關注臺南小店或是甜點的人，多少都會聽過神農街上的「海丘」，以及結束營業後改在西寧街老屋二樓復出的「沼澤」，先後兩家店的經營者「亨利Henri」正是黃郁婷。「很多人以為我是從甜點轉行到陶，事實剛好相反，我是為了做陶才去學甜點的。」兜兜轉轉了十年，黃郁婷如今專心於陶作，以本名的拼音縮寫「Hyt」為品牌，代表了直面創作的決心。

甜點與陶作的奇妙共通

年輕時，黃郁婷在東華大學藝術創意產業學系主修陶瓷，由於學系的指導偏向器物創作，使她從日常生活角度思考創作，而有以料理來訴說器物的想法。彼時，消費市場對於陶瓷文創品的接受度不高，黃郁婷沒把握自己可以純創作維生，便想用一種比較日常的角度切入市場。「再加上吃甜點對當時的我來說很療癒，便覺得如果把甜點當成媒介，品嚐之餘還可以欣賞裝盛的器物，人們便可以在輕鬆心情下接納作品。」

黃郁婷決定了目標，於2014年畢業便赴往日本學甜點，再去法國短期考察，最後回到家鄉臺南創業，在神農街開了海丘。2019年她和朋友一起合租六十年老宅，在二樓開了甜點兼選物店「沼澤」，一隻手烤蛋糕，一隻手捏陶瓷，自己設計店內使用的器物—並且還生出第三隻手來策展，忙碌且充實地過了幾年。

「沒有選擇去甜點店上班，是因為害怕自己最後真的成為一名甜點師了。」黃郁婷噗哧笑了出來，說出她心裡長久的擔憂，害怕自己轉身投入甜點，在陶作上停滯了十年，可能技術會退步。「結果恰恰相反。」她說，甜點與陶作有奇妙的共通性，擀塔皮好像擀土板，轉動蛋糕轉台抹奶油就好像轉動拉坯機，而巧克力灌模則與石膏翻模的動作一模一樣；甚至，甜點不像陶土只需要注意溼度，奶油容易受室溫影響，操作時的速度與細緻度要求都必須更高，在十年的甜點訓練裡，她感覺自己的技巧沒有不見，反而比以前更好了。

注入地理與環境的想像

早期黃郁婷用陶的想法來思考甜點，也用甜點的角度來創作陶，展開呈薄片的烤布丁、方正堆砌的柚子塔、水滴狀的生乳酪，或是獻給奶油蛋糕的高台平盤、為閃電泡芙設計的躺平方盤……依照不同甜點的食用特性，如方便塗抹、切片、鏟起、襯托，來調整器皿的造型、釉色或使用化妝土，陶土釉彩對應砂糖麵粉，食與器交鋒產生多次有趣的對話，兩條不相干的創作路線被黃郁婷強硬交集，彷彿編成了麻花。

年輕時黃郁婷曾嚮往去念地理系，加上在花蓮念大學時修了海洋作家廖鴻基的課，影響她關注自然、海洋、生態議題，並在手臂刺了一串關於北極熊、大翅鯨的圖像。「大海像是我的老師。」談到環境給予她的想像，佔地球表面七成的大海，通過氣體、液體、固體的三態循環，創造出許多生命，海無比遼闊，無比包容，也無所不在。也因此，她常以地理系的命名，如《Kuroshio 黑潮》、《Mound 土丘》、《Icefloe 浮冰》、《Moss 苔》等，傳達與環境有關的創作意念。

一方面開店，一方面創作，黃郁婷認為斜槓並沒有不好。「正因為有主業，所以我不用太顧慮市場，當陶成為興趣或是副業時，儘管展覽的頻率沒有那麼高，卻可以確保每次都可以做自己想要的東西。」她說，「做我喜歡的樣子」很重要。

只是越來越忙碌的店務，剝奪了愈來愈多創作的時間。她嘆道：「我一直想保持創作中的狀態。」一直持續到甜點店的租約到期，員工另有規劃而離職，彷彿上天安排的巧妙時機，使她終於可以卸下責任，得到重整步調的喘息。

可簡可繁的化妝土技法

揮別甜點界，黃郁婷再度復出，卻是在臺中神岡。她與同是陶作家的王瑞竺合力成立空間，一樓名為「黑土mollisol」是活動兼策展空間，二樓隔為前後兩間，分別是陶工坊與甜點廚房，三樓則是放置電窯的燒製區。

新作坊開幕不久，她便與王瑞竺便舉行Open Studio 雙人聯展《日和水》，推出使用臺灣黃陶為基底，外覆黑色化妝土的黑土系列。

黃郁婷偏好造型與化妝土研究，使用粗糙如沙的美國雕塑土、或是在瓷土中混合熟料，燒出具有手感的質地，加上化妝土技法疊加，創造出如久置潮溼院落的盆，被青苔爬過的洗綠；沙丘受風凝成的形狀，那遠看滑順而細看卻粗獷的質地；並且刻意留下神秘刻痕，訴說所欲表達的概念。

談到人們對於化妝土的誤解，她說：「很多人以為化妝土是簡單的東西，但其實化妝土的定義很廣，舉凡日本民藝常見的粉引或粉吹、朝鮮王朝代表的粉青沙器都是一種化妝土，它使器具表面可以有很強的變化性。」

如果用甜點來形容，化妝土便是蛋糕抹面或擠花，加入不同色粉，使用不同工具塗抹與刻畫，厚薄濃淡高低起伏，爬佈表面的微弱光影，不知不覺轉化情緒。

以陶探索生活的人

如今，她大部分時間都專注於陶作，甜點不再面向消費市場，只接受畫廊活動的餐會創作委託。全心投入陶作，近來她又師學雕塑技法，無論未來會朝向哪個類型走，希望以系列作品、自策個展的方式呈現，把創作理念更加聚焦且完整地傳達。

一路以來，黃郁婷在做陶裡學習，為理解器皿而去學甜點，為了理解茶道具，向董紜綺、謝小曼等茶老師習茶，不知不覺陶引領她發現新事物。「對我來說陶是生活中的探尋。」談到今年的新計劃，「我的夢想是到北極看北極熊真實的生活，今年剛好有機會可以達成，那裡有個小鎮可以看到北極熊！」

她手臂上的刺青，說了北極熊失去融冰成為熊天使的哀傷故事，不想美麗生物成了絕版幻想，她決定千里相會，再任性一回，而那未來是否會成為她陶作上的某種滋養？答案是肯定的。

文字 / 李佳芳

攝影 / 王士豪

臺中大容東街河畔的「治器 doTsuwa」，乍看以為是一頗具生活風格的選店，然而在店舖空間的裡邊，藤編屏風的背後，卻隱藏了兩座大小電窯以及拉坯機，儼然是一座迷你作坊。再往上走，才發現二樓其實是間室內設計公司—這個空間的成分複雜，一如邱俞鳳的雙重身份，除了室內設計的專業，她也是「治器doTsuwa」的藝術總監，跨領域的特質也因此反映在她的創作之中。

難以定義的邱俞鳳，有些人認識她是因為室內設計，而有些人認識是透過她的展覽，她說：「從小物件到大空間都是一種『器』，皆與生活的關係緊密，無論有形或是無形，具體或抽象，都是我想要探討的。」邱俞鳳定義自己的創作核心，治器即是「治理生活之容器」的簡寫，也因此邱俞鳳不給自己設框，任何能夠乘載生活的事物都是她創意狩獵的領土。

以創作者角色切入商空設計

從復興商工廣設科畢業，邱俞鳳轉入室內設計業，與先生林建華共同開業，主持「構築設計」（doT & associates），操刀不少空間與建築案，像是有名的Fine Dining餐廳「Embers」、汲取式酒吧「DraftLand」臺中店、融合公務所與美術館的「工家美術館」等，非制式的設計風格主要來自突破性的技術與材料，這正是邱俞鳳能以創作者角色切入商空設計的關鍵能力。

回顧自己跨界的歷程，其實邱俞鳳最初都是為了解決設計上的問題，譬如有一次接到建設公司的委託，他們在牆壁開錯了洞，希望邱俞鳳可以利用藝術性的手法來修補失誤，使其「錯得很美麗」。

在辦公室的樓梯間，一座完全使用木條與方形金屬扣件組合的書架，正是室內設計與工藝發生關係的最佳證明。「連接木條與木條的鐵件是我們自己開發的，先用3D列印出等比例的模型，經過組裝測試與修正，最後繪成設計圖交給工廠量產。」長久以來，邱俞鳳在空間的課題裡練習，結合其他媒材或是技法，試驗室內裝修材料，成了她冶煉創意的高湯。

動手把想法做出來很酷

有別於其他人，邱俞鳳的創作思路緊貼建築，「我會很自然地從基地的環境去想、必須要解決的問題是什麼、哪種藝術品才會符合空間的氛圍，如此做出來的作品才會因為有意義，而不可取代。」

逐漸地，邱俞鳳的創作從依附於空間，逐漸走向鮮明獨立，為客戶的需求量身創作，譬如為療癒品牌「美意好室」設計店舖 LOGO，或是為住戶捏塑代表家徽的陶燒，工藝創作於是成為空間裡獨有的印記。

2019 年臺南煙波大飯店開幕，邱俞鳳在大牆上使用銅金色支架與黑亮釉面手作陶球，點布出《點點遊人歸客來》這件作品，以單元之間的群聚與流動來比喻驛站空間千客萬來。

為了削弱落地窗的強日照問題，她使用古代建築所用的「墨斗」，指掐彈印於透光畫布，創作出具有東方水墨畫神韻的作品《雨過天青見煙嵐》，成為飯店接待櫃檯的詩意背景，也回應了業者從建築發跡的這段故事。

2020 年她為客家文化基金會創作的《躍昇》，以客家油紙傘的折疊收放特性為靈感，使用高知和紙、壓克力顏料、複合媒材打造出互動裝置。2021 年個展《無形無色》，她則使用白瓷土模仿卵石渾然天成的造型，至 2022 年個展《無明》則更近一步試驗纖維與陶瓷或珪藻土的混合。

在型態與材料各異的作品上，可見共同具有柔軟、曲線、有機的元素，彷彿動物或植物的局部結構，使邱俞鳳常被形容為「仿生」。信奉直覺的邱俞鳳喜歡用手直接去捏塑，沒有太多論述，也沒有設計圖。她說：「直接動手把想法做出來，我覺得這是一個很酷的過程。」

成為跨國工藝的媒合者

確實，在剛性的設計之外，邱俞鳳更喜歡用柔軟的陶土來創作。一座為住戶玄關設計的雕塑，她手捏陶土，不時轉換角度與方向，小心控制溼度與乾燥度，避免陶土坍塌，最後完成彷彿海綿生物中空腔體的雕塑，而那輕薄柔軟的波浪觸手之中，彷彿寫了一個「龍」字。她說：「我喜歡欣賞動、植物，從它們身上看見感性的線條。」在講求有序的空間與建築裡，曲線少有珍貴，令邱俞鳳覺得很美，也更加欣賞。

除了自己創作之外，偶爾她也會退回到設計者的角色，成為工藝的媒合者。她與先生另外成立的「構築設計 / 聯合治作 doT & associates」，主要任務便是連結臺日設計與工藝，為原創、協作、選品需求提供服務。在治器線上與門市陳列推出的臺灣時鐘設計品牌EMspec，與他們的緣份也是來自日本，其中商品「Matrix Clock 十二宮格」折井銅染系列，就是與日本工藝品牌 momentum factory Orii（折井）攜手合作，運用獨特的「銅染」技術所製成。治器與折井除了推廣商品經銷之外，也因為藝術品銅染技術合作多年，因此產生更多共鳴。

另外治器也運用 3D 列印技術輔助創作，做為開發商品過程的嘗試，探索傳統工藝與現代技術融合的可能性。

近來，他們為了回應大阪萬博會上，臺灣因為政治因素無法「正名」登場，只能以「玉山科技」的企業名義參與，於是發起「臺日共丸」計畫，在宇野港駅東創庫用可拆卸再利用的木構造打造一座「臺灣自己館」，把臺灣的設計商品帶到日本展出，用民間的力量打開國際文化交流，自成萬博的會外展。

歸納自己一路走來，邱俞鳳認為：「這不完全是藝術、也不全是工藝或是商品，而是所有的混合。」在她的想法裡，未來的設計、工藝、藝術也是共玩的。

文字 / 李佳芳

攝影 / 王士豪

「木頭是死的，但也是最有生命力的創作材料。」指尖輕輕摩挲著一塊木頭邊角料。從父親收藏的陶瓷物件與木製家具，到學院裡嚴謹的工藝設計訓練，再到如今在展覽場域裡受到熾烈注目的骨骼雕塑與器物家具。他在一塊塊木材之間，刨出屬於年輕世代工藝家的語彙，也把自己曾經的脆弱與倔強，一刀一刀刻進作品的肌理中。

視線所及的櫃子裡

27 歲的蔡旻翰低聲說，「我常站在父親收藏的實木木櫃前，用小手指輕撫榫卯縫隙，盯著櫃子裡的每一處手工打造痕跡。」童年時，他被父親的工藝收藏品圍繞，日復一日地與材質對話。這些無心積累的對話，在他體內悄悄播下工藝的種子。

「本來我是打算往平面設計的方向走，但美術老師認為我對光影的捕捉、立體的建構更拿手，鼓勵我往立體藝術創作方向試試看。」就讀普通高中的他沒受過專業美術訓練，靠著自己對畫畫的興趣與鑽研，大學成功考進臺灣藝術大學工藝設計系。「或許，選擇工藝設計一部分也是因為小時候看很多工藝品吧！我也沒想過自己會踏上這條路。」他微笑說。

在工藝設計系，他學會以更清晰的流程拆解創作：定義問題、分析結構、描繪草圖，再與材料妥協。「以木材來說，掌握木材的含水量很重要，還要考量空氣濕度與溫度可能對木材造成的變化，藉此調整刀具角度、預留放置時間。」對蔡旻翰而言，工藝奠定了他創作的基礎，設計則賦予更脈絡化的創作過程。當流程被清楚定義，同時他也找到媒材轉化的方式，他的創作就不再被靈感侷限。

以木為骨，以心為肉

「對我而言，創作是一種語言，用木頭與世界對話。」他的作品橫跨訂製器物與家具，風格看似多元卻一脈相承，不變的是在自然材質與結構邏輯之間，開闢出獨特的當代語彙。

學木工八年，他形容自己從「匠氣十足」的完美主義者，蛻變為懂得取捨的「正常」工藝家。他解釋：「我也曾經喜歡強調自己的作品用了哪些昂貴材料，或是經過多少次的複雜塗裝工法才製作而成，但其實這樣的做法與當代世界是脫節的。現在都用較為簡便的方法居多，雖然相對不耐用，但這就是時代的變遷。而且現在觀者想看到的不再是炫技，他們要的是『感受』。所以我努力讓我的作品能帶給觀者共感。」

要創造共感，就要先把自己攤開，蔡旻翰是這樣想的。他最為人知的「骨骼」創作系列，以全木材打造，卻做出如同真實骨頭的質理。同時調配出金屬質地的漆，在骨骼外上了一層「機械盔甲」。被問到為什麼會有這樣的創作靈感，他看著手中的《冕》作品，輕輕說到：「其實是跟我的骨髓疾病有關。」

他稍微拉下衣服，指著自己脖子上的紅疹：「像是這些紅疹也是因為骨髓疾病造成的。這個病讓我非常容易過敏，還會造成我的身體免疫反應過激，傷口不易癒合。只要太乾燥，我的皮膚就容易龜裂、關節僵硬，高中時特別嚴重，連曬太陽都要避免，因為會讓皮膚變太乾燥，容易裂開。」這段如同生理禁錮的時期，促使他在創作時思考：「我現在好多了，想與過去訣別。那我可以用什麼方式呈現？」於是他以本來就很喜歡的骨骼結構，搭配金屬質感的「盔甲」，象徵被撐起來的自己。

少年工藝家的煩惱

「當小學生都懂得用3D 列印與雷射切割，我所喜歡的手工曲線，會不會很快被大家遺忘？」20 出頭的蔡旻翰，眼見世界的變動，對自己所學產生強烈焦慮感。他露出笑容接著說：「所以我就想，我還年輕，我什麼沒有，時間最多。我就盡我所能創作、辦展覽，讓更多人看到我。因為，我想一直做下去，我想一直傳遞創作的美好。」蔡旻翰以滿腔危機感驅動自己，把展覽當成一場場放聲喊話，讓世人重返那木屑噴濺、粉塵飛揚、噪音貫耳的現場溫度，並在工藝市場中，刻劃屬於新生代的足跡。

除了增加曝光度，他也深知「創作需要資本養分」。就學時期，他就開始販售作品與接案，慢慢積累本錢，因為他有一個明確的目標。「就我觀察，如果畢業後兩三年內沒有持續創作、開工作室，之後就很難走下去了。所以我的目標就是研究所畢業後開工作室，並大量累積作品。」有金融背景的母親還教他做預算分配與效益評估，同時也因為他勤奮的態度，獲得許多前輩的支持。「很感謝工藝圈的前輩們，資助了我一些創作用的器械，對我真的幫助很大。」

「年輕就是籌碼。」在蔡旻翰身上，我們看到這句話的體現。在別人還在摸索之時，他已將每一次展覽看成試煉場，積累經驗與曝光。同時，他也努力培養商業頭腦，把每一個商業作品所耗費的金錢與時間成本估算進去，算出商品的價值。他堅信，藝術家需要商業思維，「畢竟我們也是要吃飯過生活的啊！」在笑聲之中，他闡明了身為年輕工藝家的謀生之道。

舊皮新骨，建構舊物的骨架

經常還是會聽到大家對於木工、木作工藝家的印象是做室內裝潢、雕刻鍾馗與各式佛像。面對如此「集體潛意識」，蔡旻翰立志以「新元素」一一打破。他拆解骨骼結構，挹注機械隱喻，用宗教般的儀式構築創作論述。「我覺得我的創作過程就很像宗教儀式。同一個動作我可能需要做數十次、上百次，這不就像是日復一日的膜拜嗎？」他更認為，當代的工藝家，既需傳承老匠師的技法，更要找到符合當代審美的平衡點，不走說教路線，讓作品在觀者心中自動生成共鳴。

在商業路線方面，他正開發「神獸骨骼」系列，結合石獅與貔貅的傳統意象，以機械關節和金屬質感構築當代護祐符號。此外，蔡旻翰正與陶藝家、金工藝術家攜手，嘗試將木構結合金工與漆彩，期待在跨域素材對話中擦出新的火花。

「做就對了，但別盲目苦做。先問自己為何而做，找到熱情與市場需求的交集，再行動。從興趣到工作，從工作再發現樂趣，那才是真正長久的動力。」在被木材圍繞的工作室中，戴著防護面罩的蔡旻翰，最後如此鼓勵同樣在創作路上剛起步，追尋眼裡那道光的工藝家們。

文字 / 洪孟樊

攝影 / 一J