巡迴世界各地的攝影藝術展《文明：當代生活啟示錄》於3月16日登台，Uncanny衛星展區也於5月18日揭幕，集結近百位藝術家攝影作品，從生產和消費方式、工作和娛樂、思考和創造、合作和衝突，紀錄和詮釋人類當代文明的發展面貌，引發對於現在和未來的反身思考。

《文明：當代生活啟示錄》（Civilization: The Way We Live Now）由忠泰美術館、攝影展覽基金會、韓國國立現代美術館跨國聯合製作，除了位於忠泰美術館展出外，5月18日起《文明：當代生活啟示錄》也於NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny衛星展區，展出「逃離」、「孤獨相伴」2個主題，展期間也將陸續推出展覽系列專題講座、專家導覽等多元活動。

策展人威廉．尤因（William A. Ewing）表示：「此次展覽可以從兩種角度去觀看：第一個視角，這是一檔透過攝影之眼所呈現的文明主題展；另一個則是從攝影展角度，觀看藝術家們如何呈現文明議題。無論你是喜歡攝影還是喜歡文明議題，希望大家都能喜歡這檔展覽。」

以攝影打包當代人類文明

《文明：當代生活啟示錄》關注21世紀以來全球化下的人類集體生活樣態，自2018年在韓國國立現代美術館首度展出後，陸續巡迴至北京、墨爾本、奧克蘭、馬賽、弗利、倫敦等7座城市，策劃單位之一的攝影展覽基金會（Foundation for the Exhibition of Photography，FEP）執行總監塔德．布蘭多（Todd Brandow）這次也來到臺灣參加開幕。

《文明：當代生活啟示錄》透過主展區「蜂巢」、「流動」、「說服」、「控制」、「破裂」、「未來？」與衛星展區「逃離」、「孤獨相伴」共8個主題，記錄和詮釋人類當代文明的發展面貌，探問人類在集體生活浪潮下，心理與精神層面的狀態。我們正處於一個快速發展的時代，文明也以一種不可思議的力量進化、擴張和變異，而攝影如同鏡像，映照出人類集體努力下的成果，以及文明的複雜與矛盾。

展示於主展區一樓大廳窗戶的奧利維耶．克里斯蒂納特〈形態II〉，為整個展覽開啟序幕。作品中呈現各色各樣乘坐電扶梯的人們，是攝影師在同一地點、不同時間拍下的人們，令觀者反思自身文明，連結「集體孤獨」的概念。

⬭ 蜂巢｜居住之所

「蜂巢」一詞曾被形容紐約熱絡的社交生活，同樣也寓意著大型的人類聚集地；而當人類開發完一個新大陸，就會轉移焦點，前往探索另一個未知。帕布羅．洛培茲．盧茲（Pablo López Luz）的〈墨西哥城鳥瞰圖XIII〉以空拍俯視全球第六大巨型城市、擁有兩千兩百萬的城市人口的墨西哥城，放眼人類浪潮席捲眼前。

已故的麥克爾．沃爾夫（Michael Wolf）以拍攝香港等亞洲大城市而聞名，〈密集建築#91〉中城市的大規模住宅計畫、密集社會互動暗示著社會壓力，甚至是確切的危機。這些都市有機體不僅被動地承載著我們的日常生活，更主動地協助我們去學習、生產、思考。

⬭ 流動｜人事物的移動

無論是經由陸運、海運，還是空運，人員、貨物、原料、思想，都正在以過往難以想像的速度流動。攝影藝術家兼飛行員亞歷克斯．麥克林（Alex MacLean）從空中俯拍下〈貨櫃，樸茨茅斯，維吉尼亞州〉，從對角線拍攝的大量貨櫃傳達某種動態感；藝術家洪浩〈簿記–2007 B〉則從微觀的個人生活日常出發，觀察並紀錄時間推移下累積的消費與使用痕跡，讓人們在瞬息萬變的物質世界中，找到憑據與依靠。

⬭ 說服｜影響力

說服可以泛指廣告宣傳、行銷推廣、政治手段等。羅伯特．沃克（Robert Walker）的〈紐約時報廣場〉捕捉了全世界最繁華的商業街區，猶如一座閃亮的商業遊樂場，刺激著消費的慾望。

亞力克．索斯（Alec Soth）的〈巴黎大皇宮（卡爾．拉格斐）〉於2007年巴黎時裝秀週拍下「老佛爺」卡爾．拉格斐，將另一位從側面窺視的攝影師納入畫面，暗示觀眾：他並非獨自一人，而是在名人效應結構中的一份子。

⬭ 控制｜權力與秩序

不同文明都有自我保護意識，不僅要抵禦外來者，也要處理內源性生存威脅。人類存續亦須仰賴「控制」，例如國家機器、軍隊等。盧純澤（Suntag Noh）在北韓拍下〈赤色之屋 I #13〉，畫面中整齊一致的隊伍，對內強化國民凝聚力，對外也成為北韓向世界展現國威的一張照片。

盧卡．札尼爾（Luca Zanier）的〈國際足球總會：執行委員會，蘇黎世〉揭開世界盃幕後決策團隊的會議空間，這群決策者聚集在地下會議室制定比賽規則，以及處理賽事前置申辦、組織和營運等工作。

⬭ 破裂｜衝突與失序

近年人類不斷面臨自然秩序被破壞、司法不彰、人權遭受侵犯、武裝衝突、產業停滯或迅速衰落等，該區展出的作品，迫使我們正視人類文明的盲點與失敗。台灣藝術家羅晟文〈布萊多普動物園，鹿特丹，荷蘭〉出自其知名創作《白熊計畫》系列，捕捉人造場景、北極熊、動物園參觀者等多方角色的搭配和視線，透露當前人類與自然環境的詭異關係；何兆南〈門戶開放III〉靈感則來自2014年歷經兩個多月，於香港發生的一系列公民抗議運動。

⬭ 未來？｜新世界

曾經只存在於科幻小說中的新科技，如今則在短時間內從實驗室開發出成品，迅速移到貨架上供人們消費，可預見的未來逐漸浮現。在米歇爾．納亞爾（Michael Najjar）的〈攀升入軌〉，一具火箭從太空中心發射，像是對未來外星生活的關注與思索；馬克斯．阿奎萊拉-赫爾韋格（Max Aguilera-Hellweg）的《人形機器人》系列中，栩栩如生的機器人頭部，代表人類不斷實驗和探索自己的角色與人體的能力。

⬭ 衛星展區｜逃離｜世外桃源

「逃離」一詞除了指離開一個地方，也被用來形容掙脫某種身體上或精神上的束縛。對於遭受戰爭與衝突摧殘的人們而言，「逃離」是實際行動的逃出危險場域，一如在忠泰美術館主展區展出的「破裂」主題作品呈現的戰爭、難民等議題；而對於生活在太平盛世的群體，「逃離」一詞則呈現擺脫一切、解放身心靈等積極多元的含義。

在衛星展區中，藝術家們透過觀察拍攝休閒娛樂產業的現況，紀錄並揭露產業背後的真相。馬西莫．維塔利（Massimo Vitali）〈拉莫斯公共海水浴場〉中人們抵達世外桃源，短暫遠離日常塵囂，似乎訴說著一種全球性的集體儀式；奧拉夫．奧托．貝克爾（Olaf Otto Becker）長期關注北極環境災難，〈Point 660，2，2008年8月，北緯67°09’04’’，西經50°01’58’’，海拔360公尺〉捕捉多位拍攝紀念照的遊客，而北極熊、海豹等早已不見蹤跡；羅傑．艾伯哈德（Roger Eberhard）《標準》系列拍攝同一連鎖飯店的房間與房外景色，雖然城市的文化風土有著極大差異，然而飯店客房卻如同複製貼上般雷同。

⬭ 衛星展區｜孤獨相伴｜人與人的連結

人類尋求各類社交生活的夥伴，卻也追求個體性的差異，盲目跟風抑或是特立獨行？我們孤獨地來到並離開這個世界，卻又過著集體生活。藝術家們透過攝影作品，同時展現並強化了人與人之間的相互依存。多娜．施瓦茨（Dona Schwartz）以父母與孩子為題，分別呈現兩個系列作品《準父母》與《空巢族》。《準父母》系列中捕捉著伴侶們期待著新生命到來的心境，《空巢族》系列則透過僅餘留父母在場的畫面，展現出父母如何逐漸接受成年子女離巢的事實。

拉里．蘇爾坦（Larry Sultan）〈莎朗．懷爾德〉中紀錄色情片演員幕後的模樣，在如同家的場景裡，演員獨坐在鏡頭前，暗示著他們如同我們般，都是為了謀生而努力工作的人；樊尚．福尼耶（Vincent Fournier）認為航太發展是多數人類的集體夢想，作品中太空人穿著有著管線的太空衣，似乎已經準備好飛離地球，然而他即將面臨外太空極端環境的封閉、孤獨，長時間與世隔絕的情境。

_{參展藝術家列表（依英文姓氏排列）
馬克斯．阿奎萊拉-赫爾韋格、安德蕾雅．阿爾維斯．德．奧莉薇拉、莫瑞．巴拉德、奧利沃．巴比耶里、曼迪．巴克爾、奧拉夫．奧托．貝克爾、瓦萊麗．貝林、丹尼爾．貝爾胡拉克、弗洛里安．波姆、米凱萊．波佐尼、普麗希拉．布里格斯、保羅．布爾蒂爾、亞力杭德羅．卡塔赫納、菲利浦．尚塞爾、奧利維耶．克里斯蒂納特、琳恩．科恩、拉斐爾．達拉波塔、謝爾蓋．多爾任科、納坦．德維爾、米區．愛普斯坦、安德魯．埃西博、亞當．福格森、樊尚．福尼耶、安迪．弗里柏格、安德烈亞斯．葛菲勒、克里斯托夫．吉倫、阿什利．吉爾伯特森、山繆．格拉塔卡普、勞倫．格林菲爾德、肖恩．赫默勒、米什卡．亨納、何兆南、坎迪達．霍佛、丹．霍爾茲沃思、洪浩、趙春萬、克里斯．喬丹、麥克．凱利、艾琳．孔、喬治．利霍夫斯基、莫里西奧．利馬、羅晟文、帕布羅．洛培茲．盧茲、亞歷克斯．麥克林、大衛．梅塞爾、愛德嘉．馬丁斯、傑佛瑞．米爾斯坦、Mintio、安德魯．莫爾、理查．莫斯、米歇爾．納亞爾、華特．尼德邁爾、盧純澤、西蒙．諾福克、卡拉．菲利浦斯、謝爾蓋．波諾馬列夫、西里爾．波切特、馬克．鮑爾、賈爾斯．普萊斯、萊納．里德勒、安德魯．羅瓦特、蓋爾科．德．魯伊特、維多利亞．桑布納里斯、高東滋、亞力克．索斯、亨利克．斯波勒、湯瑪斯．史特魯斯、艾瑞克．塞爾、達尼拉．特卡琴科、柴田敏雄、理查．德．察納、安德烈亞斯．切希奇、布萊恩．烏里希、卡洛．瓦爾塞基、卡斯奧．瓦斯康塞洛斯、雷金納德．范德維爾德、羅伯特．沃克、理查．沃爾班克、王慶松、派屈克．魏德曼、戴蒙．溫特、麥可．沃夫、帕奧羅．伍茲、加布里埃萊．加林伯蒂、盧卡．札尼爾、趙仁輝、弗朗切斯科．齊佐拉。}

文明：當代生活啟示錄 Civilization: The Way We Live Now

⬬ 主展區

展覽地點｜忠泰美術館（台北市大安區市民大道三段178號）
展覽期間｜2024.03.16至2024.06.30
開放時間｜週二至週日10:00-18:00（週一休館）

⬬ 衛星展區

展覽地點｜NOKE忠泰樂生活3F Uncanny  （台北市中山區樂群三路200號3樓）
展覽期間｜2024.05.18至2024.06.30
開放時間｜週日至週四11:00-21:30、週五至週六11:00-22:00 

雙展區聯票僅於klook線上販售，請見購票連結。

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

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▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

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▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

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▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

Future of Life
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

BLUE OCEAN DOME
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約50分鐘。
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方網站查詢

➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
更多資訊可至官方社群查詢

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
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