開箱首爾市立攝影美術館首展：聚焦百年攝影藝術，開啟韓國影像歷史新篇章

位於首爾道峰區倉洞(창동；Changdong)的首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）歷經近十年籌備，於2025年5月開館，成為韓國首座公立攝影專門美術館。佔地7,048平方公尺（約2,132坪）、地上四層地下兩層，填補了攝影公共資源的空缺。作為「博物館美術館・城市首爾」計畫一環，與周邊AI科學館形成文化聚落，為首爾東北圈注入文化動能。

體現光與影對比的建築設計

建築由奧地利維也納建築事務所Jadric Architektur與韓國室內設計事務所1990 uao共同設計，靈感來自相紙與快門，結合光感大廳與暗室空間，運用黑色混凝土與灰金屬，體現光與影的對比。館長Han Jung-Hee（한정희）指出，韓國攝影雖已有百年歷史，學術與制度建構仍在起步，因此攝影美術館將致力於攝影的收藏、研究、展示與教育，打造理解與對話的平台。

開館首展以「光的視角 광(光)적인 시선」為題，策劃兩檔展覽——《光彩：起始的瞬間》（광채光彩: 시작의 순간들）、《儲藏故事》（스토리지 스토리Storage Story），回應建館歷程與攝影本質，從影像與記憶、建築與材料、資料與未來的交織中，開啟一場關於攝影與光的對話，象徵韓國攝影藝術的新篇章正式展開。

凝結韓國攝影百年的圖書收藏館

另外，位於4樓的攝影圖書館面積約200平方公尺，是保存韓國攝影史與攝影師作品的收藏空間。館藏超過一萬冊書籍，特別購入在弘益大學附近現已停運的「wrm資料室」（whatreallymatters）三千餘冊設計類藏書，突顯攝影與設計間的緊密關係。此圖書館排除一般圖書，聚焦攝影圖書的編輯與美學價值，成為攝影研究與創作的重要資料平台。未來也將開設攝影書工作坊，促進攝影師與設計師的交流與實作。

▸ 《光彩：起始的瞬間》

展出韓國攝影史5位代表攝影家的經典之作，回顧攝影從紀實走向藝術的演變歷程。透過十餘年收藏與研究，呈現出影像如何映照時代、探索美學，並形塑獨特的語言。

鄭海昌（ 1907~1967，정해창；Jung Hae-Chang）：舉辦韓國人首次個展、將攝影納入藝術體系

鄭海昌於1929年舉辦韓國首場攝影個展，融合韓國傳統美感與西方繪畫構圖，突破紀實框架，展現出攝影藝術新的可能。作品從靜物美學探索，到以木偶象徵人性，反映文化交融與自我省思。雖然1937年中止藝術攝影，但其對攝影與繪畫界限的思考，啟發後世在傳統與現代間找尋新的語彙，成為韓國攝影史的重要先驅。

林奭濟（1918-1994，임석제；Lim Suk-Je）：以寫實主義視角展現社會現實

1948年，林奭濟舉辦韓國首場藝術攝影個展，標誌著韓國攝影從唯美的沙龍風格走向現實主義。代表作〈網與日〉（그물과 해）以極端低角度與強烈明暗對比捕捉漁網之力感，結合新客觀主義視角，透過工具而非人物來描繪勞動的痕跡，藉由這樣的影像語言，將無名者推向歷史舞台中央，是帶領韓國攝影走向現代的重要轉折人物。

李亨祿（1917-2011，이형록；Lee Hyoung-Rok）：創立脫離傳統沙龍、提倡現實主義攝影的「新線會」

李亨祿自1935年投身攝影，1956年創立「新線會」（신선회），推動韓國攝影從唯美沙龍轉向寫實主義，關注韓戰後的庶民生活，如其代表作〈街頭的修鞋匠〉(거리의 구두상)就展現了生活的韌性。不過他在1960年創辦了「Salon Ars」（싸롱아루스），開始反思寫實主義的侷限，探索更強調造形感的攝影表現，如另一作品〈構成〉（구성）就以鋼骨結構與光影對比，象徵攝影從紀實邁向藝術的跨越。

Cho Hyun-Du（1918~2009，조현두）：開創抽象造型攝影新局面 

Cho Hyun-Du是韓國抽象攝影的先驅，1964年國展設攝影部門後獲首屆特選，開創抽象攝影的新視野。代表作〈殘雪〉(잔설）捕捉冰層細節，突破紀實框架，展現自然抽象美感。透過實驗性的技法，將攝影轉化為一種自由的藝術語言，推動韓國攝影從寫實走向現代主義。

朴英淑（1941- 박영숙；Park Young-Sook）：創立第一個大學女性攝影社團「淑美會」

朴英淑是韓國女性攝影的先驅，1960年代突破性別限制，成為首位舉辦個展的女性攝影師。她在淑明女子大學創立攝影社「淑美會（숙미회）」，為女性攝影開創舞台。畢業後任職女性雜誌，透過「詩與攝影」專欄展現獨特的視角。1966年個展推動女性攝影進入主流，作品細膩地捕捉了女性生活與內心，1980年代以實驗性創作挑戰性別刻板，開啟韓國攝影的新時代。

▸ 《儲藏故事 Storage Story》

邀請6位藝術家以倉洞的「倉」為意象，將過去朝鮮時代此地作為穀倉的歷史轉化為影像與記憶的儲藏空間。透過建築、檔案與歷史，詮釋美術館不只是展覽場域，更是保存、創作與記憶交織的場所，展現出攝影在當代藝術的多重層次與意義。

Seo Dong-Sin（서동신）以攝影探討觀看與認知，挑戰影像可即時傳達意義的傳統觀念。將美術館建設過程中的功能性照片與收藏的圖像解構重組，創作〈功能性函數的失靈〉(기능적 함수의 오작동)系列共22件作品。原本如數學公式的照片經拼貼疊加，模糊原意，展現影像流動與多種意義，並邀請觀者在美術館空間中，重新思考攝影的藝術與認知的可能。

Won Seoung-Won（원성원）透過數位拼貼創作虛實交錯的影像，探索人與社會間的關係。六件作品取材自攝影美術館建設的過程，融合水、木、沙、礫等自然元素，表現出建築與自然共生的概念。館體扭曲延展成小丘，與造景師Kweon Ji-Yeon共構「森林演替」意象，象徵建築如生命般從自然誕生又回歸自然，帶領觀者體驗時間與循環流動。

Jung Ji-Hyun（정지현）與Park Sang-Min合作，將美術館建設檔案影像轉化為3D雕塑與絲網印刷等多媒材作品。其中一件作品〈Cast Capture_3P 02_7043〉以3D掃描重現館內空間，結構輕薄如羽翼，隨光線浮現出隱藏的影像，宛如記憶逐漸成形。作品融合光影與材質，模糊數位與物質、攝影與雕塑的界線，展現建築作為記憶容器的意義，成為時間與故事的凝聚體。

朱龍聲（주용성；Joo Yong-Seong）聚焦在攝影美術館的所在地首爾倉洞，從地名語源出發，訪談居民並蒐集口述歷史，補足官方資料的不足。展出的36件作品，重構地方記憶與歷史脈絡，呈現城市開發中被忽視的集體身份。透過影像與文字交織，讓倉洞的人文故事浮現，賦予美術館深厚的歷史根基，使其成為承載時間與記憶的場所。

Oh Joo-Young（오주영）虛構一位攝影美術館的AI修復師，透過學習館藏影像，探索影像修復與觀看的本質。作品記錄AI如何解讀藝術與記憶，思索「原作性」的意義。四件作品回應數位時代藝術的保存倫理，展現人機共思的可能，傳達出科技不僅是工具，更是感知與詮釋的主體。

Oh Joo-Young的作品其中之一〈機械鑑賞系統〉（기계 감상 시스템）邀請觀眾選出三張喜愛的館藏影像，排列後按下紅色按鈕，觸發AI即時解讀並呈現結果。觀眾在教導AI觀看的同時，也學習其詮釋。作品模糊人機觀看主體的界線，探討AI時代觀看與理解的關係及其可能性。

Melmel Chung（정멜멜）重製攝影美術館的典藏資料，拍攝1950至70年代的影像與攝影器材，再以數位技術解構重組，轉化為當代視覺語言。作品如拆除典藏庫之牆，讓沉睡記憶再次被觀看。她回應美術館的保存角色，同時探問攝影在時間與技術交織下，如何在當代被重新理解與敘述。

首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）
地點｜ 68 Madeul-ro 13-gil, Dobong-gu, Seoul (서울 도봉구 마들로13길 68)
營業時間｜週二至週五：10:00-20:00 / 週六、周日、國定假日：夏季（3月-10月）10:00-19:00；冬季（11月-2月）10:00-18:00 ＊週一休館
門票｜免費

更多資訊可至網站查詢

首檔展覽《光彩：起始的瞬間》、《儲藏故事》展期 2025.05.29-2025.10.12

現正於桃園橫山書法藝術館（書藝館）舉辦的「躲貓貓：王意淳書法創作展」，是藝術家王意淳從與家貓相處的日常出發，以「躲貓貓」為題，將生活中的「躲」與「找」轉化為書法創作，邀請觀眾展開一場彼此尋找的觀看遊戲。

此次的展覽，是書藝館首次以全棟展出的規模，舉辦新世代的書法個展，也是王意淳生涯首次大型個展。展覽緣起於書藝館第二屆「橫山書藝獎」，該獎為獎勵傑出的書法展覽，透過社會各界公開提名已舉辦之展覽，經兩組專家學者成立初審及決審小組，分別進行評審後，由「慢行：王意淳書法展」勝出。

跳脫書法創作的既定印象

王意淳從得獎展覽「慢行：王意淳書法展」出發，將書法進一步延伸到她與家貓的日常相處關係。此次展覽也試圖跳脫書法創作的傳統既定印象，書寫內容橫跨經典、新詩與日常語彙，並融入現代空間之中。本展展出王意淳近年來創作共65組件作品，尺寸無論是小品或是大字書法，皆不斷挑戰藝術家體力與控制力，並持續追求線條的精緻度，發展屬於自身的書寫面貌。

走入藝術家書法靈感的日常

展覽大量運用情境式展場設計，重現藝術家創作時的靈感環境。王意淳特別與「一攬芳華」及「裏山」團隊合作，以獲獎展覽中將書法與景色結合的概念出發，在進入主展場的廊道設立展覽專屬的植栽造景，並將書法作品與造景相互映照。同時，在展場一角藉由大片玻璃窗借景，搭設平台，讓觀眾能在其上感受由書法作品營造的戶外景色，體驗書法與周邊環境連動的氛圍。策展團隊希望能邀請觀眾先在這種沉浸式空間中，暫時放緩當代生活的速度，感受慢下來的體驗，再以「慢」的心境，走入藝術家書法靈感的日常。

書寫與貓共處的日常

而日常生活是王意淳重要的創作理念來源，家中的貓咪更是她生活中不可或缺的存在。本次展覽也特別與「春池玻璃」合作，以貓砂為靈感結合書法，進行展場現地製作，呈現王意淳的日常點滴。

展覽也展出藝術家為期一年的〈喵計畫〉創作，透過影像和裝置，呈現以「字」為日記的行動紀錄。本作靈感來自王意淳家貓「芋泥」的叫聲，在各種日常現成物材料上創作「喵」字。現場同時有「眠豆腐」團隊製作貓窩造型的「喵豆腐」，供觀眾如貓一般蜷坐其中，藉由一日又一日的「喵」字圖像和聲音，進入一個有貓陪伴日子。

從大字書寫到小品對話

對王意淳而言，書法是一場自我對話的揀選，也是透過筆墨將心中話語視覺化的過程。這次她特別挑戰高於自身身形，彷彿「藏身於作品背後」的大字創作。經過縝密的前置規劃與精準落筆，建構每一筆畫的方向與節奏。

巨大的尺幅將書寫轉化為動態的身體語言，體現書寫者在筆墨之間的步伐與律動，像是一場獨角演出。作品內文中有她對創作歷程的體悟、自我勉勵的心聲，透過筆跡被具體召喚於觀者眼前。現場也有〈有字場〉書法立體雕塑作品，讓線條成為實體，留白成為空間縫隙，產生書寫的新維度。

探索與自我的相遇

展區最後以「背光處」為題，用小品書法裡輕鬆幽默的文句與觀眾的對話，使書寫呈現更直面內心的樣貌，將自己安放於書法的庇蔭之中。在躲與不躲之間，為自己做選擇，也重新思考生活前行的方向。

躲貓貓：王意淳書法創作展
展覽期間｜2026年5月8日至8月3日 (09：30-17：00 每週二休館。)
展覽地點｜橫山書法藝術館(桃園市大園區大仁路100號)

_{資料提供｜橫山書法藝術館、文字整理｜Adela Cheng}

由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動。

藝術家李亦凡 × 策展人Raphael Fonseca

本屆由臺灣新媒體藝術家李亦凡代表參展，並由來自Culturgest（葡萄牙里斯本與波爾圖）視覺藝術策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）策劃，兩位皆成長於網路技術逐步萌芽的世代，透過跨地域、跨文化的對話，回應數位時代中影像、科技與人類經驗之間的複雜關係。

李亦凡創作橫跨繪畫、動畫、遊戲引擎與生成式影像等媒介，持續在資訊過載的時代中，探討影像如何形塑人類的感知、敘事方式與自我理解。他以黑色幽默與反諷語境的敘事風格，結合跳接式的影像節奏及摻雜著教學影片的獨白語調，開發一套獨有的操偶系統進行影像表演，引導觀眾重新審視當今人們觀看行為的本質，進而挖掘影像生產背後的權力邏輯，思考個體如何定位自身。

以「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」為題

本屆台灣館以「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」為題，一方面延續藝術史中「鬱卒」的概念，回應當代數位環境中不斷變動所引發的焦慮與情緒。展名最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思，指涉人們長時間與螢幕共處所生成的憂鬱現象；隨著轉譯為英語「Screen Melancholy」與中文「鬱卒的平面」，在不同語境中展開多層且詩意的對話。

另一方面，展名所指涉的「平面」，既可指螢幕與數位介面形塑的扁平觀看方式所引發的鬱卒感，亦可暗喻早已存在於人們內在的鬱卒狀態，被投射於不同介面之中，進而揭示科技如何影響當今人們的感知情緒與日常觀看經驗。與此同時，呼應本屆威尼斯雙年展策展主題「小調」（In Minor Keys），聚焦於內斂而複雜的情感狀態，喚起人性的本質與主觀知覺。

展場普里奇歐尼宮轉化為動力舞台

展覽的同名作品是李亦凡以遊戲引擎做為影像生產方式的第三件全新創作，他亦將此發展成他創作歷程中前所未見的獨特場域特定作品。延續其獨角敘事，並反思影像生產工具在「軟體即服務」（Software as a Service）的體制下，他加入對於展覽場域的歷史與建築脈絡的回應，將展場普里奇歐尼宮轉化為一個動力舞台，當觀者置身在這個前身為監獄的建築中，目中所見影片中的場景轉移與眼前現實的景象形成鏡像呼應，觀者與片中人偶般的角色彷彿一同感受「真實」與「虛擬」的界線消融，受困於不斷迴旋的觀看狀態，體驗自我映照的影像敘事。

虛構與實體的感官體驗在空間中共存

本次展覽將空間納為整體的一件式影像結合複媒的裝置，也是臺北市立美術館在自1995年起在普宮舉辦展覽以來首次的嘗試。展間中錯落大尺度的特製雕塑，手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等碎化的肢體，呼應著來自影像中的角色，使虛構與實體的感官體驗在空間中並置共存。合為一個整體的雕塑、影像與聲音並非為了製造心理暗示，而是邀請觀眾以自身的步調，體驗藝術家嘗試提出的在數位時代所帶來的情緒、知識錯位與感知疲態，連結著展名所帶有核心思考：「在資訊無窮、生命有限的狀態中，人們如何以『鬱卒』作為回應世界的方式？」，也展現出藝術家持續深化在「眼球世代」中，個人如何與影像互動、感知與自我建構之層層關係的探索。

觀者自己在觀看，也正在被觀看

李亦凡表示：「我希望帶領觀眾進入一個虛實共存的空間，讓人同時感覺自己在觀看，也正在被觀看。在資訊過載的時代，我開始思考，這些看似私密的焦慮，是否能透過黑色幽默暫時化解恐懼被吞噬的狀態。作品並非以說教或標語的方式呈現，而是嘗試從古典影像技術出發，在舊有技術的邏輯中尋找新媒介的痕跡。我藉由一個虛擬的身體進行轉述，帶入私密的慾望與恐懼，回應千禧世代與科技之間複雜而矛盾的關係。對我而言，這是一種誠實的表述，呈現出我與許多人共同經驗的真實感受。

逐漸模糊「真實」與「數位」之間的界線

策展人哈法艾爾・馮希卡也指出：「資訊在眼前流動的節奏，深深形塑了我的思考方式。李亦凡以荒誕幽默的方式，將日常生活中的平凡與焦慮編織為一種詩性的創作語言，在被科技重塑的世界中，重新檢視我們的身份。作品為觀眾留下廣闊的提問空間，不僅關於『真實』與『數位』之間模糊的界線，更重要的是：究竟何謂『人』？如拉丁諺語所言：『生命短暫，藝術恆久』（vita brevis, ars longa），人生苦短，而資訊無窮，在這個歷史性時刻，人工智慧充斥著我們的生活，不斷提醒著我們這一點。」

以「鬱卒」的狀態，回應這個世界

從對電腦動畫的講解，延伸至虛擬影像中生成表面細節的法線貼圖（normal mapping）等影像技術探討，李亦凡所關注的影像愈發趨向即時生成與無限複製，甚至加入時下流行的自拍文化。展覽中，他將許多臺灣人所熟悉，且長期存在的恐懼與不確定性的感受轉化為幽默，真誠地呈現個人的焦慮如何在這座島嶼上與他人產生共鳴。展覽暗示我們每個人在數位時代下，都兼具囚徒、操控者與人偶的三重身分，面對二十一世紀的後虛構與數位自戀的時代中，他並未提供解決方案或道德化的回應，而是引領觀眾重新以「鬱卒」的狀態，回應這個世界，反思人們該如何重新理解世界與自身的位置。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」
展期：2026年5月9日至11月22日
2026年5月09日至9月30日，每週二至週日上午11 時至下午7時
2026年10月1日至11月22日，每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館， 5/11、11/16特別開放
地點：義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）
主題網頁：www.taiwaninvenice.org/2026