼此能有更多的交會。」

有趣的是，策展人王宇光也是從小就喜歡釣魚，他說，「釣魚的過程中，我會一直去解讀水面以上的訊號，也試著去思考水面下會是什麼樣子，這會幫助我去判斷魚餌要往哪裡丟。我覺得這和思考藝術季、做創作，其實都是同一件事情。在這個嘗試的過程中，構成了哪些經驗，而這些經驗又是如何幫助你在創作、工作上去判斷與溝通。」

重新思考臺南的溪流與河川

而2024年是臺南400，許多設計與藝文美學行動，陸續在這座古城展開。比如即將在暑假期間開幕的「我們從河而來」文化大展，也是其中一項精彩活動。策展人龔卓軍說明，「臺南的總面積大概有2,190平方公里，那在這裡面，我們好像從來沒想過，水域佔了多大的面積？那以臺南的溪、水圳、埤塘，加上沿海養殖業來說，其實臺南跟水的關係非常密切，甚至可以說是水體城市。臺南400比較多人談的是，從海上來、世界貿易的連結點，但如果要以水為中心來思考臺南，我們發覺，臺南市中心可能要移動到官田跟善化中間，也就是曾文溪流域上、烏山頭水庫附近。」

而以曾文溪流域展開的臺南，有八掌溪、將軍溪、急水溪、鹽水溪、二仁溪等各有各色的溪流，「這就是『我們從河而來』要談的，從這個溪水的源頭、水庫、水圳，到沿海的埤塘、魚塭、養殖地，臺南跟水的關係，在面對未來的整個城市發展，以及如何重新跟世界去對話連結，都是必須要重新思考的一個重要議題。」龔卓軍透露，他們讓臺南的6條溪化成6個不同的角色，並做成一部動畫，他希望透過「我們從河而來」這個觀點，引領人們重新思考臺南的溪流與河川，究竟在當下與環境的關係，以及過去與歷史的關係，它的角色特質會是什麼？

臺南400是一個新的開始

最後，謝仕淵局長分享，「與其說臺南400有哪項活動是重要的，倒不如說我們期待發展一種方法，讓大家成為參與這活動的一份子，也從而重新認識這座城市。不論是新營藝術季，或是甫結束的臺南燈會、臺南紅球行動，以及之後的文博與臺灣設計展，背後都有一個共通邏輯，那就是這個活動對於臺南人而言是什麼？你有沒有辦法成為這個活動的一部分？只有建立起這個方法，經歷2024的臺南400，才會是一個新的開始，而不僅是過去的延續。」

2024新營藝術季《水水的起點》
期程：2024年3月9日至6月29日
地點：新營文化中心 (臺南市新營區中正路23號) 
更多資訊可至新營文化中心臉書或2024新營藝術季官網查詢

我們從河而來：流域千年・文化共筆
期程：2024年7月9日至10月13日
地點：臺南市美術館二館1樓
更多資訊可至我們從河而來：流域千年．文化共筆臉書或臺南400官網查詢

2023年3月，不畏挑戰電影配樂與聲音實驗、被樂迷暱稱「教授」的日本音樂巨匠坂本龍一終不敵病魔逝世。然而，他生命最後的演出卻被混合實境（MR）技術保留了下來，成為永恆。

2024台灣國際藝術節（TIFA）於2月23日～5月11日登場，《鏡：KAGAMI》也即將再現坂本龍一身影，而MR藝術工作室Tin Drum創辦人Todd Eckert親自解密，如何用48台同步攝影機與MR眼鏡施下科技的魔法。

拉丁文有一句格言Ars Longa, Vita Brevis（生命短暫，藝術恆久長存），深為坂本龍一所鍾情。他自2014年罹患咽喉癌，死亡如陰影隨行，可創作精神不滅。Tin Drum創辦人Todd Eckert回憶兩人合作機緣，或許早在2019年就展開了，那是在美國洛杉磯一場酒店的表演，坂本龍一非常有活力，演奏優雅依舊。

「到了2020年初時，他正在思考自己所能留下的遺產，以及這次演出延續他與觀眾之間關係的重要性。我不確定這是不是種（生命邁向盡頭的）預感，更可能是個很實際的原因——他已經經歷過一次激烈的癌症療程，無法不意識到自己有限的生命。」

拍攝於2020年底在東京進行，第一天一早坂本龍一看了腫瘤科醫生，確認癌症復發。Todd提到演奏當下他在情感上非常投入，「我記得他變得很削瘦，那絕不是虛弱，但作為導演，我不希望讓他過度疲憊。」而他在2023年3月下旬去世，隨後6月在美國紐約The Shed首演的《鏡：KAGAMI》，似乎也成為坂本龍一的預知死亡紀事，一場寧靜而優美的悼念。 

不是生命盡頭，而是音樂永存的精神

坂本龍一的作曲技巧早在Todd的龐克少年時代留下印記——他當然不只聽過《俘虜》（Merry Christmas, Mr. Lawrence）著名的電影同名配樂，最早可能是1981年的《左腕之夢》（左うでの夢）——熱愛音樂的他中學時代開始做音樂記者，接下來10年投身音樂和電影。他曾擔任英國搖滾樂隊Joy Division傳記電影《控制》（Control）的製片人，電影斬獲坎城影展、英國影藝學院電影獎等獎項。

「自童年以來，音樂對我就是一種神聖的藝術形式，因此我一直想要與音樂藝術家建立深刻的關係。」Todd分享坂本龍一對所有事物充滿好奇，似乎永遠活在當下，大多藝術家在拍攝空隙多會回到梳化間，可他樂於交流，與他談小時上學的故事、談自己的父母，「甚至像都會生活（urbanity）對他的意義等人生觀念，我們還談論建築家Frank Lloyd Wright的落水山莊和Andrei Tarkovsky的電影，簡直所有事情都聊。」 

《鏡：KAGAMI》的曲目包含著名作品〈Energy Flow〉 和〈Merry Christmas Mr. Lawrence〉，以及很少演奏的〈The Seed and the Sower〉等。當Todd問起坂本龍一是否有還未發表的曲子，他從包包中拿出註記為〈BB〉的樂譜，那是專為紀念精神上的父親、義大利名導貝托魯奇（Bernardo Bertolucci）而作，只有葬禮上導演的家人聽過，而這也成為表演末曲。

觀眾將戴著MR眼鏡，浸淫在優美的環繞音效之中，或能聞到特殊的香氣，在長達1小時與大師共遊的音樂旅程中，可以坐著看表演，或可自由漫步、探索。Todd說，「環景式的呈現擴大觀眾視角的潛力很吸引人，基本上很公平，沒有人會坐到不好的位置。」這種體驗既集體，又很是個人。

而「鏡」，正意味坂本龍一不老的虛擬鏡像。要說服觀眾眼前不只是虛假的電腦CG人物，Tin Drum必須透過容積擷取技術（Volumetric Capture），以48台攝影機每秒60格高規格同步錄影。

最初Todd計畫請坂本龍一演奏只有加重按鍵的鍵盤進行拍攝，盡可能簡化樂器的體積、結構避免遮擋鏡頭，「當他想以一架真正的演奏會三角平台鋼琴錄製時，技術難度倍增，超過這領域中任何人曾嘗試過的，而實際上之後也還沒有人做到。」音樂家對演出的堅持讓Todd同意了，可5個月後取回拍攝資料時，他坦言心中一冷，形容一半的畫面中坂本龍一看起來「就像一顆裂開的栗子」，不過最後還是克服了，順利重現坂本龍一風雅、充滿生命能量的身姿。

以 MR 施下虛實交錯的幻覺魔法

技術並非一蹴可幾，在2016年創立Tin Drum之前，Todd曾在英國遊戲開發商Eutechnyx擔任北美區總監，參與美國NASCAR汽車競賽的遊戲製作。他獲取賽事許可，同時與Fox Sports建立合作夥伴關係，指導過場動畫、動作捕捉，就是在這時，他接觸到XR技術、產生了興趣。其後他又加入到Magic Leap的開發團隊之中，一個致力開發商用AR（擴延實境）、MR眼鏡的科技品牌——這成為Tin Drum現在使用的設備與技術基礎。

在人們印象中，AR、MR技術大多是透過螢幕（如手機、平板電腦）呈現，如同風靡一時的手機Pokémon GO遊戲，可他偏好能結合耳機聽覺的MR眼鏡。「我覺得螢幕過於主導人們理解世界的方式，它們中介了人的體驗，讓我們永遠無法完全沉浸其中。」

Tin Drum在2019年英國蛇形藝廊打造的《生命》(The Life)，「行為藝術教母」阿布拉莫維奇（Marina Abramović）表演以虛擬形象躍身展廳，一時轟動，甚至在2021年成為佳士得拍賣首部賣出的MR行為藝術作品。《生命》由32台攝影機錄製，製作自然沒有新作《鏡：KAGAMI》複雜、虛像活動範圍較小，卻也讓他們初探MR科技的表現性，奠定下基礎。

Todd也喜歡傳統電影，但觀眾並未能親自在場觀賞，2D表演影片不如在表演當下的演廳中感受即時，「MR與4D電影使我們有能力感受事件以及自己身在其中的現場。」此外，傳統電影中導演能事先決定作品呈現，但這不會在現場演出中發生，而XR技術更讓觀眾能移動視角，自由選擇觀看方向，「在表演當下任何事情都可能發生，從前無法讓觀眾與表演影音紀錄中的那一刻建立起真正的聯繫，但MR技術讓我們有這種可能性，對我與Tin Drum是勝過一切的刺激。」

可XR領域的眾多技術中也包含VR（虛擬實境），為什麼他獨愛融合AR與VR的MR？Todd解釋VR全然的虛擬世界剝除與現場的關係，不太吸引他，形容是「如此孤獨的體驗」。MR技術能含納實體空間，每場演出都是當下、獨特的互動，這次《鏡：KAGAMI》就將與國家戲劇院產生新的化學效應，他興奮地說，「當表演出現在舞台上，讓我們有機會進入彼此的世界，存在於觀眾的視野中與之共舞。」

讓觀眾與藝術的聯繫成為永恆

Todd說起創立Tin Drum的初衷，「我一直對創造藝術家和觀眾之間更深入連結的體驗感興趣，希望這些能夠長期存在於公共領域之中。」建築正是最與人們日常相關的藝術形式之一，Tin Drum導演Yoyo Munk在2021年倫敦設計節中與日本建築家藤本壯介合作《梅杜莎》（Medusa），將V&A博物館的拉斐爾展廳（Raphael Court）打造成虛擬作品與實體空間、現代與古代、自然與人造建物交會的場所，「我相信這件作品之所以產生如此深刻的意涵，是因為Yoyo Munk將藤本壯介的概念並置在不同時代的視野中。」這會是Tin Drum未來繼續深入研究的領域之一。

談起近期，他透露團隊導演Mary Hickson正進行新作，而英國近年代表性劇作家Simon Stephens也為他們撰寫一種全新形式的敘事劇場，並由劇場名導Sarah Frankcom執導。

談到XR技術，自然聊到2021年Metaverse瘋潮，那以平行虛擬時空連起一切的未來想像，因XR技術還未成熟，價高、未能普及化而暫時褪去。

Todd分享現在作品已觸及數萬人，他正步步實踐Tin Drum連結人們的心意。技術限制始終存在任何創作之中，他認為這迫使創作者必須更有創意，「幻術一直存在人們周遭，特別是在劇場中透過光的亮與暗表現，這也能輕鬆藉由精巧的程式碼實現，所以無論是什麼機制，我只希望它能讓我們的觀眾有所感受。」

這也如同當今的AI，他認為面對一陣陣新科技的突破，不應恐懼，也不該過譽，「就像任何工具一樣，它們是否實用終將根據我們願意為作品付出的努力而定。」就如同《鏡：KAGAMI》之中，科技就是表演的載體，但他更重視藝術造就人們共感的作用。「所有科技的光采終將隨時間淡褪，但藝術是永恆的。」如同坂本龍一為這次表演幽默寫下：「跨越千年萬年的共情，啊！可惜電池撐不了那麼久。」

Todd Eckert

Tin Drum創辦人、執行長；《鏡：KAGAMI》導演。過往長年投入音樂、電影領域，2007年擔任電影《控制》（Control）製片人，獲國際殊榮無數。其後任英國遊戲製作公司Eutechnyx北美區總監，並於2012年起擔任MR科技公司Magic Leap內容創意總監。2016年成立MR藝術工作室Tim Drum，團隊代表作有2019年與Marina Abramović《生命》（The Life）、2021年與藤本壯介《梅杜莎》（Medusa）、2023年與坂本龍一《鏡：KAGAMI》。

_{文｜吳哲夫
攝影｜Luigi and Iango、Ryan Muir
圖片提供｜Tin Drum}

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