霹靂舞者孫振與藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson對舞，炸裂藝術藩籬！

在美術館裡跳舞滿「叛逆」，孫振笑著說。這位台灣代表性的霹靂舞者（可說是現在第一人）沒被館員「嗶嗶」警告，因為Olafur Eliasson（奧拉弗．埃利亞松）的作品鼓勵互動。在臺北市立美術館《你的好奇旅程》（Your curious journey）開展之際，他跟Olafur大談霹靂舞，也跟我們分享他的藝術表達與好奇心。

好奇如何從0到1地創造

跳舞最開始，我好奇成為國際職業舞者，很帥氣地站在大舞台上是什麼感受？再來，我好奇能不能跳脫我的一些「影子」——老師與喜歡的舞者。這是大部分人前期的經歷，你會模仿，然後發現那不是你，便開始問：什麼是我？現在贏了也輸了很多比賽，我發現大家技術同樣頂尖，關注點變成誰還能跳出新穎，為霹靂舞文化再注入不同風貌。

從已經有基礎的1到3、4非常容易，但要自己從0慢慢創造出1非常困難。

用新視角看見我的動作

在〈多重影子屋〉中，最有趣的是，感受到我自己在影子間跳舞反差的視覺比例。我想觀眾直接看我跳舞的畫面一定非常寫實清晰，可與這件作品互動好像會帶來更多想像——你不可能看見影子真的落地，只會看到牆面上放大拉伸的它們陪伴我舞動。

大家都可觸碰到彩虹嗎？

在〈單色房間〉裡，一切看起來都是黑白的。

我也滿好奇〈美〉的水霧到底是怎麼來的？是循環系統嗎？機械構造是怎麼弄的？這些給了我很多想像空間。Olafur不特別去定義作品要讓所有人都產生同樣感受，你的體驗是你自己的，這滿好的。

跨過文化與領域界線

我和Olafur在討論，過去他那年代的舞者，Popping、機械舞等舞種通常都要會，現在逐漸專業分化。在《動作顯微鏡》（Movement microscope，2011）中我最先是看見很多舞者玩埃及手（Tutting），他便向我補充，後面還有很多人跳 Popping、Locking，其中誰又是來自美國、巴西、丹麥⋯⋯。他分享，他的作品經常邀請不同領域、文化、來自世界各地的舞者與動作專家參與，不只有單一風格。

拒絕符號貼在身上

我現在就是單純把想到的東西、腦中的品味跳出來。很多人會問：日本可以融合武士道、中國會融入功夫元素，那台灣是什麼？我覺得創作到最後很個體化，不應該因為你來自台灣就非得代表某種文化。最厲害的是，一個文化風格強烈的地方，卻誕生出許多個體差異性很大的舞步。

拋開框架的限制

在我們這圈子裡，常常會有一個地方剛好集中特別多具有才華、創造力的舞者，引領接下來2、3年的潮流。大部分都是歐美國家，尤其是歐洲近10年非常爆炸性。

但是亞洲比較少引起潮流，可能比較保守一點？我一直好奇，到底要如何跳脫框架去探索。

孫振

霹靂舞者。1999年9月21日、921大地震當天出生，後來也以「Quake」為舞者名。經常代表台灣參加國際賽事，在2024年巴黎奧運進入首屆霹靂舞競賽16強，並與戴資穎共同擔任中華台北隊掌旗官。同年奪得「IBE國際嘻哈舞蹈節」1對1亞軍，並在「Outbreak Europe」擊敗500餘人，獲得生涯首個1對1世界冠軍。 

_{文｜吳哲夫
攝影｜登曼波　攝影助理｜郭治緯　燈光助理｜李晉捷}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

臺北市立美術館「物質世界」自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。

《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。

何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

另外，不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。

物質世界 Material Extensions
2026.05.01－2026.08.16
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

臺南市美術館舉辦「黑色香格里拉的曙光——色彩的饗宴：張肅肅展」，本展由策展人簡學義策劃，金光裕協同策展，築點設計 archicake 執行，梳理藝術家張肅肅橫跨四十餘年的創作歷程，並從女性視角切入，重新指認臺南戰後現代藝術中長期被忽略的敘事線索，使個人創作與城市藝術史產生更清晰的對話。

張肅肅是誰？

張肅肅1942年生於臺南，早年投身建築教育，1962年至東海大學建築工程學系就讀，1969年入美國猶他大學建築碩士班，1972年返國任教東海大學建築工程學系，於1975年二度赴美於哈佛大學都市設計系深造，再於1976年受東海建築系主任漢寶德之邀，回國擔任東海大學建築系副教授。

將建築化為色彩創作

1979年結束教職後轉向繪畫創作。而在張肅肅的作品中，建築並未消失，而是轉化為另一種存在：空間成為畫面的節奏，比例內化為色彩的秩序。她從素描出發，經歷寫實與超現實的過渡，最終走向抽象，將對形體的理解推進為如交響般展開的視覺語言，使畫面在理性與感性之間持續張力運作。

重現牽動臺南藝術史的畫室

本次展覽亦回溯其藝術養成的起點。展區中的「歷史的客廳」，重現張家畫室作為交流場域的文化意義。此處不僅連結張常華、郭柏川所發起的「南美會」，亦曾延請廖繼春指導，成為青年藝術家聚集與學習的重要空間。透過這一場域的再現，展覽將個人創作置回臺南藝術發展的歷史脈絡之中，也讓觀眾得以看見一段從家庭延伸至群體的藝術生成現場。

此外，展覽亦聚焦其母、畫家康碧珠對其創作的深遠影響。康碧珠對色彩「具生命力」的理解，形塑了張肅肅對顏色本質的認知，使色彩不再只是表現工具，而是成為承載經驗與情感的語言，並持續在其創作中轉化為具體的視覺表現。

壓軸之作〈黑色香格里拉的曙光〉

值得一提的是，本次展覽的主題作品〈黑色香格里拉的曙光〉，是張肅肅近期完成的代表作。在這件作品中，黑色不再指向虛無，而是一種匯聚能量的狀態，如同吞納萬象的核心。畫面從幽暗走向光明，既是形式上的推進，也隱喻著現實與想像、理想與毀滅之間的拉扯與轉化，呈現藝術家長年創作所累積的內在辯證。

「黑色香格里拉的曙光——色彩的饗宴：張肅肅展」，透過作品與歷史脈絡的交織，不僅回望藝術家張肅肅的創作歷程，也讓臺南現代藝術的發展脈絡，提供另一種觀看角度。

黑色香格里拉的曙光——色彩的饗宴：張肅肅展
展出時間：2026年4月23日至2026年6月14日
展覽地點：臺南市美術館1樓展覽室A、工作坊（臺南市南門路37號）
更多資訊可至展覽官網查詢

_{資料提供｜臺南市美術館、文字整理｜Adela Cheng}