挾著超現實的自由感，日本藝術家Yufi Yamamoto個展《I’m There But I’m Not》即日起至6月22日於台北藝廊奇想會Whimsy Works Gallery登場。藝術家本人也在開幕之際親臨現場，不僅談及長年旅外、跨文化成長經驗所形塑的藝術風格，亦分享此次創作核心「加州的天空」之於自身的重要意涵。乘全新油畫媒材，我們將走進她鑿刻記憶之中的沙漠天堂。

日本藝術家Yufi Yamamoto（山本ユフィ），繼2023年榮獲ONE ART Taipei新賞獎並舉辦首次台灣個展後，2024年曾於首爾、東京舉辦個展，更受邀至法國與義大利展出。時隔兩年，她帶著進化的創作語彙與情感層次重返台北，首度完整發表油畫系列之作。

此次展覽名稱「I’m There But I’m Not」，來自Yamamoto對於自我感知與創作狀態的誠實回應。「每次看著自己的畫，我都彷彿成為其中的角色。我可以聞到空氣、感受到風吹、感受畫中人物的情緒。」創作者本人始終藉畫作為情感通道，進入超越日常經驗的維度；同時希望透過本展，邀請觀者走進那個既熟悉又陌生、既輕盈又深刻的內在風景。

加州的天空，自我觀照的出口

擁有日本、韓國與俄羅斯血統的Yamamoto，長年旅居加州，藝術風格深受當地街頭文化與衝浪生活影響，融入中世紀現代主義、包浩斯（Bauhaus）與孟菲斯（Memphis）風格的色彩語彙，並結合對復古物件與褪色表面的喜愛，發展出以大量粉彩色調構成的視覺作品——對她來說，「加州的天空」與其特殊色調早已內化為記憶的一部分，更成重要創作靈感來源。

筆下女性不完美卻真實自由

Yamamoto擅以抽象線條勾勒女性樣貌，畫中角色大都是女性，但卻非刻意設定，而是出於經驗：「我只能畫我熟悉的身分。」這些女性常具備自信、好奇與獨立特質，不完美卻真實自由。跨文化成長經驗所伴隨的孤獨與疏離感，則使其作品多在柔中帶刺的氛圍中流露女性觀點與內在對話。

從壓克力到油畫，擁有了停留與沉澱的可能

Yamamoto長期以壓克力為創作核心，此次媒材轉換為她帶來嶄新的情感經驗與視覺探索。「油畫讓我能花更多時間去描繪層次與細節，也讓我得以回到畫面中繼續加入新的想法。它像是一個打開的世界，讓我可以更自由地在顏色與構圖中遊走。」她坦言，這種節奏的調整也影響了情緒的處理方式，使畫作擁有更多停留與沉澱的可能性。

邀請觀者參與情緒敘事

在抽象與具象之間擺盪，刻意保留模糊與曖昧的空間，也是Yamamoto的特色之一。「我畫畫的方式其實就是我看待世界的方式。這個世界是模糊而流動的，很多事表面看似如此，實則並非。」因此在她的作品裡，人體與風景經常融合，寫意的線條甚與實物交錯而過，構成一種暫停的時間感與漂浮的視覺結構。另針對觀者常對她的畫作產生「從未去過卻有莫名鄉愁」的奇妙感受，Yamamoto分享道，「我覺得我畫的不是物件，而是情緒。」這般創作路徑，反使其作品得以開放地邀請觀者投射自身經驗，參與每一幅畫的情緒敘事。

全新創作台北登場

本次《I’m There But I’m Not》台北個展內容包含多幅全新創作，如《Do You Have a Destination?》中獨立又好奇的女孩搭配復古車，拋出人生提問的同時提醒自己要保持專注，也別忘了享受生活；《The End of One Love is The Beginning of Another》將浪漫投射在即將消逝的電話亭中，捕捉一段關係的淡出；《Heat Waves》以她最愛的加州沙漠城市棕櫚泉（Palm Springs）為場景，運用微褪的綠調筆觸捕捉酷暑與植栽交錯的色彩張力，傳遞沙漠天堂的氣息。

最後，Yamamoto也透露，未來將繼續探索油畫與更大的畫布，並對斷奏式筆法與愈多抽象元素的嘗試產生興趣，期待以新的節奏與主題延伸創作深度。兩年來幾乎不間斷進行展覽的她，表示期待自己每一年都能成為更成熟的創作者，畢竟——「創作對我來說，是觀照記憶與自我的方式。」

Yufi Yamamoto《I’m There But I’m Not》

• 時間：即日起至2025年6月22日13:00-19:00（週二、三公休）
• 地點：奇想會Whimsy Works Gallery（台北市大安區安和路一段21巷7號）
• 票價：低消飲品一杯
• 了解更多：奇想會官方社群、Yufi Yamamoto個人社群

北美館年度壓軸鉅獻！2025台北雙年展《地平線上的低吟》匯集來自全球37座城市、橫跨一整個世紀、共72位藝術家的作品，探究「思慕」的多重意義，表述這股心緒「介於現實與期望之間」的張力。循展覽路徑，你將感受來自世界各地的思慕之情，在他人的失落和渴望之間，探索思慕之於自身的意義，從而回頭看見自己的失落與渴望。

本屆台北雙年展由Sam Bardaouil與Till Fellrath（柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，集結約150件展品，由北美館館藏及參展藝術家作品交織，其中包含34件全新創作及現地製作作品，涵蓋影像、表演、繪畫、雕塑和沉浸式場景。

什麼是「思慕」？ 驅動我們追求難以觸及之物的內在力量

看展之前，得先釐清究竟何謂「思慕」？它是持續推動人類的一股內在力量，一股面對難以觸及和掌握的事物、卻仍不願退讓的動能；它可能是對連結的渴望，或對未知前景的嚮往；可能是個人的私密情感，也或許是集體的迫切訴求；它具備跨越國界和文化、引起共鳴的能力，既體現深植人性的慾望，也提供了解當下處境的視角。思慕一詞聽來陌生，卻是早已存於你我腦海與心中的念想。

思慕並不張揚，常是柔弱卻倔強的。《地平線的低吟》圍繞著思慕展開，不大聲宣示，而是試圖以低聲而堅定的語調談論未來。展名中的「低吟」意指那些在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除卻仍頑強存續的故事；「地平線」則象徵追求的標的，是已知與盼望之間的交會。兩者疊加，《地平線的低吟》暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

這3件物品貫穿全展！象徵3種不同對「思慕」的詮釋

展覽從台灣錯綜複雜的歷史出發，因這片土地深知思慕的意義。策展概念源於3件出自台灣電影及文學作品的物件：侯孝賢電影《戲夢人生》（1993）中出現的「尪仔」，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。

3種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響：「尪仔」代表延續性，「日記」代表內在世界，「單車」隱喻追尋。

從寓言到儀式，感受「思慕」是切身體驗

散落於北美館三層樓空間的展品，或如影像詩篇、或如恐怖寓言、或如神秘儀式、或如歷史重構，每件作品都提醒著我們思慕並非抽象無形，而是切身體驗。

以下看向幾件亮點作品：《偽飛行場》 重建一座殖民時期的誘敵機場，揭示歷史的「虛構」本質，同時探討台灣的身份認同；《我的雙眼仍在流淚》是一束宏偉、看似完美卻無香的人工花卉，反映巴勒斯坦作為生機之地，卻逐漸化為凋零的記憶；錄像裝置《愛在死亡之後》透過一段模擬恐怖片的影像，將回憶和神話融合成幽靈般的儀式，訴說悲痛將灰燼煉成黃金的故事；《小室》將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中，隱喻歸屬感中「保護」與「禁錮」的雙重性；《加重停頓》則利用厚重的環狀繩索構成冥想場域，邀請觀者在節奏飛快的世界裡，以「緩慢」作為抵抗的形式。

策展彩蛋：台灣20世紀老照片穿針引線

值得留意的是，來自1930至1980年代的台灣攝影作品，是貫穿展覽概念的線索，各呼應「尪仔」、「日記」與「腳踏車」所指的隱喻。像是鄧南光攝於1942年的《台北，太平町 （一） 》，紀錄了殖民時代現代化進程中的城市變遷，呼應「尪仔」所探討台灣於殖民統治下展現的韌性；徐清波在1956年拍攝的《密談》，則捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈，既分隔、又連結，映照出「腳踏車」暗示的追尋與失落主題。

這些典藏作品的現身，不只是歷史影像的再現，更讓曾經塑造台灣文化的藝術家，得以與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代的對話。

「我們希望傾聽那些形塑台北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。與北美館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在《地平線上的低吟》中，思慕就是那座橋樑——它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」——策展人Sam Bardaouil及Till Fellrath

思慕是鮮活且當代共享的體驗

在現實可能隨時被抹去、或被遺忘的今日，思慕折射出新的渴求和迫切性，兩位策展人如此解讀：「無論我們望向何處，皆充滿渴望：在面臨假訊息時尋求真相，在破碎的社群中尋找歸屬，以及在分歧的時代渴求連結。雙年展中的創作並不會化解這些張力，反而是使它具象化。」走進《地平線上的低吟》展場，你將認知到思慕不再是抽象或歷史的產物，而是鮮活、迫切且當代共享的體驗。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》

展期｜2025.11.01－2026.03.29

地點｜臺北市立美術館

TAO ART至2026年2月7日推出日本當代藝術大師宮島達男（Tatsuo Miyajima）在台灣的首次個展《無盡的生命循環》 （Endless Life Cycles）。宮島達男以LED數字裝置和科技驅動雕塑 （technologically-driven sculptures）享譽國際，本次展覽集結藝術家近5年的12件重要創作，帶來一場關於生命、時間、空間與存在的深刻探問。

宮島達男是誰？

1957 年出生於日本的宮島達男，以 LED 數字裝置聞名於世。自 1980 年代末期發光二極體（LED: light emitting diodes）普及後，他開始大量運用此媒材，並以「數字」與「倒數」為創作語言，將科技轉化為思索生命的哲學符號。雖然以新媒體藝術為技術基底，宮島更像是一位以藝術作為語言的哲學家。

他曾於 1999 年代表日本參與威尼斯雙年展，其作品《MEGA DEATH》，由 2400 顆藍色 LED 組成，作品在某段時間會突然熄滅，讓觀眾直面龐大的黑暗，隨後又重新亮起，不斷循環。這件作品紀念歷史上的大規模死亡，引發了人們對失落、生存和重生的強烈思考。燈光亮滅的周期性反映了他對生命連續循環的信念，具體展現其三大核心理念：「持續變化（Keep Changing）」、「連結一切（Connect with Everything）」與「永無止境（Continue Forever）」。

「變化、連結、永恆」三大核心理念

在宮島的藝術實踐裡，數字持續循環與重複，無論是從 1 到 9，或 9 到 1，每一個序列皆象徵一個完整的生命週期。然而「0」在他的作品中始終缺席。在數列的循環裡，9 之後不是 0，而是一段空白的停頓。這片黑暗彷彿是死亡與重生的瞬間，也呼應了佛教中輪迴與轉世的哲學思考。數字因此以各種形式出現 ── 網格、塔樓、錯綜的電路或單純的數字本身 ── 不斷延展他對時間與空間中「變化、連結、永恆」的持續探索。

為TAO ART打造兩組作品

在這次的台灣首展中，宮島特別為 TAO ART 打造兩組作品，其中一組為茶室空間場域限定的作品《TAO ART・計數之窗》。這件作品是繼瀨戶內海倍樂生藝術場直島（Benesse Art Site）「家計畫」完成的首件作品在「角屋」（Kadoya）登場後，第一次於其他場域展出。作品以兩扇覆有液晶薄膜的特殊玻璃（UM Glass）為媒介，玻璃表面緩緩浮現持續變動的倒數數字，而台北街道的景象又隱約透過玻璃顯現。觀眾在數字、倒影與街景之間，得以思索自身在無盡循環中的位置。

另外一組全新委託製作的《360個生命》（2025），則是透過多組變幻的數字單位，以不同速率與色彩展現全球生命的多樣與交織，數字不斷的明滅循環，點出宮島長期關注「生與死」的核心，亦即「生命（Seimei）」。作品中不同速率、色彩（包含黑色）的變化，不僅象徵世界各地的每一個不同生命的可見、或不可見的存在樣態之外，亦是呈現出無數微小的生命彼此之間交織，構築成一個豐富的世界、乃至於宇宙，宛如一則現代寓言，映照人類存在的普遍境況。在同一空間的《持續變化（蒙德里安） – no.11》（2021）將閃爍的數字置入蒙德里安的幾何結構，在秩序與混沌的交織中，使觀者得以感受時間流動的韻律與永恆。

對生命循環的永恆想像

作為佛教徒的宮島，其創作深受佛教思想啟發。《飛天 – no.9》（2022）與《飛天 – no.12》（2021）以自由流動的數字光點，喚起敦煌壁畫中飛天的意象，象徵對生命循環的永恆想像。近年發展出的《數字珠畫（Numerical Beads Painting）》系列則捨去 LED 光源，轉以隨機計算的圖面，搭配藝術家在巴黎收集的數字珠子，大量排列以構築「三千大千世界」，在畫布中重現數字的明滅與宇宙的宏觀秩序。

「人在宇宙中的微小狀態」的思索

另一展間則以「反脆弱（Counter Fragile）」為題的 C.F. 系列作品，如《反脆弱的空氣環 – no.2》（2023）與《反脆弱的空氣環 – no.3》（2023），宮島以有機、雲狀般纏繞的電線組成扭曲的輪廓，每一件作品猶如漂浮的微型宇宙。它們看似脆弱，卻在閃爍的微光中蘊含不容忽視的價值，正如人類的存在雖短暫卑微，卻無比珍貴，引出藝術家對「人在宇宙中的微小狀態」的思索。

以作品回應東日本大地震

影響生命的災難，關於集體記憶的創傷，也是宮島所關注的議題。2011年的東日本大地震，無疑是日本歷年來最大的天災，宮島邀請三千名災區民眾透過一個數位計時器（digital counter）設定專屬的倒數速度，以各自的生命節奏回應災難留下的痕跡，看似日常，但個體的差異，以及每個人對於災難不同的衝擊和改變，讓大家看見受災群體的日常樣貌，其實與所有人無異── 每個人都在各自的節奏中生活。現場展出的《時間之海・東北:生命的樣貌（Life Face for Sea of Time – TOHOKU）》（2025）則是藝術家支持紀念美術館的建設所創作的版畫，彰顯藝術家對此議題的持續關懷。

第一場美術館展覽即將登陸台中

另外，位於台中的亞洲大學附屬現代美術館，也將舉辦宮島達男在台灣的第一場美術館展覽《眾生共命：宮島達男》。內容涵蓋自 1993 年至今超過三十年的創作，包括經典作品、創作概念圖以及邀請台灣各族群共同參與的共創計畫。其中，宮島更為安藤忠雄設計的三角展覽廳創作直徑 5.4 公尺、由 216 顆 LED 構成的大型新作《Mutual Ten Worlds》，為展覽注入震撼核心。

《無盡的生命循環 Endless Life Cycles》

展覽日期：2025 年 10 月 22 日 至 2026 年 2 月 7 日
展覽地點：TAO ART （114台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

_{資料提供｜TAO ART、文字整理｜Adela Cheng}