開箱首爾市立攝影美術館首展：聚焦百年攝影藝術，開啟韓國影像歷史新篇章

位於首爾道峰區倉洞(창동；Changdong)的首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）歷經近十年籌備，於2025年5月開館，成為韓國首座公立攝影專門美術館。佔地7,048平方公尺（約2,132坪）、地上四層地下兩層，填補了攝影公共資源的空缺。作為「博物館美術館・城市首爾」計畫一環，與周邊AI科學館形成文化聚落，為首爾東北圈注入文化動能。

體現光與影對比的建築設計

建築由奧地利維也納建築事務所Jadric Architektur與韓國室內設計事務所1990 uao共同設計，靈感來自相紙與快門，結合光感大廳與暗室空間，運用黑色混凝土與灰金屬，體現光與影的對比。館長Han Jung-Hee（한정희）指出，韓國攝影雖已有百年歷史，學術與制度建構仍在起步，因此攝影美術館將致力於攝影的收藏、研究、展示與教育，打造理解與對話的平台。

開館首展以「光的視角 광(光)적인 시선」為題，策劃兩檔展覽——《光彩：起始的瞬間》（광채光彩: 시작의 순간들）、《儲藏故事》（스토리지 스토리Storage Story），回應建館歷程與攝影本質，從影像與記憶、建築與材料、資料與未來的交織中，開啟一場關於攝影與光的對話，象徵韓國攝影藝術的新篇章正式展開。

凝結韓國攝影百年的圖書收藏館

另外，位於4樓的攝影圖書館面積約200平方公尺，是保存韓國攝影史與攝影師作品的收藏空間。館藏超過一萬冊書籍，特別購入在弘益大學附近現已停運的「wrm資料室」（whatreallymatters）三千餘冊設計類藏書，突顯攝影與設計間的緊密關係。此圖書館排除一般圖書，聚焦攝影圖書的編輯與美學價值，成為攝影研究與創作的重要資料平台。未來也將開設攝影書工作坊，促進攝影師與設計師的交流與實作。

▸ 《光彩：起始的瞬間》

展出韓國攝影史5位代表攝影家的經典之作，回顧攝影從紀實走向藝術的演變歷程。透過十餘年收藏與研究，呈現出影像如何映照時代、探索美學，並形塑獨特的語言。

鄭海昌（ 1907~1967，정해창；Jung Hae-Chang）：舉辦韓國人首次個展、將攝影納入藝術體系

鄭海昌於1929年舉辦韓國首場攝影個展，融合韓國傳統美感與西方繪畫構圖，突破紀實框架，展現出攝影藝術新的可能。作品從靜物美學探索，到以木偶象徵人性，反映文化交融與自我省思。雖然1937年中止藝術攝影，但其對攝影與繪畫界限的思考，啟發後世在傳統與現代間找尋新的語彙，成為韓國攝影史的重要先驅。

林奭濟（1918-1994，임석제；Lim Suk-Je）：以寫實主義視角展現社會現實

1948年，林奭濟舉辦韓國首場藝術攝影個展，標誌著韓國攝影從唯美的沙龍風格走向現實主義。代表作〈網與日〉（그물과 해）以極端低角度與強烈明暗對比捕捉漁網之力感，結合新客觀主義視角，透過工具而非人物來描繪勞動的痕跡，藉由這樣的影像語言，將無名者推向歷史舞台中央，是帶領韓國攝影走向現代的重要轉折人物。

李亨祿（1917-2011，이형록；Lee Hyoung-Rok）：創立脫離傳統沙龍、提倡現實主義攝影的「新線會」

李亨祿自1935年投身攝影，1956年創立「新線會」（신선회），推動韓國攝影從唯美沙龍轉向寫實主義，關注韓戰後的庶民生活，如其代表作〈街頭的修鞋匠〉(거리의 구두상)就展現了生活的韌性。不過他在1960年創辦了「Salon Ars」（싸롱아루스），開始反思寫實主義的侷限，探索更強調造形感的攝影表現，如另一作品〈構成〉（구성）就以鋼骨結構與光影對比，象徵攝影從紀實邁向藝術的跨越。

Cho Hyun-Du（1918~2009，조현두）：開創抽象造型攝影新局面 

Cho Hyun-Du是韓國抽象攝影的先驅，1964年國展設攝影部門後獲首屆特選，開創抽象攝影的新視野。代表作〈殘雪〉(잔설）捕捉冰層細節，突破紀實框架，展現自然抽象美感。透過實驗性的技法，將攝影轉化為一種自由的藝術語言，推動韓國攝影從寫實走向現代主義。

朴英淑（1941- 박영숙；Park Young-Sook）：創立第一個大學女性攝影社團「淑美會」

朴英淑是韓國女性攝影的先驅，1960年代突破性別限制，成為首位舉辦個展的女性攝影師。她在淑明女子大學創立攝影社「淑美會（숙미회）」，為女性攝影開創舞台。畢業後任職女性雜誌，透過「詩與攝影」專欄展現獨特的視角。1966年個展推動女性攝影進入主流，作品細膩地捕捉了女性生活與內心，1980年代以實驗性創作挑戰性別刻板，開啟韓國攝影的新時代。

▸ 《儲藏故事 Storage Story》

邀請6位藝術家以倉洞的「倉」為意象，將過去朝鮮時代此地作為穀倉的歷史轉化為影像與記憶的儲藏空間。透過建築、檔案與歷史，詮釋美術館不只是展覽場域，更是保存、創作與記憶交織的場所，展現出攝影在當代藝術的多重層次與意義。

Seo Dong-Sin（서동신）以攝影探討觀看與認知，挑戰影像可即時傳達意義的傳統觀念。將美術館建設過程中的功能性照片與收藏的圖像解構重組，創作〈功能性函數的失靈〉(기능적 함수의 오작동)系列共22件作品。原本如數學公式的照片經拼貼疊加，模糊原意，展現影像流動與多種意義，並邀請觀者在美術館空間中，重新思考攝影的藝術與認知的可能。

Won Seoung-Won（원성원）透過數位拼貼創作虛實交錯的影像，探索人與社會間的關係。六件作品取材自攝影美術館建設的過程，融合水、木、沙、礫等自然元素，表現出建築與自然共生的概念。館體扭曲延展成小丘，與造景師Kweon Ji-Yeon共構「森林演替」意象，象徵建築如生命般從自然誕生又回歸自然，帶領觀者體驗時間與循環流動。

Jung Ji-Hyun（정지현）與Park Sang-Min合作，將美術館建設檔案影像轉化為3D雕塑與絲網印刷等多媒材作品。其中一件作品〈Cast Capture_3P 02_7043〉以3D掃描重現館內空間，結構輕薄如羽翼，隨光線浮現出隱藏的影像，宛如記憶逐漸成形。作品融合光影與材質，模糊數位與物質、攝影與雕塑的界線，展現建築作為記憶容器的意義，成為時間與故事的凝聚體。

朱龍聲（주용성；Joo Yong-Seong）聚焦在攝影美術館的所在地首爾倉洞，從地名語源出發，訪談居民並蒐集口述歷史，補足官方資料的不足。展出的36件作品，重構地方記憶與歷史脈絡，呈現城市開發中被忽視的集體身份。透過影像與文字交織，讓倉洞的人文故事浮現，賦予美術館深厚的歷史根基，使其成為承載時間與記憶的場所。

Oh Joo-Young（오주영）虛構一位攝影美術館的AI修復師，透過學習館藏影像，探索影像修復與觀看的本質。作品記錄AI如何解讀藝術與記憶，思索「原作性」的意義。四件作品回應數位時代藝術的保存倫理，展現人機共思的可能，傳達出科技不僅是工具，更是感知與詮釋的主體。

Oh Joo-Young的作品其中之一〈機械鑑賞系統〉（기계 감상 시스템）邀請觀眾選出三張喜愛的館藏影像，排列後按下紅色按鈕，觸發AI即時解讀並呈現結果。觀眾在教導AI觀看的同時，也學習其詮釋。作品模糊人機觀看主體的界線，探討AI時代觀看與理解的關係及其可能性。

Melmel Chung（정멜멜）重製攝影美術館的典藏資料，拍攝1950至70年代的影像與攝影器材，再以數位技術解構重組，轉化為當代視覺語言。作品如拆除典藏庫之牆，讓沉睡記憶再次被觀看。她回應美術館的保存角色，同時探問攝影在時間與技術交織下，如何在當代被重新理解與敘述。

首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）
地點｜ 68 Madeul-ro 13-gil, Dobong-gu, Seoul (서울 도봉구 마들로13길 68)
營業時間｜週二至週五：10:00-20:00 / 週六、周日、國定假日：夏季（3月-10月）10:00-19:00；冬季（11月-2月）10:00-18:00 ＊週一休館
門票｜免費

更多資訊可至網站查詢

首檔展覽《光彩：起始的瞬間》、《儲藏故事》展期 2025.05.29-2025.10.12

北美館暑期國際展覽「調：心境與聲景之間」，由新加坡美術館策展人許芳慈策畫，以其長期研究戰後亞洲當代藝術發展的背景，探究聲音作為政治與生態媒介之可能。展覽匯集13位藝術家創作，他們以聲音為媒介，探索其與環境正義、邊界政治，及情感的社會性經濟之間的互涉關係。

本展的架構汲取兩種截然不同的自然哲學：馬丁．海德格（Martin Heidegger）將「調」的描述以雲影掠過地景的瞬息意象為喻；〈莊子．外篇．天運〉提及的「至樂」則凸顯在無常世界中調節自身，進而與所有生命型態和諧共處的方式。本展藝術家從不同領域出發，運用多樣媒材探究聲響美學，展出形式涵蓋中國水墨畫卷軸、生物電極、田野錄音與對歷史上各種聲響戰爭的研究等。

展覽圍繞「聞息」、「聆水」、「聽壤」三個相互交織、而非各自獨立的命題建構聲景，共同回應如何透過水、空氣與土地等自然介質所傳遞的頻率。形塑我們聆聽以及如何共享這個世界的方式。

聆聽水體脈動與沉澱之物

「聆水」此一主題聚焦於水，關注其作為連結生命又劃分疆域的媒介，因而經常成為資源分配與衝突的焦點。塔瑞克．阿圖伊（Tarek Atoui）《十一拍聲搏》取材自阿拉伯的塔拉布（Tarab）傳統音樂，藝術家將一支滴管懸置於盛滿水的盆子上方；該盆與揚聲器相連，每滴水落下的聲響以十一拍循環重複，牽引觀眾沉浸於節奏脈動的敘事。蘇珊．舒普利（Susan Schuppli）的《聽冰》則探索極地與冰川等冰凍圈在氣候變遷下的變化，片中紀錄了融水奔流、冰層碎裂、以及地球暖化而釋放出的氣泡爆裂聲，同時安排因冰川退縮而被迫遷徙的喜馬拉雅山區居民聆聽聲響，將環境歷史轉化為人們可聽聞的記憶。

芮娜．賽尼．卡拉特（Reena Saini Kallat）受「印巴分治」歷史的影響，其《河流的邊際打破了他們之間的寂靜》刻意使用傳遞電力用的線纜來勾勒河川的流動形貌。儘管河水經常被人類視為區隔地緣政治的邊界，但也唯有流水聲能穿透人為強加的界線，暗喻在分裂與融合中尋求對話的可能。另一件作品《合唱一號》以偵測敵機聲音的「聲學反射鏡」為原型，但將戰爭機器的轟鳴聲轉換為鳥鳴。在此雕塑中，相互敵對鄰國的國鳥一同歌唱，而牠們實際的棲息地卻跨越兩國國界，其合鳴象徵邊界消融、調諧世界的頻率，並藉此將感官聚焦於「聽壤」與其代表的土壤、森林及生命力之上。

阮純詩（Nguyen Trinh Thi）《四十七天，無聲》，承襲有別於人類中心敘事的視角，觀眾可見部落社群準備喪葬儀式的影像拼貼，並交織水滴迴音、蟋蟀、鳥鳴與鏡面裝置折散的光影，這些擷取自美國與越南戰爭電影背景音軌的聲音，回應作品名「四十七天」指涉從越南中部至電影《現代啟示錄》（Apocalypse）位於菲律賓拍攝地的步行時間。在巴古斯．潘德加（Bagus Pandega）與今津景（Kei Imazu）的《自然綠4.3創作之人造綠意》中，他們運用活體植物發出的生物訊號驅動機械臂進行繪畫，並刻意選擇大王椰子來呼應臺灣及印尼共有的熱帶景象與殖民歷史。此一描繪性的選件也與入口處袁旃的《會走路的山》等作呼應，藝術家以墨與礦物顏料在絹本上創作，反思臺灣九二一大地震後感受到的衝擊經驗，透過流動交疊的線條描繪不可視的震動，傳統山水在此被重新想像為一有機體，擁有自身迸發的生機、獨特的皴法與節奏。

細聞現實與地緣政治的頻率

策展軸線接續轉向「聞息」作為概念核心，讓聽者與感知到的聲音產生共鳴，並延伸出如「氛圍」ㄧ般的情感沉浸。例如2023年第15屆沙迦雙年展獎得主哈吉拉．瓦希德（Hajra Waheed）的作品《來自姐妹的家書（2015年11月16日）》，取材自家人間的一封私密信件，藝術家的手足在信中描述了法國因巴塔克蘭劇院襲擊進入緊急狀態的處境。畫面以「往復，來回，一切就這樣周而復始」為開端，並將人類抵抗與掙扎的文字映射於背景的天空，追溯著殖民與國家暴力如何在不同歷史、地理和世代中不斷重演。

勞倫斯．阿布．哈姆登（Lawrence Abu Hamdan）的《風之合奏》，藝術家刻意將影像投映至低音喇叭的網狀表面，捕捉了薩克斯風樂手站在「庫克」（kookh）這種傳統庇護所陽台上的即興演奏，回應以色列占領敘利亞戈蘭高地及興建31座風力發電機的領土抗爭行動。陳庭榕《我只在乎你（私語）》則以金屬、紙漿與聲音系統，擬造出僅距離廈門1.2英哩的金門北山聲牆，重新追溯鄧麗君的歌曲曾被用於心戰喊話的冷戰歷史，這些原本屬於私人情感與流行文化的歌曲，被轉化為承載意識形態與情感召喚的政治媒介，共同揭示聲音如何被納入權力運作，而聽覺也可能成為介入政治現實的形式。

楊嘉輝的《煙霧奏鳴曲》將視角投往物質性的轉化，這部錄像作品創作於藝術家駐村日本兩足院期間，透過宗教的儀式聲響與動作，凸顯煙霧既象徵冥想與精神性，也因其轉瞬即逝而顯得短暫而無常。作品中各種細微的聲音，引導觀眾從將注意力從視覺表象轉向聽覺，感受那些隱藏於可見世界背後的存在與變化。常被喻為臺灣聲響藝術先鋒的林其蔚，其創作《唸珠》的色珠本身即構成一部樂譜，透過表演者的誦唸構築出色彩比例與對比，集結成「音場」迴盪於空間中，也是一種集體狀態的聲音雕塑呈現。畫家余承堯長期浸淫於南管音樂，他筆下的的群山主峰以細密刻鑿般的皴法向上勾勒堆疊而成，令人聯想到南管曲調的單一音節。《山水》、《連山絕壑》等畫卷與林其蔚的《唸珠》和其三幅壓克力地景畫作一起展出，這些作品探索視覺與音樂性相互交融的「聯覺」，邀請觀者一起體驗感官的跨越。

調：心境與聲景之間
展期：2026.07.04-2026.09.27
地點：臺北市立美術館 三樓3A、3B展覽室
更多資訊可至官網查詢       

加州必訪藝文地標——洛杉磯郡立美術館（LACMA），2026年5月迎來全新展館「David Geffen Galleries」開幕。普立茲克獎得主Peter Zumthor受託設計新館，為LACMA打造一座高架式的展覽空間，專門展示永久典藏。這座展館的獨特之處在於，所有展品皆在單一樓層的開放式空間展出，且空間具備高度彈性，觀展動線可因應不同策展計畫靈活延展，邀觀眾在此依自身步調自由探索。

你肯定在美劇裡看過LACMA這片「光景」

以202盞復古街燈組成的巨型裝置〈城市之光（Urban Light）〉為門面亮點，美國西部規模最大的藝術博物館——洛杉磯郡立美術館（LACMA），不僅園區腹地廣大，館藏亦高達15.5萬件。位在一座由大量移民組成、多元文化交織的城市，LACMA的策展與收藏方針也深刻反映了洛杉磯包容、前衛的城市風格，及多元的「環太平洋」文化視角。

LACMA館藏年份橫跨6,000年藝術史，除包含大量西方現代藝術大師如安迪·沃荷（Andy Warhol）、賈柯梅蒂（Alberto Giacometti）等人名作，這裡的伊斯蘭藝術、古代美洲藝術、日本及亞洲藝術收藏也聞名國際。

普利茲克建築大師Peter Zumthor設計新館，混凝土與玻璃共舞

為創造更符合當代需求的展演空間，LACMA於2020年啟動開館以來最大規模的新場館建設——「David Geffen Galleries」由瑞士建築大師Peter Zumthor操刀，他與執行建築團隊SOM、LACMA館長Michael Govan密切合作，構思一座流動、蜿蜒、延展近274公尺的混凝土建築，其外部以通透的玻璃帷幕覆蓋，引自然光流入室內；整體抬升約9公尺，彷彿輕盈漂浮於地面之上，讓訪客置身高架展廳時，可隔窗眺望洛杉磯城市景色。

Peter Zumthor雖非多產的建築師，但他對材料運用之嫻熟、光影掌控之精妙，以及對極簡主義的極致演繹，讓他在2009年拿下「建築界的奧斯卡」——普立茲克獎。他為數不多的作品，多不在繁華都市，而是坐落郊區或隱於大自然之中，其中又以瑞士「瓦爾斯溫泉浴場 （Therme Vals）」為代表作。他運用當地開採的6萬塊片岩，將浴場塑成一座彷彿從山間自然生長出的石砌迷宮；室內光影透過精心設計的屋頂縫隙灑落，與水面、石材紋理交織，營造出一種充滿神性、令人抽離現實的感官體驗。

27種尺度的展廳在同一樓層「攤開」

視線從瑞士小鎮回到洛杉磯，LACMA新館無論就規模、形式、風格來說，對Peter Zumthor都是生涯的一大突破。這是他在美國的第一件建築作品，也是首次挑戰如此大尺度之作。David Geffen Galleries將取代LACMA始建於1960年代、圍繞著中央庭院配置的一系列老舊場館，用猶如「珍奇櫃」的空間佈局，為策展帶來更多可能、看展注入更多驚喜。

David Geffen Galleries全新展覽空間共包含27間展廳，每間的空間尺度、光線層次、所提供的觀展視野都不相同；且展廳都集中在同一樓層，彷彿被「攤平」在建築當中，透過彈性而多變的空間佈局，鼓勵觀眾自由探索，在各個角落偶遇藝術，而非依循固定路徑參觀。而其他設施如書店、餐廳、咖啡廳、演講廳等，則分散在建築下部7座不同的量體當中，未與展廳穿插，以讓訪客潛心沈浸於藝術之中。

材質藏巧思：呼應地質、保護珍貴館藏

除格局外，材質中也藏Peter Zumthor埋下的巧思。在館外，他巧妙利用材質提醒來客腳下土地的「本質」，如園區內一片鑲嵌著白色貝殼的黑色混凝土磨石子地面，過去曾經是一片海床。而在封閉的室內展廳，他選用一種以矽為基底、帶深紅和靛藍色調的塗料，覆蓋混凝土牆面，並從狹長的頂部窗戶引入光線，搭配他親自設計的壁燈，種種細節只為確保對光線敏感的展品，能在不受傷的情況下，亦有柔和、均勻的光芒照耀以完美展示。

除此之外，儘管建築的玻璃帷幕本身就具備抗紫外線功能，Peter Zumthor為了進一步保護館藏，特別邀請日本織品設計師須藤玲子（Reiko Sudo）設計了一系列不同密度的金屬紗簾，讓布料、紙等質地較為脆弱的展品，即使擺在距離玻璃窗5公尺內的範圍也能安全展出。

巨大雕塑〈Smoke〉鎮守入口

造訪David Geffen Galleries，公共藝術也值得駐足細賞，像是鎮守入口的大型雕塑〈Smoke〉，是LACMA最具代表性的館藏之一，此作出自美國藝術家Tony Smith之手，由數個狀似蜂巢的幾何結構共築，形態如向升起的煙霧，媒材剛硬卻有著輕盈而不失份量感的視覺效果。

此外，混凝土地面刻紋與圖樣，是墨西哥藝術家Mariana Castillo Deball的手筆。他以中美洲神話中象徵死亡與重生的「羽蛇神（Quetzalcoatl）」為題創作，連結新場館建築及其下的土地，向曾在此生存過的祖先與神靈致敬。

David Geffen Galleries的興建計畫，不僅象徵LACMA策劃與執行20餘年的轉型邁入新階段，朝全球性藝術博物館再進一步，也更加鞏固了它作為美西最具規模綜合性美術館的地位。