位於首爾道峰區倉洞(창동；Changdong)的首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）歷經近十年籌備，於2025年5月開館，成為韓國首座公立攝影專門美術館。佔地7,048平方公尺（約2,132坪）、地上四層地下兩層，填補了攝影公共資源的空缺。作為「博物館美術館・城市首爾」計畫一環，與周邊AI科學館形成文化聚落，為首爾東北圈注入文化動能。

體現光與影對比的建築設計

建築由奧地利維也納建築事務所Jadric Architektur與韓國室內設計事務所1990 uao共同設計，靈感來自相紙與快門，結合光感大廳與暗室空間，運用黑色混凝土與灰金屬，體現光與影的對比。館長Han Jung-Hee（한정희）指出，韓國攝影雖已有百年歷史，學術與制度建構仍在起步，因此攝影美術館將致力於攝影的收藏、研究、展示與教育，打造理解與對話的平台。

開館首展以「光的視角 광(光)적인 시선」為題，策劃兩檔展覽——《光彩：起始的瞬間》（광채光彩: 시작의 순간들）、《儲藏故事》（스토리지 스토리Storage Story），回應建館歷程與攝影本質，從影像與記憶、建築與材料、資料與未來的交織中，開啟一場關於攝影與光的對話，象徵韓國攝影藝術的新篇章正式展開。

凝結韓國攝影百年的圖書收藏館

另外，位於4樓的攝影圖書館面積約200平方公尺，是保存韓國攝影史與攝影師作品的收藏空間。館藏超過一萬冊書籍，特別購入在弘益大學附近現已停運的「wrm資料室」（whatreallymatters）三千餘冊設計類藏書，突顯攝影與設計間的緊密關係。此圖書館排除一般圖書，聚焦攝影圖書的編輯與美學價值，成為攝影研究與創作的重要資料平台。未來也將開設攝影書工作坊，促進攝影師與設計師的交流與實作。

▸ 《光彩：起始的瞬間》

展出韓國攝影史5位代表攝影家的經典之作，回顧攝影從紀實走向藝術的演變歷程。透過十餘年收藏與研究，呈現出影像如何映照時代、探索美學，並形塑獨特的語言。

鄭海昌（ 1907~1967，정해창；Jung Hae-Chang）：舉辦韓國人首次個展、將攝影納入藝術體系

鄭海昌於1929年舉辦韓國首場攝影個展，融合韓國傳統美感與西方繪畫構圖，突破紀實框架，展現出攝影藝術新的可能。作品從靜物美學探索，到以木偶象徵人性，反映文化交融與自我省思。雖然1937年中止藝術攝影，但其對攝影與繪畫界限的思考，啟發後世在傳統與現代間找尋新的語彙，成為韓國攝影史的重要先驅。

林奭濟（1918-1994，임석제；Lim Suk-Je）：以寫實主義視角展現社會現實

1948年，林奭濟舉辦韓國首場藝術攝影個展，標誌著韓國攝影從唯美的沙龍風格走向現實主義。代表作〈網與日〉（그물과 해）以極端低角度與強烈明暗對比捕捉漁網之力感，結合新客觀主義視角，透過工具而非人物來描繪勞動的痕跡，藉由這樣的影像語言，將無名者推向歷史舞台中央，是帶領韓國攝影走向現代的重要轉折人物。

李亨祿（1917-2011，이형록；Lee Hyoung-Rok）：創立脫離傳統沙龍、提倡現實主義攝影的「新線會」

李亨祿自1935年投身攝影，1956年創立「新線會」（신선회），推動韓國攝影從唯美沙龍轉向寫實主義，關注韓戰後的庶民生活，如其代表作〈街頭的修鞋匠〉(거리의 구두상)就展現了生活的韌性。不過他在1960年創辦了「Salon Ars」（싸롱아루스），開始反思寫實主義的侷限，探索更強調造形感的攝影表現，如另一作品〈構成〉（구성）就以鋼骨結構與光影對比，象徵攝影從紀實邁向藝術的跨越。

Cho Hyun-Du（1918~2009，조현두）：開創抽象造型攝影新局面 

Cho Hyun-Du是韓國抽象攝影的先驅，1964年國展設攝影部門後獲首屆特選，開創抽象攝影的新視野。代表作〈殘雪〉(잔설）捕捉冰層細節，突破紀實框架，展現自然抽象美感。透過實驗性的技法，將攝影轉化為一種自由的藝術語言，推動韓國攝影從寫實走向現代主義。

朴英淑（1941- 박영숙；Park Young-Sook）：創立第一個大學女性攝影社團「淑美會」

朴英淑是韓國女性攝影的先驅，1960年代突破性別限制，成為首位舉辦個展的女性攝影師。她在淑明女子大學創立攝影社「淑美會（숙미회）」，為女性攝影開創舞台。畢業後任職女性雜誌，透過「詩與攝影」專欄展現獨特的視角。1966年個展推動女性攝影進入主流，作品細膩地捕捉了女性生活與內心，1980年代以實驗性創作挑戰性別刻板，開啟韓國攝影的新時代。

▸ 《儲藏故事 Storage Story》

邀請6位藝術家以倉洞的「倉」為意象，將過去朝鮮時代此地作為穀倉的歷史轉化為影像與記憶的儲藏空間。透過建築、檔案與歷史，詮釋美術館不只是展覽場域，更是保存、創作與記憶交織的場所，展現出攝影在當代藝術的多重層次與意義。

Seo Dong-Sin（서동신）以攝影探討觀看與認知，挑戰影像可即時傳達意義的傳統觀念。將美術館建設過程中的功能性照片與收藏的圖像解構重組，創作〈功能性函數的失靈〉(기능적 함수의 오작동)系列共22件作品。原本如數學公式的照片經拼貼疊加，模糊原意，展現影像流動與多種意義，並邀請觀者在美術館空間中，重新思考攝影的藝術與認知的可能。

Won Seoung-Won（원성원）透過數位拼貼創作虛實交錯的影像，探索人與社會間的關係。六件作品取材自攝影美術館建設的過程，融合水、木、沙、礫等自然元素，表現出建築與自然共生的概念。館體扭曲延展成小丘，與造景師Kweon Ji-Yeon共構「森林演替」意象，象徵建築如生命般從自然誕生又回歸自然，帶領觀者體驗時間與循環流動。

Jung Ji-Hyun（정지현）與Park Sang-Min合作，將美術館建設檔案影像轉化為3D雕塑與絲網印刷等多媒材作品。其中一件作品〈Cast Capture_3P 02_7043〉以3D掃描重現館內空間，結構輕薄如羽翼，隨光線浮現出隱藏的影像，宛如記憶逐漸成形。作品融合光影與材質，模糊數位與物質、攝影與雕塑的界線，展現建築作為記憶容器的意義，成為時間與故事的凝聚體。

朱龍聲（주용성；Joo Yong-Seong）聚焦在攝影美術館的所在地首爾倉洞，從地名語源出發，訪談居民並蒐集口述歷史，補足官方資料的不足。展出的36件作品，重構地方記憶與歷史脈絡，呈現城市開發中被忽視的集體身份。透過影像與文字交織，讓倉洞的人文故事浮現，賦予美術館深厚的歷史根基，使其成為承載時間與記憶的場所。

Oh Joo-Young（오주영）虛構一位攝影美術館的AI修復師，透過學習館藏影像，探索影像修復與觀看的本質。作品記錄AI如何解讀藝術與記憶，思索「原作性」的意義。四件作品回應數位時代藝術的保存倫理，展現人機共思的可能，傳達出科技不僅是工具，更是感知與詮釋的主體。

Oh Joo-Young的作品其中之一〈機械鑑賞系統〉（기계 감상 시스템）邀請觀眾選出三張喜愛的館藏影像，排列後按下紅色按鈕，觸發AI即時解讀並呈現結果。觀眾在教導AI觀看的同時，也學習其詮釋。作品模糊人機觀看主體的界線，探討AI時代觀看與理解的關係及其可能性。

Melmel Chung（정멜멜）重製攝影美術館的典藏資料，拍攝1950至70年代的影像與攝影器材，再以數位技術解構重組，轉化為當代視覺語言。作品如拆除典藏庫之牆，讓沉睡記憶再次被觀看。她回應美術館的保存角色，同時探問攝影在時間與技術交織下，如何在當代被重新理解與敘述。

首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）
地點｜ 68 Madeul-ro 13-gil, Dobong-gu, Seoul (서울 도봉구 마들로13길 68)
營業時間｜週二至週五：10:00-20:00 / 週六、周日、國定假日：夏季（3月-10月）10:00-19:00；冬季（11月-2月）10:00-18:00 ＊週一休館
門票｜免費

更多資訊可至網站查詢

首檔展覽《光彩：起始的瞬間》、《儲藏故事》展期 2025.05.29-2025.10.12

忠泰美術館於3月21日至7月12日推出全新當代藝術展《燼光之城──文明之後的迴響》。本展由獨立策展人高森信男與忠泰美術館團隊共同策劃，邀請來自菲律賓、斯里蘭卡、敘利亞、羅馬尼亞、多哥、韓國及臺灣等11組國內外藝術家，共同探問全球化下城市文明的崩解、挑戰與再生。呈現戰爭、氣候災變、產業轉型與家園變遷等結構性因素帶來的動盪與轉變，帶領觀眾深入全球化時代下不常被看見的「隱藏版」城市風景，重新思考人類集體生存的未來可能。

跳脫歐美大都會想像，看見不常見的城市現場

「城市」承載了全球半數以上的人口，是人類文明發展的象徵；然而在全球化浪潮下，某些城市成為美好生活的投影，另一些卻映照出文明發展背後的矛盾與陰影。策展人高森信男表示：「隨著全球城市人口比例持續攀升，21世紀可以說是『城市的世紀』。然而，我們對城市的想像，往往停留在高樓大廈、物質繁榮與公共建設完善的光鮮表象，但事實上，許多大型城市，至今在醫療、教育等基礎社會建設中，仍面臨不足與不均的問題。」

《燼光之城》將視角從大眾熟悉的歐美大都會，轉向話語權相對有限的非主流城市現場。從敘利亞大馬士革的反烏托邦想像、西非電子垃圾處理場的殘酷現實，到臺南產業轉型下的家園拆遷等，藝術家們透過錄像、影像、混合實境（MR）、大型現地裝置等媒材，帶領觀眾直擊不同政經歷史條件下城市面臨的「危機」、揭開運作背後不易察覺的「隱形系統」，並探問人類對於「城市的想像」。「燼光」便是寓意城市在歷經烈焰般的劇烈動盪後，總能在餘燼中浴火重生，展現出興衰交替不滅的生命力。

城市的想像：在流動與夢想間重塑歸屬

在全球性人口遷徙、移工潮與數位游牧盛行的時代，城市不再只是固定的住所，而是人們追尋理想生活與「世界級城市」夢想的投射載體。然而，抵達理想城市是否真能通往美好生活？我們又該如何在快速變動中，重塑對城市與「家」的想像？

現居澳洲的菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦（Isabel and Alfredo Aquilizan）與The Fruitjuice Factori Studio Collective，帶來全新現地創作的大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》，攜手臺灣學生與營建工作者進行工作坊共創，利用紙箱堆疊出關於移動與離散的記憶，傳達超越國界的交流。斯里蘭卡藝術家阿布都．哈里克．阿濟茲（Abdul Halik Azeez）則透過《異鄉異客》等多件影像、家庭照片、口述史料等，探討斯里蘭卡在新自由主義轉型下的移工敘事與戰後都市變遷。

面對城市發展的殘酷面，羅馬尼亞藝術家塞巴斯蒂安．摩爾多萬（Sebastian Moldovan）的影像作品《巴黎計畫》，反思首都布加勒斯特在權力慾望的轉折下，從東歐「小巴黎」淪為廢墟的無常與鄉愁；臺灣藝術家蔡坤霖最新現地創作《誰為始何為終》，以「水文系統」為隱喻，重現昔日農用瑠公圳在都市化進程中從自然水系轉化為人工管路，連結忠泰美術館所在地之地理環境，並呼應團隊整理所在地的「臺北東區故事」，也映照出全球城市開發與自然環境之間持續交錯、相互改寫的關係。

城市的危機：戰火衝突、演算法控制與集體焦慮

戰爭，究竟離我們有多遠？從俄烏戰爭到中東衝突，安居的城市與殘破的廢墟往往僅有一線之隔。在當前全球地緣政治動盪與連年災變的夾擊下，城市看似繁榮發展的表象下，也隱藏著脆弱的真實面貌。

臺灣前衛藝術家梅丁衍於26年前的創作《決戰境外》系列，透過電腦繪圖拼貼虛實，將「決戰境外」的戰略口號，預演為一場虛擬的戰爭奇觀。敘利亞戰火倖存者艾哈姆．賈布爾（Ayham Jabr）的合成影像作品《大馬士托邦》系列，將大馬士革的廢墟拼貼成超現實神話，探討戰爭如何在毀滅後轉化為生存的儀式。韓國藝術家金雅瑛的影像作品《外送舞者星球》，聚焦疫情期間高度加速的零工經濟，呈現被演算法支配下的虛構首爾，反映當代社會對速度與最佳化的迷思。臺灣藝術家黃海欣《粉紅色監獄》、《甜蜜家庭#2》等作品，以一貫幽默卻不安的筆觸，捕捉城市日常中的集體焦慮。

城市的隱形系統：支撐現代化城市背後的運作機制

現代化城市生活的繁榮與便利，往往仰賴一套龐大卻隱蔽的全球化運作系統。這套隱形系統連結了跨國貿易、產業結構、勞動力等資源的分配與利益交換，支撐著我們習以為常的日常運作。

你淘汰的手機與舊車，如何成為他人的生存資源？臺灣藝術家致穎與德國格雷戈爾．卡斯帕（Gregor Kasper）、多哥Elom 20ce藝術家跨國合作《貨幣》計畫，將鏡頭帶往西非的工業廢棄物聚落，記錄現代化城市如何將消費後的物質處理「外包」至世界的另一端。這些廢棄零件經由勞動者的手，轉化為精緻的手工飾品並進入宗教儀式中，以此觀看全球經濟循環中，物質與精神如何被重新賦予價值。

菲律賓藝術家馬克．薩瓦圖斯（Mark Salvatus）的《水痕》透過細膩地抹除明信片上的觀光景點與地標，隱喻海平面上升對海島國家的衝擊，並揭示全球氣候變遷所帶來的連鎖災難。面對都市開發與產業轉型的系統運作，臺灣藝術家林書楷與紐約FuturePerfect Studio創辦人韋恩．艾希莉（Wayne Ashley）透過《幻影之城》MR混合實境技術，將已被拆毀的臺南家園、家族產業與都市記憶，在虛擬世界中重組，探討在冰冷的城市發展體系下，個人與集體的記憶如何透過科技與想像力獲得存續的可能。

燼光之城──文明之後的迴響　Fallenstadt: the Rise and Fall of Cities
展覽官網｜ https://jam.jutfoundation.org.tw/exhibition/5428
展覽日期｜2026.3.21（六）-2026.7.12（日）
展覽地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）
開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
參觀資訊及購票資訊｜全票150元、優待票100元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）
週三學生日｜每週三憑學生證可當日單次免費參觀

_{資料提供｜忠泰美術館、文字整理｜Adela Cheng}

新北市美術館於2026年3月21日至9月6日推出阿根廷藝術家托馬斯・薩拉切諾（Tomás Saraceno）在臺灣的首次大型個展「共織宇宙」（Interwoven）。

托馬斯・薩拉切諾是誰？

出生於1973年的托馬斯・薩拉切諾現居柏林，是當代藝術界長期關注生態與科技議題的重要藝術家。他的創作跨越藝術、科學與社會行動領域，並與生物學家、物理學家與環境研究者合作，將蜘蛛網、空氣流動與宇宙結構等研究轉化為可被感知的藝術經驗。透過跨領域合作，持續探索那些平時難以察覺的連結，使觀眾得以重新理解生命與環境之間的關係。

在展覽中穿梭不同尺度的世界

展覽「共織宇宙」以「網絡」作為核心概念。從蜘蛛絲所構成的微觀結構，到科學家提出的宇宙網理論，藝術家透過作品呈現一種關於世界的想像：生命、自然與宇宙並非彼此孤立，而是透過無數看不見的關係彼此交織。觀眾將在展覽中穿梭於不同尺度的世界——從蜘蛛透過絲線震動感知環境的微觀生命，到宇宙中連結星系的巨大網絡，感受那些將萬物連結在一起的無形絲線。

重新想像人類與萬物交織的世界

美術館也透過沉浸式裝置、聲音作品與社群參與計畫，邀請觀眾與空氣、蜘蛛、雲層、孢子、種子、暗物質以及宇宙等不同存在一同感知世界，重新思考人類與自然萬物之間交織共存的關係。展覽亦回應當代文化機構如何面對全球環境與社會變遷的提問，嘗試透過藝術開啟新的感知方式，形塑未來的公共想像。

蜘蛛、宇宙與感知的網絡

本次展出的重要作品之一〈關注之網〉（Webs of At-ten(s)ion）呈現由多種蜘蛛共同編織而成的三維網絡。蜘蛛透過絲線的震動感知世界，蛛網既是建築結構，也是感官系統。在展場中，不同物種的蜘蛛沿著既有的網絡持續編織，形成跨越時間與物種的對話，也象徵即使在看似差異或衝突的群體之間，仍有可能發展出共存與合作的模式。

另一件作品〈如何將宇宙陷入蛛網？〉（How to Entangle the Universe in a Spider/web?）則將蜘蛛網轉化為宇宙圖景。透過光與空間裝置，蜘蛛網的結構被比擬為連結星系的暗物質網絡，讓觀眾思考微觀與宇宙尺度之間的相似結構與共振關係。

在大型裝置〈算法．韻律〉（Algo-r(h)i(y)thms）中，蜘蛛網被轉化為一個可進入的張力空間。觀眾在其中移動與感知震動，身體成為網絡的一部分，體驗不同生命之間的連結與平衡，並透過聲音與振動感受萬物之間的關係。

展覽亦回應當代關於地球與環境危機的重要討論。從「人類世」（Anthropocene）到「資本世」（Capitalocene）的概念，都指出人類活動與資本主義體系對環境造成的深遠影響。薩拉切諾因此提出另一種觀看世界的方式——「大氣世」（Aero(s)cenic），將大氣視為連結所有生命與物質的共同媒介，並重新思考人類與地球之間的關係。

藝術、社群與氣候行動

展覽同時呈現藝術家與阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）原住民社群長期合作的成果。這些社群持續對抗鋰礦開採對土地與水資源造成的威脅。鋰被稱為「21世紀的白金」，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，但每開採一公噸鋰礦可能消耗高達兩百萬公升的地下水，使南美洲「鋰三角」地區成為全球經濟與政治競逐的焦點。

在此背景下，藝術家推動「大氣世」（Aerocene）計畫，想像一種不依賴化石燃料的未來。展覽中首次在臺灣呈現的〈太陽能飛行博物館〉（Museo Aero Solar），由回收塑膠袋製成並僅依靠太陽熱能升空。這件作品既是一件雕塑，也是一項氣候行動，更是一種集體創作與合作的實踐。

此外，觀眾亦被邀請參與〈公平雲朵〉（Fairclouds）計畫，透過描繪雲朵形狀的創作，連結阿根廷社群守護水資源的行動，形成一幅關於水、記憶與未來的集體圖景。本展亦透過教育與社群參與計畫，邀集新北市多所學校與地方社群共同參與。

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜新北市美術館、文字整理｜Adela Cheng}