台北當代藝術館「宇宙寫生—豪華朗機工個展」開展:以經典舊作與全新創作,建構深刻的感官體驗

台北當代藝術館「宇宙寫生—豪華朗機工個展」開展:以經典舊作與全新創作,建構深刻的感官體驗

台北當代藝術館(以下簡稱當代館)將於10月4日至2026年1月11日推出年度壓軸大展,邀請成軍15週年的豪華朗機工帶來個展「宇宙寫生」,集結14件重新詮釋的舊作與1件全新創作,以「萬物皆連結 It's all connected」為核心,透過沉浸空間、跨媒體裝置和運算式技術建構深刻的感官體驗,希望喚起觀眾對於環境的珍視,並觸發對未來的幻想。

豪華朗機工由藝術家張耿豪、張耿華、陳乂及林昆穎組成,以跨界協作為標誌性手法,將音樂、科技、文本、影像與裝置融合為獨特的創作語彙,他們在自然與生活經驗中汲取靈感,並持續透過創作回應公共與社會議題,15年來,以連結和共創為核心,不斷在實驗與實踐之間推進,形成其獨特的群體創作方式。

豪華朗機工表示,「15年的創作旅程裡,每一次合作、挑戰與轉變都成為養分,讓我們在創作中,加入更多真實的體悟。這次的個展不只是回望,也是前行,舊作重生、新作誕生,就像生命持續朝向陽光的流動。我們希望觀眾也能在『宇宙寫生』中,找到屬於自己的記憶與共鳴。」

「宇宙寫生」展覽現場(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
「宇宙寫生」展覽現場(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

「宇宙寫生—豪華朗機工個展」從三個層次相互連結呈現,橫跨裝置、繪畫、雕塑與錄像等多樣媒材,在「連結的生命」中,看見人與環境如何互為依存;「記憶的物件」呈現時間與物質所留下的痕跡;而「凝視的宇宙」則以新作裝置開啟對未來的探索。

光影與自然的交響,展現生命共生的律動

位於入口形象區的裝置作品《四合》,以緩慢律動的光影迎接觀者進入,彼此獨立的燈管在明暗之間相互牽引,如同豪華朗機工四位成員,各自擁有不同的節奏與聲音,最終能在同一個框架中找到平衡,展現合作中微妙而和諧的能量。《游泳》透過白光燈管的波浪起伏,喚起人們對生命循環的感知。《風場II》將風的數據,轉化為機械與光影模擬自然律動,細長的發光體化為一片人工風林,在展場裡靜靜呼吸。

《四合》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《四合》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《游泳》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《游泳》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《風場II》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《風場II》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

《在屾》使用鋼筋廢料重新構築出山的形象,反思自然災害的影響,也回應人為過度開發的問題。《雨霾II》以藝術家親手撿拾的海廢構築出海面景象,隨裝置律動上下起伏,物件相互撞擊,化為如午後陣雨般的聲響,喚起屬於臺灣人共同的感官記憶。《冷凝》將冷氣銅管與羽毛並置,展現氣候變遷下冰冷與柔軟的對話。

《在屾》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《在屾》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《雨霾II》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《雨霾II》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《冷凝》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《冷凝》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

在記憶的光影裡,勾勒情感與時間的軌跡

《15年工作室》以繪畫與投影構築3個曾經的工作場域,這些熟悉的場景被轉化為略帶疏離的幻想,隨著畫作中光球的遊動,邀請觀者在凝視中穿越,沉澱於豪華朗機工15年的創作記憶。

《15年工作室》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《15年工作室》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

展示於展場3個樓梯間的「照顧計畫」系列,靈感源自2006年張耿豪、張耿華在當代館展出的《啄木鳥》,延續鳥與樹木互惠共生的意象,作品以影像與訪談呈現,由3個段落組成,是展覽中唯一「現身說法」的篇章。

《15年工作室》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《15年工作室》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

2010年誕生的《日光域》,隨豪華朗機工走訪各地,藉由回收燈具重新聚合光源,化為物質與環境的詩意對話,作品一路迭代至今,於當代館推出全新版本《日光域XI—台北當代藝術館》。新版作品以回收平板電腦作為光的載體,映照當代人們被網路、社群與演算法環繞的處境,數位藍光宛如日光,再次引導觀眾在凝視中思索。

《日光域XI—台北當代藝術館》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《日光域XI—台北當代藝術館》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

2019年跨界力作《很難很難》攜手音樂人魏如萱、鳳小岳與音樂總監陳建騏共同創作,於當代館再度原地重現。作品以光與音樂交織,回應生命中誕生與離別的對比經驗,讓光點在日常場景間緩緩游移,成為觸發記憶的媒介。它不追求外在震撼,而像是一場私密的對話,引領觀眾在重溫回憶的同時,感受從失落到新生的力量。

《很難很難》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《很難很難》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

《天氣好不好我們都要飛》始於15年前,豪華朗機工與台新銀行文化藝術基金會共同企劃,以空白鳥圖紙邀請全臺37,200位孩童描繪心中飛翔的夢想,2025年,藝術家再次打開圖紙,重組天氣鳥,穿越教室飛進眾人的天空,這件大型集合創作再次展翅,象徵自由與勇氣不因時代而停歇,無論天氣如何,都要勇往直前飛,現場也邀請觀眾加入「天氣團」,一起為小鳥繪製彩色翅膀。

《天氣好不好我們都要飛》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《天氣好不好我們都要飛》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

第15件作品—「宇宙寫生」的終章

展覽尾聲在二樓最大的展間以《宇宙201》作為能量聚合點,結合《生光》《物林》《手識》3件相互連動的核心作品,構築出一個會呼吸的宇宙場域,每一部分獨立閃耀,卻在同一片宇宙中運行。《生光》將聲音與光編織成一個可以被包覆的宇宙,邀請觀眾開啟全身的感知,跟聲音的頻率與光的震動一起呼吸;《物林》由漂流木打造而成,圍繞而彼此聯結的森林,而在林間深處,《手識》運作著聯想生命的手勢,仿若熟悉的身影,與《生光》的多重光場互相牽引,象徵人類的意識,將人與自然、宇宙連結。這3件作品所組成的《宇宙201》,是豪華朗機工對「宇宙寫生」的深層思考,在思念耿豪的手感當中繪製完成。作品以詩意的現實幻境,使觀者意識到科技之中的溫度與靈性,生命與記憶在此延伸,化為展覽中最為深沉的心跳。

《宇宙201》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《宇宙201》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《宇宙201》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
《宇宙201》(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

另外,展覽期間也將舉辦豐富多元的教育活動,包括涵蓋科技藝術、詩性美學、團隊共創與文化共生等主題的系列講座;以身體和感官為主的工作坊、親子手作活動,以及邀請不同領域的專家學者進行導覽,讓觀眾在展覽之外延伸更多想像。活動詳情與報名請參見當代館官方網站公告。

「宇宙寫生—豪華朗機工個展」周邊商品 藝術商店現場(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)
「宇宙寫生—豪華朗機工個展」周邊商品 藝術商店現場(圖片提供:台北當代藝術館,攝影:ANPIS FOTO 王世邦)

宇宙寫生—豪華朗機工個展
地點|台北當代藝術館
展期|2025 / 10 / 4 Sat. – 2026 / 1 / 11 Sun.

更多資訊可至官網查詢

資料提供|台北當代藝術館、文字整理|Adela Cheng

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大師真跡台南集合!agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭不羈能量如何闖進當代藝術殿堂
agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂

以塗鴉與街頭藝術為主角,agnès b.於臺南市美術館呈獻《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》。展覽由品牌創辦人Agnès女士親自策劃,集結她40多年來持續關注、收藏的街頭藝術作品,亦穿插一系列與塗鴉創作者合作的時裝,展現塗鴉不羈線條與濃烈色彩中湧動的街頭能量。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

Agnès女士與街頭藝術的不解之緣

在你眼裡,塗鴉是蠻橫闖進城景的入侵者,還是豐富街道樣貌的藝術創作?關於此,我們這一代最具代表性的時尚品牌經營者之一Agnès Troublé這麼說:「我所珍視並不斷重申的是,塗鴉不是污染。相反,它是一門豐富的藝術,它美化了生活,也美化了城市。」

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

Agnès女士身兼agnès b.創辦人和服裝設計師,穿梭於時尚與藝術領域,收藏、贊助也創作藝術。1975年,她在巴黎中央市場選中一間肉鋪,將其改造為agnès b.旗下第一間服裝店,那時,她便將品牌空間打造為時尚、音樂與塗鴉自由交會的創意場域。

1980年代初期,街頭藝術正於法國街頭萌芽,她看見塗鴉文化蘊藏的創作能量及時代精神,40多年來不僅持續關注、亦收藏和贊助不少街頭藝術家的作品,透過實際行動支持創作者。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

匯集塗鴉大師真跡

此次Agnès女士親自策劃《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》,她從自己從1984年起累積的5,000多件藝術藏品中,精選33件街頭藝術真跡,其中包含23組當代代表性藝術家之作,如Futura 2000、Katre、JonOne、Jim Joe等。

展品共同述說著20世紀末的城市文化發展軌跡,也映照出街頭藝術突破既有界線,從街頭走向當代藝術及時尚領域,成為當代重要藝文表現形式的過程。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

展覽以多元媒材呈現塗鴉藝術的豐富樣貌。其中,來自巴黎Molitor游泳池的3扇舊門扉,原為Agnès女士於游泳池拆除前特別保存的歷史物件,後邀請Philippe Baudelocque、Futura 2000、Katre於其上創作,讓藝術、歷史與時尚交織共存。

另一重點作品為Futura 2000的大型自畫像《Self-Portrait》(1985),這件Agnès女士私心最喜愛的收藏之一,展現了這位傳奇塗鴉大師精準的塗鴉噴漆技巧,及充滿流動感的抽象表現風格。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

當思想躍於紙上:藝術期刊《反諷點報》特別展出

展場同步展出agnès b.專屬藝術期刊《反諷點報(Point d’Ironie)》,其名稱源自19世紀象徵諷刺與獨立思辨的標點符號。這份刊物由Agnès女士與藝術家Christian Boltanski及Hans Ulrich Obrist共同發起,以紙本作為藝術表現媒介,每期皆邀請不同藝術家自由創作,讓刊物本身成為一件獨一無二的藝術作品。其中一期由Agnès女士蒐集來自羅馬、威尼斯、倫敦、香港及東京等城市的塗鴉影像,並親自進行排版設計,為此次展品之一。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

街頭藝術融入時裝設計語彙

身兼服裝設計師、藝術藏家身份,Agnès女士亦藉由與塗鴉藝術家合作,將街頭創作與攝影影像轉化為服裝語彙。本展帶來agnès b.與街頭藝術家合作的37件時裝作品,含括15件經典Photoprints服裝和22件藝術家T-shirt。藉此,觀眾將能看見藝術不只存在於畫框內、展牆上,也能是穿梭城市中的「行走藝術品」。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)
agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

展場限定!塗鴉藝術家KRINK創作T-shirt

agnès b.也特別攜手街頭藝術家Craig Costello(KRINK,KR)推出展場限定T-shirt。以噴濺與潑灑筆觸聞名的KR,創作橫跨雕塑、攝影、設計和繪畫,並以獨家研發的KRINK墨水聞名於街頭藝術界;他鮮明的視覺語彙和實驗精神,為塗鴉創作帶來獨樹一幟的美學表現。

此次展覽限定Tee正面呈現藝術家代表作,背面則集結本次展覽的亞洲巡迴站點——東京PARCO MUSEUM、臺南市美術館——的標誌,將街頭藝術精神延伸至日常穿搭。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

台灣藝術家現場創作展演同步展開

延續Agnès女士「藝術共享」的理念,臺南市美術館同步策劃「跨時空對話:從巴黎街頭到府城巷弄」現場創作展演計畫,邀請台灣塗鴉與街頭藝術家CREEPY MOUSE、黑雞先生Mr.OGAY、陳云、蔡濰任等人進駐創作,串連1980年代巴黎塗鴉文化與台灣當代在地視角,開啟一場跨越時空與地域的藝術對話。

agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)
agnès b.《我們愛塗鴉》特展登陸南美館,看街頭藝術如何闖進當代殿堂
(圖片提供:agnès b.)

《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》

展期|2026.06.25-09.20

地點|臺南市美術館1館 J展覽室

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當芙烈達不只是藝術家!倫敦Tate Modern《芙烈達卡蘿:偶像的誕生》展覽,從130件作品回望一位全球文化符號的誕生
《戴荊棘項鍊與蜂鳥的自畫像》以荊棘、黑貓、猴子與蜂鳥等元素,將疼痛、死亡與重生的意象交織。人物平靜凝視觀者的神情,更讓畫面產生了深層的渲染力與張力。

6月起在倫敦 Tate Modern(泰特現代美術館)展出的《Frida: The Making of an Icon》(芙烈達卡蘿:偶像的誕生),從逾百件她與後輩藝術家的作品,回顧芙烈達的創作歷程,梳理其如何成為至今仍深刻影響全球文化的時代 Icon。

提起芙烈達・卡蘿(Frida Kahlo),人們或許還未聽過她的故事,卻能一眼認得她筆下那些濃密連眉,身穿墨西哥傳統服飾與鮮艷花冠,唯妙唯肖的自畫像。即使未曾走進美術館,也可能在咖啡館牆面、帆布袋、文創設計,甚至城市街頭的塗鴉壁畫中與她相遇。如今,芙烈達早已超越藝術家的身份,成為全球流行文化中最具辨識度的女性形象之一。

(圖片來源:Tate Modern)
(圖片來源:Tate Modern)

從生命創傷,到創作語言

1907 年出生於墨西哥的芙烈達,18 歲時因一場嚴重車禍改變了人生。長達數月的臥床休養,讓她開始在病床上作畫,也開啟往後以自身經驗為核心的創作道路。她曾說:「我畫自畫像,是因為我經常獨自一人;我是最了解自己的人。(“I paint myself because I am so often alone and because I am the subject I know best.” ——Frida Kahlo)

《記憶,心》描繪芙烈達在她的丈夫和妹妹發生婚外情期間和之後所經歷的痛苦。(圖片來源:Julien Levy, Frida Kahlo)
《記憶,心》描繪芙烈達在她的丈夫和妹妹發生婚外情期間和之後所經歷的痛苦。(圖片來源:Julien Levy, Frida Kahlo)

身體的疼痛,流產的傷痛,與壁畫家迪亞哥・里維拉(Diego Rivera)複雜的婚姻,以及對墨西哥民族文化與政治信念的認同,都成為她作品中反覆出現的主題。

《我的裙子掛在那裡》(1933)。(圖片來源:Tate Modern)
《我的裙子掛在那裡》(1933)。(圖片來源:Tate Modern)

《兩個芙烈達》呈現兩個並肩而坐的自己,一位穿著歐洲白色洋裝,一位身披墨西哥傳統服飾,兩顆心臟以血管相連,映照她在文化認同與情感之間的拉扯;《破碎的圓柱》則將自己的身體化作龜裂的大地,一根殘破石柱支撐著軀幹,毫不掩飾長年病痛帶來的折磨。芙烈達並未美化苦難,而是將生命經驗轉化為強烈而坦率的視覺語言。

《兩個芙烈達》(1939);《破碎的圓柱》(1944)。(圖片來源:Frida Kahlo, Galerie Mont-Blanc)
《兩個芙烈達》(1939);《破碎的圓柱》(1944)。(圖片來源:Frida Kahlo, Galerie Mont-Blanc)

Tate Modern:觀看藝術家,也觀看「Icon」的誕生

Frida: The Making of an Icon》展覽由 Tate Modern 與休士頓美術館(Museum of Fine Arts, Houston)共同策劃,展出超過30件作品和其珍視的服飾、珠寶、照片和紀念物品,從芙烈達如何透過繪畫和建構自我形象,呈現她對於墨西哥文化認同、女性意識、酷兒身份與殘障經驗的回應。

《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》(1926);《鬆散頭髮的自畫像》(1938)。(圖片來源:Tate Modern)
《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》(1926);《鬆散頭髮的自畫像》(1938)。(圖片來源:Tate Modern)

展出作品包括《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》(1926)、《鬆散頭髮的自畫像》(1938)等代表作,同時,展覽也透過迪亞哥・里維拉(Diego Rivera)、瑪麗亞・伊斯奎耶多(María Izquierdo)等「墨西哥文藝復興」藝術家的作品,闡明塑造其創作脈絡的藝術與思想交流。

(圖片來源:María Izquierdo)
(圖片來源:María Izquierdo)

展覽也將芙烈達與琪琪・史密斯(Kiki Smith)、朱迪・芝加哥(Judy Smith)、森村泰昌(Yasumasa Morimura)等藝術家的作品並置,旨在致敬芙烈達對於墨西哥、美洲及歐洲各地女性藝術家的深遠影響,以及呈現當代藝術家如何借用她的形象,探討種族、性別、性取向、殘障等議題。

(圖片來源:Diego Rivera, Yasumasa Morimura)
(圖片來源:Diego Rivera, Yasumasa Morimura)

當一位藝術家成為商品

隨著愈來愈多涵蓋了芙烈達的藝術創作個人特質的商業化物品出現,「芙烈達熱」(Fridamania)成為近年藝術界持續討論的現象。展覽也以此為壓軸,匯集了逾200件出自同時代藝術家及受其啟發的後輩藝術家之手的作品和商品,探究「粉絲文化」這一引人入勝的現象,以此致敬並頌揚她所產生的深遠影響。

各地藝術家受芙烈達的創作和形象影響啟發。(圖片來源:Mary McCartney、Las Yeguas del Apocalipsis)
各地藝術家受芙烈達的創作和形象影響啟發。(圖片來源:Mary McCartney、Las Yeguas del Apocalipsis)

展物包括T恤、芭比娃娃、龍舌蘭酒、香水等各式商品;1983 年出版、後來被譯為25種以上語言的傳記《芙烈達:芙烈達・卡蘿傳》(Frida: A Biography of Frida Kahlo),也進一步推動她走入大眾文化。

(圖片來源:Tate Modern)
(圖片來源:Tate Modern)

芙烈達曾批判資本主義,但今日,她的形象卻成為全球授權商品的重要 IP。此展覽也邀請觀眾重新思考:當一位藝術家成為全球文化符號,她的生命故事是否也可能在一次次複製與再生中,被重新理解,甚至逐漸被簡化?

從美術館延伸至倫敦街頭

芙烈達的作品被重新詮釋後出現在街頭。(圖片來源:Tate Modern, Kevin)
芙烈達的作品被重新詮釋後出現在街頭。(圖片來源:Tate Modern, Kevin)
(圖片來源:Tate Modern)
(圖片來源:Tate Modern)

走出 Tate Modern,芙烈達的身影並未消失。六幅由新銳藝術家創作的大型公共壁畫近期在班克賽德(Bankside)一帶亮相。作品形式多樣,重新詮釋了她堅毅而自由的精神,而她所象徵的女性力量、身體自主、文化認同與反叛精神,至今也持續啟發世界各地的藝術家。

 

Frida: The Making of an Icon

時間:即日起至202713

地點:Tate Modern, Bankside, London, Greater London, SE1 9TG 

網站資訊請點此

資料來源|Tate Modern

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