攝影這項已存在200多年的技藝，在受到AI撞擊的此刻，將擦出什麼樣的奇觀？La Vie 11月號封面邀請「bigflowerdeer」主理人鹿虹、紅花以AI 算圖創作，本身即是攝影與新媒體藝術背景的兩人，也與我們分享投入算圖世界後的實驗心路。

2023年的現在，AI算圖已非新鮮事，但點開Instagram上名為「bigflowerdeer」的帳號，實拍般的光感、城市街頭場景、不落於鳳眼或單眼皮刻板印象的亞洲人像，會讓你驚訝於Midjourney竟也能如此寫實。畢竟這套奠基於大量資料庫的算圖AI，從2022年5月開放使用後，作品還是以歐美繪畫感居多。

「bigflowerdeer」由攝影師鹿虹、紅花共同創立，兩人於今年6月開始進入AI算圖領域。新媒體藝術和設計背景的紅花，早從Midjourney第1代就開始關注，「更新到第4代的時候，大家突然很在乎，照片的真實感可以做到什麼程度？」等到第5代推出，紅花發現光感、空氣中的透視、底片感等都大幅進化，加上剛好要幫Midjourney AI台灣社團版主林思翰推廣線上課程，決定親自入場。鹿虹笑說：「她算圖算到三更半夜，我還不理解她在幹嘛，結果隔天我用了之後，連續一個禮拜都算到三更半夜。」他稱過程就像是走進「精神時光屋」，「攝影創作是實驗與實踐的過程，Midjourney實驗了一些難以達到、但想要完成的畫面。」

想算出很難實際拍到的畫面

以紅花來說，她算的圖像幾乎都是「在台灣很難拍到的」，對馬戲團和遊樂園很感興趣的她，因為台灣較少理想的場景，所以就會在算圖裡實驗。她的作品也常見大片花海，畢竟台灣很難找到位置、數量、排列組合都符合理想狀態的場景，不然就是會有模特兒躺在花海裡凹陷下去的問題。鹿虹的算圖則常和動漫相關，倒也不是局限於宮崎駿、新海誠等關鍵字，而是會有類似《獵人》奇犽的念能力、《海賊王》惡魔果實等元素。

以攝影師的工作流程來比喻，鹿虹說他們算圖的出發點可以分成兩種，「一種是腦中已經有構圖，再去執行；另一種比較開放，給AI一些指令，看它能給你什麼。這也和拍攝時引導模特兒很像，不同模特兒的反饋都不一樣。」因此相較於Stable Diffusion可以算出很逼真的人物、連續多張穩定的圖像，他們都更喜歡Midjourney算奇幻場景的能力與隨機性。有次紅花下了「水晶球裡的遊樂園」給Midjourney，但跑出來的圖像卻像是「魔法建築系課堂」，不在原本預設內的畫面也很有趣。

封面創作幕後！不同於實拍的Midjourney合作案

這次La Vie也邀請他們以AI創作封面，為傳達攝影因科技飛快進展產生的奇觀感，編輯部先選定他們在Instagram上的一張作品，構圖是小孩在城市街頭、看見魚飄浮空中的驚奇；但該圖片的光感偏暗，希望能以此為基準調整並創造新作。鹿虹說，最初La Vie喜歡的那張作品，他下給Midjourney的指令大約是「很多河豚在東京街頭飄浮」、「小孩在街頭夢遊」，由很多字義類似的關鍵字，不斷拼湊嘗試而成。例如想要生成像河豚般圓圓胖胖的魚，他下過「chubby fish／bubble fish／round fish」，以及飄起來的動作「float／fly」，都是不同結果；想要很多隻魚，many和a lot of數量也不同；想要亞洲臉孔小孩，可以下Asian或Japanese，年紀可以規範幾歲，或單純寫young child，動作則是「running／sleepwalking／wondering」。他說，創作就是不斷選擇，各種排列組合都得去嘗試的過程。

針對這次封面，鹿虹一共嘗試了5批算圖。在保持上述構圖與人物元素的基準上，第1批加入「cinematic」（戲劇性）的關鍵字，但造成畫面色調變得太過濃郁，好像有懸疑情節要上演。因此第2批加入「sunlight」（陽光），以及應La Vie要求不希望人物有過多豐富的情緒，多了「noemotion」（無表情）。接下來的第3、第4批，分別下達指令「穿制服」、「平視（焦距35mm）」，而因應第4批算出來的人和魚都偏「兇」，最後第5批加入「cute」讓整體可愛一點。

從與攝影師常規的合作流程來看，往往是針對細節調整後決定最終的照片，但這次的封面照其實是來自第2批。「你下越多指定，AI無視的也越多。」紅花說，Midjourney會自行決定每一個指定的重要次序，如果想控制魚飄浮的位置，那光感、人物狀態的指令可能會被忽略。因此她認為AI算圖合作案，邏輯和攝影完全不同，攝影能在某一個基礎上持續修改，「Midjourney不能對過去的某一張圖、某一個細節太過執著，要把每一次都當成新的圖看，因為每一次都偏向綜合感官的變化。目前雖然已經推出局部修改的功能，但結果依然難以控制到理想狀態，AI對我來說是從0%到60%，後期還是需要大量人工調整。」

Photoshop何嘗不是過去的AI ？

其實魚也算是鹿虹的小彩蛋，因為他私底下很愛釣魚，總想讓平常出現在大海的魚群們飄浮空中。但這個這乍看超現實的構圖，背後仍有攝影實際執行的邏輯，例如真的在街上架設超大型透明魚缸，就能拍出魚群悠游城市的畫面，只是成本太過高昂。「我們的算圖作品，通常都能看得出來是我們本來就感興趣的事與主題。」紅花說，現在使用AI算圖的人很多，但很容易辨別創作者究竟是有自己的脈絡，還是被AI拖著走。兩人都很喜歡一位名為Takeru的創作者（Instagram帳號：maneki.metropolis），算圖產量很高，氛圍從未來感到近期的宗教與神話感，但都和服裝材質有關。這就是出於創作者自身的興趣與對畫面有慾望，再透過AI實驗出來。

只要創作者夠清楚自己的脈絡，他們就不認為會被AI取代，畢竟如果連創作者自己的創作動機都不穩定，不論實拍或算圖，都很難在市場上生存。鹿虹說：「算圖AI或文字AI，對我們來說就像Photoshop一樣，就是一個工具。底片時代其實也有『Photoshop』，只是他們是用暗房。現在的Photoshop對於過去的人而言，何嘗不是另外一種AI？」對於AI算圖是否會取代攝影，紅花則提到，攝影不是只有商案，更多的還是生活中的影像，每個人都會為某些時刻留下照片。相機也好，AI也罷，操作機具的始終是人，有想留影的念頭與慾望，攝影就持續存在。

 AI算圖創作Tips！

1. 交叉使用放大軟體

Midjourney的原始圖為「200KB、畫素1024 x 1024」，如果有實體輸出的需求，就要使用AI放大軟體。鹿虹和紅花目前會交叉使用3種軟體：Topaz Photo AI、Gigapixel AI，以及Photoshop的內建軟體。

2. 藝術風格很重要

要完成Midjourney圖像，除了元素、色調、視角等等，也可以加入「藝術風格」，例如王家衛、新海誠、宮崎駿，都是很好辨別的關鍵字。

3. 名為「權重」的指令

權重也可以理解為比例，例如你想要的元素是「女孩和花」，這個功能可以控制畫面裡女孩和花各占比多少，如果花的比例很大，可能會產生「一朵花包覆著女孩」。

4. 關鍵字是會被忽略的

Midjourney不會滿足使用者所有的關鍵字，會選擇性忽略某些指令，需適時自己檢查哪些指令是無用的。

5. 適時和ChatGPT 同事討論

針對下給Midjourney的指令，可以請問ChatGPT：「如果我要用圖像生成什麼樣的一張圖，你會下什麼指令？」或者請ChatGPT規範術語，因為有時人類可以理解的文字並非電腦能懂。

6. Stable Diffusion vs Midjourney

相較於Midjourney，Stable Diffusion可以訓練出穩定的模組，通常用來算肖像，也可以算出一系列看似「拍同一個人、但有不同光感與角度」的照片，但場景趣味性較低。

bigflowerdeer

鹿虹（Instagram帳號：luhonghsu）、紅花（Instagram帳號：bigredflower）共同經營的AI算圖主題帳號。兩人皆為攝影師，於2023年6月踏入AI算圖領域，用影像拼湊對世界的想像。IG：bigflowerdeer

文｜張以潔　圖片提供｜bigflowerdeer

更多精彩內容請見La Vie 2023/11月號《新時代的攝影修煉》

「攝影」，作為工具時，常被用於記錄具體事物；作為藝術媒介時，多引動著觀者的情感記憶。然問及阿部大輔對於「攝影意義」的答案，卻兩者皆非。他並不以它記錄既有真實，而是拿來追求未見之美；他亦明言自己的作品沒有情感，希望觀者也能抽離感知、純做視覺鑑賞。如此獨樹一幟的創作風格，將如何帶領我們探索時間與存在的微妙關係？跟La Vie走進徠卡之家，綜覽《The Present shapes the Past》特展便知一二。

「當下」是一切起點

日本攝影師阿部大輔（Daisuke Abe）與徠卡（Leica）攜手策劃攝影展《The Present shapes the Past》，即日起至2026年3月23日於徠卡台北畫廊帶來《shape》和《vague》兩大系列，邀觀者一同穿梭虛實之間，探索兩英文單詞分別對應的形、光，以及時間與存在的微妙關係。首先推敲阿部大輔核心創作概念「過去不再、未來未至」可得世界觀：想像未來或回憶過去的，歸根究柢只有現在的自己，而過去之所以成為過去，事實上也因我們在此刻賦予它意義。換言之，過去與未來都不存在，僅僅現在是真實的——「此刻」於是成為其作品最重要的主題。

兩大系列取向相通，有何異同？

就拍攝視角而言，比起《shape》的具象構圖，《vague》更抽象化擷取事物一隅；就拍攝目的而言，《shape》將眼睛所見形狀落實到影像裡，《vague》則由影像尋找眼睛看不明白的形狀。總的來說，兩系列表現性具相似之處，根本上亦無太大差異，皆超越既有認知與物件分類，尋求新的影像價值。唯後者意在「生成難以判別被攝體究竟為何的影像」這點尤甚前者。若定義《shape》是解構、切割現實的形狀，那麼《vague》可被當作一種重構、扭曲現實的嘗試。以下詳述各自創作概念。

▍《shape》系列

此系列攝影師試圖藉由一種無法以具體名稱標註「這是什麼」的抽象程度，對真實形體加以捕捉。「它是什麼、在哪裡都不重要，美麗的形態才是我想一睹為快的影像。」阿部大輔並非將攝影視為記錄具體事物的工具，而是從自身觀點出發，利用鏡頭追求從未見過的影像。作品刻意模糊物件的可辨識度，單純呈現那些不易被定義的形態，所攝內容也主要基於是否具備視覺美感進行選擇，而不著重「這是某某人/物件/景致」的記錄性判定。

不賦予脈絡或故事，也不去貼近任何人的心情，只是作為形狀的影像陳列，就那樣存在著。——阿部大輔《shape》創作概念

▼ 精彩作品搶先看

▍《vague》系列

此系列全無明確的拍攝主體，畫面模糊卻充滿能量，冥冥之中喚起觀者對未知的想像。「拍攝前我無法預測影像會長什麼樣子。是按下快門的那一刻，影像才真正誕生。」阿部大輔認為「美」必然存在於任何事物中，更沒有一種觀看方式與另一種相同，故攝影應當去發掘難以透過肉眼取得的視角。

一切事物皆具同等價值，且都擁有各自的美。——阿部大輔《vague》創作概念

▼ 精彩作品搶先看

排除情緒拍攝，也願觀者抽離感知

無論《shape》或《vague》系列，阿部大輔都排除了情緒的介入。「影像確實可以傳達喜悅或悲傷，但我的作品沒有情感。我希望觀者能抽離感知、不受情緒影響，純粹欣賞視覺之美。」他相信人類認知事與物多半來自經驗與記憶，可真正的創作卻該超脫過往理解，直擊前所未見。

在台完成《shape》，深受「光」和「城市呼吸」啟發

光線創造影子，能提高色彩鮮明度並強化被攝主體，在《shape》系列扮演關鍵角色。阿部大輔分享來台拍攝《shape》過程所感，「台灣和日本距離不遠，但城市的建構方式與氣候讓『光』與『色彩』截然不同。」台灣的潮濕高溫使光線在大氣中擴散出獨特的層次效果，「讓我更深刻地思考了『形』的意義，而《shape》系列作品正是這個思考的反向。」對此他特別表示自己非常幸運，「拍攝期間幾乎天天晴朗，若是陰雨天，我應該就無法拍出如此強烈的影像。」更坦言來台完成攝影企劃及舉辦展覽為他開啟嶄新創作方向，「這次與徠卡台灣的合作，促成在台灣進行的拍攝契機與經驗，也給我新系列創作的啟發。」

同場加映：作品背後一剛一柔的SL3、M10

作為攝影師，徠卡之於阿部大輔不僅是一台相機，更是一種觀看世界的方式。「在《shape》的創作中，我特別依賴Leica SL3的高解析度與色彩再現能力。它能精準地表現建築線條與光影層次感，讓畫面更具張力。」同時提及SL系列相機可搭配100-400mm焦段鏡頭的優勢，「許多《shape》作品，都是使用這顆鏡頭所拍攝的。那種遠距離凝視的視角，讓我能捕捉到人眼無法專注的細節。」另一頭，阿部大輔選用M系列相機著手《vague》的創作，「Leica M10的畫面則帶有不完美的溫度，讓我能更自在地探索抽象邊界。」SL系列彰顯卓越畫質和豐富細節、M系列保留底片柔和質感，兩者一剛一柔，體現阿部大輔作品截然不同的思考面向。

阿部大輔攝影特展《The Present shapes the Past》

• 時間：即日起至2026年3月23日11:00-19:00
• 地點：徠卡台北畫廊（徠卡之家｜台北市青田街6巷3號）

>> 更多資訊可至徠卡官方網站、台灣官方臉書、台灣官方IG了解。

Red Velvet、TWICE、BTS、New Jeans（現NJZ）等眾多 K-POP 偶像，都曾出現在 Siyoung Song 的觀景窗中，他也同樣遊走於時尚、影視、品牌與藝術等各領域之間，捕捉一幕幕精準而鮮明的影像。La Vie與他聊聊近期重要作品的拍攝幕後，以及對於攝影的核心思考。

如同許多對鏡頭有嚮往的人，Siyoung Song最初也懷抱著想拍電影的心，遠赴紐約視覺藝術學院學習。但從青少年時期便享受拍照的他，偶然開始在一間商業攝影工作室工作，環節中需與各方團隊緊密協作的過程，以及相較電影製作更加緊湊的節奏尤其吸引了他，也讓他從此投身其中。

翻閱Siyoung Song的Instagram頁面，一幀幀畫面的調性跨度廣泛，從人物肖像、純風景到品牌概念形象，都是他的鏡頭刻畫的對象，且畫面時清透時濃郁、時沉鬱時明亮，難以單一風格概括描述。

他也自認沒有固定的「風格」，「但有些事情是我總會放在心上的，其中之一是創造帶有『電影感』、能喚起懷舊氛圍的場景。」如同他總是被日常的靈感來源——畫作、電影、音樂中的某些微小瞬間打動，他也希望自己的作品多少能帶給觀者這樣的情緒湧動。

為畫面染一層神秘與陌生

在日本寶礦力水得2024年的廣告視覺中，Siyoung Song便成功定格出隔著螢幕也能感受到的、強大且流動的青春能量。

本身已具有相當品牌知名度的寶礦力水得，近年來陸續與瀧本幹也、奧山由之等攝影師合作，透過影像建立起鮮明的視覺辨識度。Siyoung Song回顧當時的目標，是要創造一個既忠實於品牌關鍵字——青春、純粹、夏天，又能融入新鮮視角，意即「韓國風格」的視覺，「這是對畫面平衡感的巨大考驗。」

為了傳遞「潛力就在你的身體之中」這一主要訊息，團隊及2位正值高中年齡的少女主角池端杏慈和椿，移動許多不同地點取景，最後主要選用了在黃昏校園中拍攝的畫面，「我使用了機頂閃光燈，加上演員微妙又帶點神祕的表情，營造出略帶陌生感的氛圍，和品牌以往的調性有些不同。」

今年7月在首爾舉辦的展覽《景福宮的思索》（暫譯，Contemplation of Gyeongbokgung Palace），把這座已矗立630年的朝鮮王朝宮殿，轉化為一段以5條路徑和聲音構成的旅程，帶領參觀者在走動、觀看、聆聽的過程中，真正進入這個傳統場域的內在時空。

呼應這分敘事性，Siyoung Song也不以常規記錄文化遺產的方式按下快門，而是試圖創造能引導人深入觀看的影像。於是，景福宮內的6處景點——永濟橋、勤政殿、慶會樓、香遠亭、交泰殿、生果房在原本的莊嚴之上，也多了一絲他一貫追求的「陌生感」，「希望讓人略微不安，卻又想一探究竟。」

商案 v.s. 自我

至於精準捕捉一個人或品牌特質的關鍵是什麼呢？或許呼應自己曾一度熱衷的「紀實攝影」，Siyoung Song分享，「我努力不去失掉的，是真實感。不論在什麼樣的拍攝中，都會牢牢堅持這一點。」

他固然清楚這往往和商業攝影的本質衝突，「很多時候根本沒有足夠時間和拍攝對象真正建立連結，有時在現場第一次見面，說上幾句話，就要馬上開工。」然而，即便每次拍攝知名人物前他都會事先蒐集資料，但實際見面相處的感覺往往截然不同。「到最後真正重要的，是我帶著什麼態度和視角去看待被攝者。」

此外，他也習慣以單張以上的規模思考敘事節奏，「一張照片或許說不出故事，但當多張照片並置時故事就可能浮現。即便是一張看似沒有意義的影像，放在其他旁邊便可能產生全新的意義。」細膩的層次編排，是讓目光能多停留片刻的關鍵。

長久生活在商業攝影「多方協作」和「快節奏」的間隙中，Siyoung Song並不感迷失，近來甚至有感商案與創作的界線常常模糊。無論面對怎樣的專案，他總會努力編織一些「自我」放入其中，「即便時而可以80%，時而只有 30%，但商案的過程總是一連串的選擇，找到那個平衡，同時仍然讓作品保有自己的聲音，是一個持續的挑戰。

「雖然不容易，但也是我覺得商業攝影之所以有趣之處。」

他透露，在許久沒有從事純創作之後，最近越來越有一股「主動出擊」的衝動，甚至不局限於攝影，而是各種有趣形式的多方共創，目前已在著手籌備一個創作計畫，預計於明年啟動——已經令人期待，如此擅長為他人說故事的他，將用更加無設限的鏡頭打造出怎樣的影像時空。

Siyoung Song

畢業於紐約視覺藝術學院（School of Visual Arts）攝影系，2018年 成立個人同名工作室。主要活動於商業攝影領域，曾拍攝Red Velvet、TWICE、BTS、NCT 127、NCT DREAM、V（金泰亨）等諸多K-POP偶像，並和New Jeans（現NJZ）多次合作。近年合作品牌包括寶礦力水 得、BEAMS、CONVERSE、LINE creative、韓國New Balance Kids等，也擔綱影集《未知的首爾》海報及《Magazine F》、《Magazine B》封面攝影。

_{文｜李尤　圖片提供｜Siyoung Song}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》